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«Please Please Me», el inmejorable inicio de la brillante discografía de Los Beatles

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Los Beatles historia pura
Los Beatles, historia pura.

«Please, Please Me» inauguró el 22 de marzo de 1963 la inigualable discografía de Los Beatles, el cuarteto que sorprendió de entrada al mundo con una ópera prima que mostraba algo inédito hasta el momento respecto de otras bandas: sus integrantes escribían sus propias canciones, tocaban sus instrumentos con pericia y, además, cantaban muy bien.

Este primer larga duración también presentaba atisbos de originalidad entre sonoridades propias de la época, a la vez que, en un hecho inusual, no había temas de relleno y los exitosos singles se distribuían de manera estratégica a lo largo de la placa.

Si hasta el momento las radios británicas comenzaban a difundir cada vez con mayor asiduidad «Love Me Do», «Please Please Me» y sus respectivos lados B, «Ps I Love You» y «Ask Me Why»; el flamante álbum mostraba nuevos futuros hits como «I Saw Her Standing There», que le ponía primera al disco con la famosa cuenta de cuatro en la voz de Paul McCartney; «There’s a Place», «Boys», «Do You Want to Know a Secret» y «Twist & Shout», el caballito de batalla en sus shows en vivo durante cientos de presentaciones.

The Beatles «Please, please, me»

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El disco «Please Please Me» comenzó a gestarse sin saberlo en la sesión de grabación del 26 de noviembre de 1962, cuando se buscaba capitalizar el envión de «Love Me Do», el primer single lanzado alrededor de un mes y medio antes, el 5 de octubre.

El debut absoluto en las bateas de Los Beatles no había pasado del puesto 17 en las listas nacionales pero había sembrado la semilla de un sonido original; un rock lento, con raíz country, en la que las armonías vocales y el uso distintivo de la armónica connotaban su origen portuario. Además de ayudar al grupo a seguir sumando adeptos en todo el territorio.

Aunque esta vez el productor George Martin dio una prueba de confianza a Ringo Starr luego de dudar de sus capacidades y contratar al sesionista Andy White para la grabación de «Love Me Do», todavía no estaba seguro de que el grupo contara con una canción propia de calidad que lo mantuviera por la buena senda. Por ello les ordenó registrar una composición de Mitch Murray titulada «How Do You Do It?».

La orden del productor fue tomada a regañadientes por el grupo, pero especialmente por John Lennon, quien tras la aceptación de la sugerencia del mánager Brian Epstein de vestir trajes elegantes en vez de ropa de cuero y dejar de lado el comportamiento anárquico en el escenario en pos de un show más teatral, comenzaba a preguntarse si no estaba resignando demasiadas cosas en nombre de la fama.

Con mucho profesionalismo, Los Beatles grabó esa canción aunque el registro publicado años después en la serie «Anthology» evidencia la falta de chispa en su interpretación. Cuando los integrantes le advirtieron su descontento a George Martin, les replicó con autoridad: «Cuando tengan una canción mejor que esta, lo haremos; mientras tanto, grabaremos esta».

La posibilidad de una reconsideración del productor apareció cuando Lennon le mostró una melodía inspirada en el personal estilo de Roy Orbison, titulada «Please Please Me». Martin le pidió que trabajaran en ella acelerando el ritmo, creando armonías vocales y un fraseo de armónica.

La banda regresó con todas las mejoras requeridas y el resultado era tan bueno que el productor aceptó grabarla y, al finalizar la sesión, exclamó por el intercomunicador entre la consola y el estudio: «Señores, los felicito. Acaban de grabar su primer número uno».

La premonición se cumplió, «Please Please Me» fue número uno y dejó las puertas abiertas de par en par para un primer larga duración.

Sin embargo, George Martin sabía que tenía un tesoro en sus manos al contar con dos compositores de talento, por lo que entendía que no necesariamente el disco debía abrir con las cuatro canciones conocidas por los singles y luego añadir algunas versiones de éxitos standards de la época para completar los 14 tracks necesarios, como estilaba la industria de la época cuando aparecía un suceso de ventas.

Entre las canciones propias de la dupla creativa, se escogieron «I Saw Her Standing There», muy pulida en sus shows en vivo; «Misery», a la que George Martin le agregó un piano; «Do You Want to Know a Secret», escrita para que George Harrison tenga su número solista; y «There´s a Place», un tema cuya letra preanunciaba la psicodelia al aludir por primera vez en una canción pop a la mente como lugar de refugio.

