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Cosquín en modo fiesta por la celebración de 25 años de Los Caligaris

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Los Caligaris Foto Laura Lescano
Los Caligaris / Foto: Laura Lescano

La tercera noche del 63° Festival Nacional de Folclore de Cosquín -dominada por expresiones musicales de Córdoba y Jujuy y la de mayor convocatoria hasta ahora- tuvo un cierre altamente festivo de la mano de la multirítmica alegría circense de Los Caligaris, que debutaron en el encuentro para el festejo por 25 años de camino.

La numerosa agrupación cordobesa vinculada al cuarteto, el circo y el ska propuso una celebración que excedió a esos géneros y construyó una fiesta poderosa y divertida aunque estrictamente nada folclórica para su primera vez en el escenario Atahualpa Yupanqui.

El conjunto integrado por Martín Pampiglione y Juan Carlos Taleb (en voz y guitarra), Diego Pampiglione (batería), Gabriel Garita Onandía (bajo), Marian Pellegrino y Mariano Baigorria (guitarra), Mauricio Ambrosi y Armando “Zurdo” Mansilla (percusión), Valentín Scagliola (teclados y acordeón), Agustín Cuadrado (trompeta) y Marcos Ozamis (saxo) mostró las credenciales de su manejo de la escena.

Con rápidos y efectivos números circenses matizando el espectáculo, Los Caligaris pusieron dos pequeñas carpas rojas y amarillas sobre el tablado y contaron con un público entregado a esa dimensión gozosa con narices de payaso luminosas, espuma en aerosol o banderas como la que un niño desplegaba con la frase “Antes muerto que dejar de soñar” (una de las máximas de la canción «Kilómetros»).

Los Caligaris Foto Laura Lescano
Los Caligaris / Foto: Laura Lescano

“Nos llevó 25 años llegar a esta plaza”, saludaron tras el inicio de las 2.40 con “Todos locos”, primera pieza de una nómina de una efectividad quizás montada en una apabullante sencillez que incluyó “Nadie es perfecto”, “Razón” y “Un chico en el cuerpo de un mayor”.

Con un sonido arrollador, impecable y de tracción a sangre, la banda anunció la llegada de “nuestros primeros invitados como para emparentarnos con el folclore” y subieron el charanguista Pachi Herrera y la cantante sanjuanina Claudia Pirán para “Con vos”.

“Es un placer volver y volver con ellos”, confió la vocalista que fue Consagración en 2005, tras lucirse como la gran intérprete que es y antes de que Caligaris arremetiera con dos personales versiones: “Viva Córdoba», de Los del Suquía; y “Volver”, con Carlos Gardel cantando desde la pantalla.

Foto Laura Lescano
Foto: Laura Lescano

“Asado y fernet” (con la participación de Los Tekis) y “Quiero cumbia” fueron otros pasajes sonoros de la noche antes de la despedida, a las 3.45, con el inmenso letrero donde se leyó: “Gracias muchas”.

Antes de Los Caligaris y con un similar clima lúdico y carnavelero, los jujeños de Los Tekis concretaron su 31° presencia en el Festival con un celebrado show con una sorprendente e inusual cantidad de pistas pregrabadas.

Haciendo equilibrio entre un espectáculo de música electrónica norteña y el playback, el quinteto que reúne a Sebastián López (primera voz, quena y charango), Juanjo Pestoni (batería), Mauro Coletti (vientos), Pipo Valdez (vientos y charango), Walter Sader (guitarra) y Pucho Ponce (bajo) agitó a la audiencia casi sin necesidad de tocar en vivo, lo que puede llevar a preguntarse si Cosquín tomará otros rumbos sonoros ya que la propuesta aportó su potente impronta a una velada volcada al bullicio.

El rito de pelotas gigantes con el nombre de uno de los auspiciantes del evento, espuma y papel picado se desarrolló en medio de un singular set que comenzó con «Todos nos vamos a morir igual» e incluyó “Llorar, Llorar, Llorar”, “Hasta el otro carnaval”, “Soltame Carnaval” y, en los bises, «El humahuaqueño» y «Pena de amor».