El productor también los instó a que grabaran algunas versiones que solían hacer desde sus largas noches en Hamburgo y en The Cavern, de Liverpool, como para mostrar las virtudes interpretativas de la banda.

Así fue que eligieron la lacrimógena «Anna (Go With Him)», de Arthur Alexander; «Chains», de la famosa dupla Carol King y Gerry Goffin; «Boys», un número que Ringo solía cantar en su antigua banda Rory Storm and The Hurricanes; «Baby, It´s You», de Burt Bacharach; la melosa «A Taste of Honey», y «Twist & Shout , un tema que en la voz de Lennon adquiría una rabia inusitada.

Precisamente, Martin aspiraba a captar la fuerza de sus presentaciones en vivo en The Cavern, pero ante las imposibilidades técnicas de grabarlos allí, optó por hacerlos tocar todo el material en un día de estudio, como si fuera en vivo.

En una sesión de nueve horas y 45 minutos, del 11 de febrero, en la que se dejó para el final «Twist & Shout» por el mal estado en que estaba la garganta de Lennon, tomó forma el primer larga duración de Los Beatles.

Para la portada, Martin quería que el fotógrafo Angus McBean retratara a los cuatro integrantes en el Zoológico de Londres, pero ante la negación de los permisos necesarios, optaron por unas tomas realizadas desde el patio interno de EMI en las que aparecían asomados a un balcón. La misma foto iba a ser replicada ocho años más tarde, durante las sesiones de «Let It Be», el disco que cerraría el recorrido iniciado por «Please Please Me».

El resto es historia conocida: el disco lanzó al estrellato mundial a los cuatro muchachos de Liverpool. En Argentina, el álbum se publicó el 7 de febrero de 1964 bajo la fallida traducción «Por favor, por favor, yo» como título. En esos días, Los Beatles conquistaban Estados Unidos en su primera visita a Nueva York.

Desde entonces y hasta su disolución oficial, en abril de 1970, «Los Fabulosos Cuatro» lanzaron 13 discos oficiales de estudio, cada uno de ellos revolucionario y superador del anterior; pero «Please Please Me» puso el piso demasiado alto.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
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Cuando la pantalla refleja los Derechos Humanos en la era digital

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Saudade fez morada aqui dentro Brasil
«Saudade fez morada aqui dentro» (Brasil)

El 20° Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos (Ficdh) que comienza este viernes en salas y espacios porteños, se plantea como objetivo el de poner en pantalla películas que interpelen sobre el uso y el cuidado de los derechos de los cibernautas, tanto en materia de datos como en exposición porque, avisó su directora Florencia Santucho, «le dimos prioridad a los derechos digitales».

«Si bien no todas las películas lo abarca, buscábamos que al menos lo toquen de manera lateral porque los datos se manipulan y esto afecta a los jóvenes porque los expone y convierte al mundo virtual en una realidad paralela, donde no hay una real consciencia de los riesgos», dijo a Télam Santucho.

«Es importante tomar consciencia de nuestros ciber derechos -agregó- y reconocer los espacios donde ponemos nuevas formas expresivas y narrativas, con cuidado a preservarnos y empoderarnos ante las nuevas dinámicas de control y poder de las plataformas».

La programación del Ficdh contará con 13 secciones: Derechos digitales (Finca), Ambiente, Infancia y Juventud, Memoria, Migrantes, Miradas de género, Panorama, Pueblos originarios, Foco Democracia en Latinoamérica, Ventana EngageMedia (Asia-Pacific), Ventana SIMA Studios (EEUU) y Retrospectiva #20FICDH.

Además, tendrá la clásica Sección Escuelas, que proyectará una selección del 20vo Ficdh para jóvenes y 26 películas realizadas por estudiantes en funciones didácticas.

Las competencias se dividirán en tres categorías: Oficial de Largometrajes, Corto y Mediometrajes y Documentales Latinoamericanos. Los premios serán otorgados por la Delegación Europea en Argentina, SIGNIS, La Haye Media, el Instituto en Lenguas Vivas «Juan Ramón Fernández», Gorky Films , Percepciones Textuales y RAFMA.

El oficio de buscar a Ins Argentina
«El oficio de buscar a Inés» (Argentina)

«El festival prioriza una selección de películas -indicó Santucho- que puedan incluir la diversidad dentro de la problemática. Buscamos las películas con mejor calidad y contenido de impacto, que representen distintos países, culturas y conflictos. Intentamos que haya un relato coral y que esas películas sean estrenos, con visión nueva y nuevos debates con un punto de vista global, para reflexionar de manera local».

Entre las películas seleccionas se podrán ver producciones de Perú, Rusia, China, Polonia, España, Argentina, Canadá, Portugal, Brasil y Francia, que abarcan tanto el género documental como la ficción.

— Festival FICDH (@FestivalFICDH) May 31, 2023

-Florencia, ¿qué valoración hacen de los 20 años de festival?

-El festival cumple 20 años, donde se empezó a sembrar esta semilla por los derechos humanos, con una demanda sobre Memoria, Verdad y Justicia, que en ese momento se podía palpar en la calle. En ese fervor, se ubicó con determinación y se arraigó. Hoy, con esa fortaleza de Madres y Abuelas pudimos abrir otros caminos con los Movimientos Sociales. El festival fue acompañando y creciendo a un movimiento que pudo encontrar un espacio de transformación y construcción colectiva, con un intercambio rico entre distintos actores sociales, con otras identidades y diversidades. Esto nos permitió llegar con esta riqueza humana. Somos referentes en latinoamericano en la temática.

-¿Cómo notan la producción de películas sobre derechos humanos a nivel mundial?

-Ha crecido enormemente en los últimos años. Por suerte hay festivales de Clase A que lo han tomado para sus competencias y las distribuidoras lo han incluido también, así como canales y plataformas. Sin embargo, hay una cuestión sutil sobre lo que se concibe como derechos humanos, para que no sea una visión de algo de lejano, como dictaduras o guerras. Tiene que ser visto como algo cotidiano y actual, en los diferentes ámbitos de la vida social.

-¿Por ejemplo?

-Todo conflicto de un individuo con el contexto que impide su desarrollo y libre expresión es algo de derechos humanos. También buscamos que el punto de vista fuera autóctono en lo que filmaron. Si bien hay muchos festivales que tratan temáticas sociales y derechos humanos, entre todos tenemos diferentes visiones y conceptos sobre lo prioritario para organizarlos. En nuestro caso, buscamos esa diversidad de autores, países y géneros.

As bestas Brasil
«As bestas» (Brasil)

-A nivel político, ¿cómo ven desde el festival el respeto por los derechos humanos?

-Es un momento en el cual estamos enfrentando un gran nivel de vulnerabilidad para ciertos sectores sociales, donde no solo hay guerras y violaciones a algunos pueblos, sino también perspectivas de grandes condicionamientos para los refugiados climáticos, con territorios que tendrán conflictos por recursos naturales, no hay suficiente consciencia sobre las violaciones a los derechos humanos. Si vemos que hay mas consciencia de cada sector sobre lo que son sus condiciones. Afortunadamente a través del cine vemos que en los peores contextos hay historias positivas y transmisión de esas herramientas de lucha para emerger de determinadas situaciones.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
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Por un capítulo, Kim Cattrall volverá como Samantha Jones en «And just like that…»

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Samantha Jones aparecer en un captulo en el que mantendr una conversacin telefnica con Carrie Bradshaw Foto AFP
Samantha Jones aparecerá en un capítulo en el que mantendrá una conversación telefónica con Carrie Bradshaw. Foto: AFP.

 

Tras la pelea pública con Sarah Jessica Parker y su ausencia en «And just like that…» la serie derivada de «Sex and the city» que se estrenó en el 2021 por la plataforma HBO Max, la actriz británica Kim Cattrall volverá a ponerse en la piel de Samantha Jones en una escena de la segunda temporada, informó la prensa internacional.

Cattrall solo aparecerá en un capítulo en el que mantendrá una conversación telefónica con Carrie Bradshaw (Parker) y así, brevemente, el elenco de «Sex and the city» que completan Kristin Davis y Cynthia Nixon estará como en la serie original.

Según el sitio especializado Variety, su presencia no significó una reconciliación con la protagonista de la serie: para llevar a cabo la escena rodada en marzo en Nueva York, Catrall no tuvo que ver, ni hablar, con ninguna de las actrices ni con el creador Michael Patrick King.

En 2016, Cattrall tomó la decisión de no interpretar más al personaje de Samantha que le dio un Globo de Oro en 2003, luego de considerar que Jones no había tenido un desarrollo «justo» en el guión de la tercera película de «Sex and the City», que finalmente fue cancelada.

Esta situación, según revelaron los medios internacionales, generó tensión con Parker y el creador de la historia.

Está previsto que la segunda temporada de «And Just Like That…» se estrene el 22 de junio, pero la escena en la que aparece Samantha Jones no se emitirá hasta agosto.