El broche que reunió a estas dos bandas de cuño cercano -aunque los locales y debutantes efectivamente tocan y cantan- se dio en el marco de una programación donde también confluyeron las delegaciones provinciales de Jujuy y Córdoba y que quedó a años luz de los espacios de recogimiento, reflexión y silencio que regalaron Jairo-Juan Falú-Lavandera en la apertura y el centenario de Hamlet Lima Quintana el domingo, dos momentos excepcionales en varios sentidos.

Los Caligaris Foto Laura Lescano
Los Caligaris / Foto: Laura Lescano

Con inicio a cargo de Facundo Toro, fue su continuadora en el escenario la vientista, cantante y autora norteña Micaela Chauque, quien mejor procuró reunir las vertientes de raíz y estridencia que dominaron la grilla, con claro predominio del segundo elemento.

Acompañada por un eficaz grupo y con coreografías a cargo de cuerpos de baile llegados desde Abra Pampa y La Quiaca, la oriunda de Iruya (Salta) y radicada desde pequeña en Tilcara (Jujuy) tuvo un comienzo enérgico e instrumental para enseguida recibir al cantante Antonio Olarte con quien compuso y compartió “Tinku de paz”.

“Gracias por esos aplausos y por el apoyo de siempre del público”, saludó antes de entonar, caja en mano, “Corazón jornalero” con el que llamó a la “conservación de los montes nativos”.

 Foto Laura Lescano
Foto: Laura Lescano

Para coronar su actuación, la ejecutante de quenas, flautas y sikuris propuso «Carnaval de antaño» mientras decenas de bailarinas ocupaban el inmenso espacio escénico.

Ese mismo espíritu se continuó en la delegación jujeña que tuvo una destacada apertura con piezas de exaltación femenina autóctona con “Jujuy mujer” (a Barbarita Cruz), “Zamba de Lozano” (a Yolanda Pérez) y “Juana Azurduy”, mientras se habilitaba el ingreso a personas con remeras negras con las inscripciones Gobierno de Jujuy. Unión, paz y trabajo.

Tal vez para equiparar ese auge jujeño, centenares de enseñas cordobesas de plástico se repartieron en las plateas y acompañaron la presentación de los locales Ceibo, quienes en el mediodía del domingo allí mismo participaron de una versión de la “Misa Criolla” junto al coro municipal con entrada gratuita.

 Foto Laura Lescano
Foto: Laura Lescano

A la medianoche fue el turno de La Charo, quien tuvo un ingreso de peso y despliegue escénico “desde Formosa y desde Chaco con un saludito con ‘Agüita de manantial’”, tal como lo verbalizó, pero su propuesta fue perdiendo consistencia.

Con una marcada y machacante base electrónica en manos del avezado Gaby Kerpel, la también actriz que integra el elenco de “Sex” en Villa Carlos Paz, apostó a las cumbias (como “Pajarito” y “Sobre tu playa”, esta última de Inti Illimani) pero ese rumbo sonoro de algún modo las igualó, por caso, con “Malambeo”.

Luciendo al principio una vincha de plumas “de homenaje a nuestros pueblos originarios como mujer guaraní que soy”, según expresó, remató su set con una peculiar visita a “Celador de sueños” (del dúo mendocino Orozco-Barrientos) que hasta incorporó un fragmento con la voz de Mercedes Sosa.

 Foto Laura Lescano
Foto: Laura Lescano

Después de los salteños Guitarreros, la delegación cordobesa combinó en su participación un homenaje a Ica Novo (con “Del norte cordobés”) y hacia el final sumó las voces de las destacadas Mery Murúa y Paola Bernal mientras las banderas locales flameaban de nuevo para recibir a otro crédito provincial como Pachecos.