Entre los últimos proyectos de Cattrall se encuentran la película «About My Father», junto a Robert De Niro, la serie «How I Met Your Father» y próximamente la serie «Glamorous».

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Rubén Blades: el gran contador de historias condimentadas con buena salsa y swing

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Recital de Rubn Blades en el Luna Park Foto Osvaldo Fanton
Recital de Rubén Blades en el Luna Park. Foto: Osvaldo Fanton.

Si en su última visita de hace nueve años a nuestro país se unió a Carlos Franzetti y el recordado Leopoldo Federico para hacer lecturas desde el tango de su rico repertorio; en su regreso de la noche del miércoles en el Luna Park, la figura estelar de la salsa a nivel internacional, el panameño Rubén Blades, buceó en la estrecha relación forjada en Nueva York entre esta música y el jazz para recrear sus grandes éxitos junto a una big-band que lo acercó al swing.

Se trató de la parada argentina del “Salswing Tour!”, que la leyenda salsera lleva adelante desde hace dos años para mostrar el laureado disco que da nombre a la gira, realizado junto a un combo al estilo de las grandes orquestas de salón de la era dorada del jazz, dirigida por el bajista Roberto Delgado.

En esa tónica, tanto a través de las canciones como en sus alocuciones en cada intervalo, Blades desplegó sus pergaminos de fantástico contador de historias costumbristas en un lenguaje coloquial y coronadas con moralejas; de preciso compilador de frases populares y de sabio de barrio dispuesto a compartir sus reflexiones. Todo esto desfiló en ropajes que fueron mutando entre la picardía cotidiana, la genuina y sencilla emotividad, y la diatriba política.

En esta oportunidad, las narraciones, salpicadas de humoradas, transitaron en medio de una soberbia orquesta, compuesta por trece vientos, tres percusionistas, dos tecladistas, un bajista y un baterista, que se movió con igual soltura por los extremos de la salsa y el swing, además de mixturar sutilmente ritmos caribeños con sonoridades jazzeras.

Foto Osvaldo Fanton
Foto: Osvaldo Fanton.

El resultado fueron tres horas de goce pleno que mantuvieron encendida la llama iniciada hace 40 años con los fans locales, cuando el panameño debutó en suelo argentino en Obras con su grupo de entonces los Seis del Solar y Los Abuelos de la Nada como banda de apertura.

“La música de salsa en Nueva York siempre ha tenido una conexión y una asociación muy marcada con el jazz, entonces yo nunca entendí por qué razón en algunas partes encuentro gente que se extraña que tengamos inclinaciones hacia el jazz”, expresó Blades hacia la mitad del concierto, a modo de gran síntesis explicativa de su actual propuesta musical.

“Ahora mismo estamos haciendo un trabajo con Ron Carter. Miles Davis iba a grabar un solo en `Buscando América´ y no se pudo, no me acuerdo por qué. Pero hay una relación muy estrecha entre el jazz y la música de salsa de muchísimo tiempo”, ejemplificó el artista, que justamente realizó gran parte de su carrera en aquella ciudad estadounidense.

La explicitación de Blades no debería haber sido necesaria con solo escuchar la aceitada máquina rítmica en la que se convertía la big-band en los pasajes salseros y las magistrales apariciones de lenguajes jazzeros, fundamentalmente en teclados y en algunos vientos.

Foto Osvaldo Fanton
Foto: Osvaldo Fanton.

Por caso, el pianista Juan Berna podía pasar de ser el maestro absoluto del tumbao a ejecutar un solo a la altura de los grandes maestros del jazz; o el tecladista Luis Enrique Becerra podía convertirse en un émulo de Joe Zawinul.

Ambos mundos iban a quedar de total manifiesto en el arranque del concierto, cuando tras la festejada apertura con el gran clásico “Plástico”, que convidó al público a participar activamente sobre el final, cuando se nombran a los países latinoamericanos; el panameño dejó sola a la banda sobre el escenario para la pieza instrumental “Mambo Gil”, grabada originalmente por Tito Puente.

Aunque todavía no iba a aparecer el swing en su estado más puro, la secuencia orquestal ya dejó entrever de soslayo algunos sonidos que acercaban a Nueva York.

La seguidilla de canciones en este primer tramo mostró el perfil más comprometido de Blades y su acercamiento al sentir de las clases populares, de diferentes formas y desde distintos lugares. “Las calles” planteó una realidad barrial común a toda ciudad, “Pablo Pueblo” –con saludo incluido a Piero en el medio- evidenció la persistencia de problemáticas puntuales a pesar del paso del tiempo y “País portátil” mostró equivalencias entre aquella realidad retratada a finales de los `60 con la pintada en esta composición de 2004.

Foto Osvaldo Fanton
Foto: Osvaldo Fanton.

La era de dictaduras latinoamericanas fueron refrescadas con la directa “Prohibido olvidar” y “El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés”, inspirada en el asesinato del monseñor salvadoreño Oscar Arnulfo Romero. En el medio, la pícara pintura costumbrista de “Decisiones” también hizo pie en esa temática, cuando el artista recordó que fue una canción censurada en su país.

El cierre del primer bloque del concierto fue con “Ojos de perro azul” y su consecuente recuerdo a Gabriel García Márquez, “Cuentas del alma” y “Amor y control” que viraron la temática hacia las relaciones familiares, y “Todos vuelven”, que sirvió de excusa para recordar a figuras fallecidas, en un desfile de imágenes en las pantallas al estilo de los videos “In memoriam” que suelen emitirse en las entregas de premios.

Tina Turner, Tito Puente, Celia Cruz, Harry Belafonte, Wayne Shorter, Héctor Lavoe y diversas figuras de la música caribeña fueron algunos de los artistas recordados, para luego concentrar las imágenes en argentinos, entre los que caprichosamente aparecieron Gabo Ferro, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, Mercedes Sosa, Ástor Piazzolla, Osvaldo Pugliese, María Elena Walsh, Jorge Luis Borges, Leopoldo Federico, Marciano Cantero, Sergio Denis y los Les Luthiers Daniel Rabinovich y Marcos Mundstock.

Cada canción a lo largo de todo el concierto estuvo precedida por largas parrafadas de Blades quien, con mucho humor y una alta dosis de sensibilidad, narró historias, algunas reales y otras de dudosa procedencia, y detalló el origen de cada composición que se iba a interpretar.

Estuvieron allí sus recuerdos familiares, de viejos amores, momentos compartidos con celebridades como Bob Dylan, Miles Davis o Tony Bennett, sus anteriores visitas al país y la reacción del público en cada caso y comentarios sarcásticos sobre la función pública, ámbito en el que estuvo abocado entre 2004 y 2009 como Administrador General y Ministro de Turismo de su país.

También coqueteó con la idea de un cercano retiro de los escenarios, momento en el que apeló a una historia fantástica, para luego arribar a un hilarante remate y una simpática pero realista conclusión.

“Tuve un sueño en el que aparecieron todos mis personajes. Es cierto. No sé qué comí esa noche. El que más me asustó fue Pedro Navaja porque todos me preguntaban `¿vos te vas a ir? ¿Y nosotros?´. Y Pedro me decía: `¿Y a mí quién me va a cantar´. Así que recapacité. Lo que sí sé es que la última vez que estuve acá fue hace nueve años y en nueve años no me van a ver acá. Espero que me vean en algún otro lugar, pero ya cantando no creo”, deslizó el músico, quien está próximo a cumplir 75 años.

Foto Osvaldo Fanton
Foto: Osvaldo Fanton.

En la segunda parte del concierto, hubo una incursión ya bien marcada por el swing con la instrumental “Do I Hear Four?”, en donde se reforzó la idea estilística con el retiro del escenario de la sección de percusión, que incluía timbales, congas, cencerros, bongós y guiros; el bajo desplegando un “walking”, solos de clarinetes y trompetas con sordinas.

Blades se sumó para la evocación “sinatreana” de “The Way You Look Tonight” y para disfrazarse de Tony Bennett en “Watch What Happens”, tema de Michel Legrand, originalmente arreglado por Buddy Rich.

Claro que el regreso a la salsa y los ritmos caribeños fueron sin concesiones, con “El cantante”, el clásico popularizado por Héctor Lavoe –en otro momento homenaje-, “Arallué” y la personal “Paula C”. El bolero “Ya no me duele más” volvió sobre la senda del swing, “Ligia Elena” regresó sobre el costumbrismo y “Maestra vida” sonó resignificada con el paso de los años para su autor.

“No podemos irnos sin que venga este señor. La canción que me dijeron que era muy larga, que la gente iba a odiar”, lanzó Blades antes de iniciar la despedida con “Pedro Navaja”.

Luego de tres intensas horas, y muy a pesar del mismo Blades, hubo que ponerle punto final al concierto. Quedó sobrevolando si fue el último del panameño en nuestro país y, en caso que vuelva, en qué formato lo hará. Nunca se sabe porque, como bien cantó todo el estadio al unísono sobre el cierre, la vida te da sorpresas.

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