Fotos: Laura Lescano

La agenda

Para la noche de este martes, con un pronóstico de lluvias que se iniciarían desde la primera tarde, figuran Luis Salinas–Lito Vitale; María Fernanda Juárez; Carolina Del Carmen Peleritti; Horacio Banegas; Oiga Orquesta; Milena Salamanca; Los Alonsitos; Bruno Arias; y Dúo Coplanacu.

La grilla del miércoles, con la confirmada ausencia de Los Nocheros por el grave estado de salud de una familiar, tendrá a Destino San Javier, Bruja Salguero, Antonio Tarrago Ros, Gabriel Macías y Ahyre.


La campaña electoral se metió en el Festival

El Festival de Folclore de Cosquín se convirtió la noche del lunes en un apéndice de la próxima campaña electoral, con las presencias del gobernador de Jujuy Gerardo Morales (UCR-Juntos por el Cambio), del intendente de Córdoba Martin Llaryora (Córdoba Cambia) y del diputado nacional Mario Negri (UCR-Juntos por el Cambio), todos ellos recibidos y honrados por el titular de la Comisión Municipal de Folclore e intendente coscoíno el socialista Gabriel Musso.

Con el intendente Musso como anfitrión, el primero en llegar fue el intendente de la capital provincial, el justicialista Llaryora, quien anunció que su próxima visita al Festival la hará como “gobernador de Córdoba”.

“Entonces yo digo que vendré a Cosquín como presidente”, recogió el guante el radical jujeño Morales quien acompañado por su correligionario Negri, recibió de manos de Musso el tradicional poncho coscoíno en el marco de un convenio cultural entre esta ciudad del Valle de Punilla y la provincia norteña.

Morales, quien encabezó una vasta comitiva que incluyó la presencia de personas con remeras negras con la leyenda Gobierno de Jujuy Unión, paz y trabajo, confirmó que presidirá la Mesa del Litio que Jujuy integra con Salta y Catamarca porque, sostuvo, ese mineral “es la gran transición energética”, atribuyó que “estemos mal” a que “somos unos necios y me incluyo” y declinó referirse a la situación de la dirigente social Milagro Sala que lleva más de siete años presa “porque hay un fallo de la Corte Suprema”.

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1973: La primavera del vinilo argentino

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Un ao explosivo con diez placas que haran historia
Un año explosivo con diez placas que harían historia.

Si los años 60 abarcan el nacimiento de una revolución cultural planetaria, Argentina sembró en el mismo período una producción particularísima, plena de identidad, en la obra de sus artistas. En cuanto al “rock del país”, esa siembra floreció, a la par del cine, y quedó tallada en vinilo en la siguiente década: 1973 resultó así un año todavía insuperable en cantidad y calidad discográfica. A su vez, este miercoles 8 de febrero se cumple también medio siglo del estreno de «Hasta que se ponga el sol»:  icónico documental que refleja todo aquello. 

Fue entonces la consolidación de aquellos LP cuyos autores habían “aprendido a ser” en el decenio previo y destacarían por conjugar el primer rock en español del mundo: a diferencia de España, México, Uruguay, Colombia (Los Bravos, Teen tops, Ritchie Valens, entre otros) los pioneros locales no traducían del inglés ni componían en ese idioma, sino que construían una poética propia, ligada a su realidad específica sudamericana, suburbana, siempre accidental.

Así, dentro de este lustro enorme –¿qué hay más relativo que el tiempo?– desatado en 1968, la Argentina alcanzó en 1973 su año de oro para la incipiente electricidad de guitarras y voces empuñadas con poesía que abrían paso a psicodelias, protestas, conquistas.

Los fundacionales

Al calor de la recuperación democrática, y tras el impulso del Cordobazo, en el 69, la ventana que abría la democracia desató una tormenta creativa.  A 1973, en definitiva, corresponde el nacimiento de gemas fundacionales que marcarían todas las tendencias posteriores de la “música moderna” vernácula: debut discográfico de León Gieco (con título homónimo); segundo LP de Sui Generis “Confesiones de invierno”, repleto de hits (Rasguña las piedras, Aprendizaje y el que da título al disco, por mencionar algunos). Por su parte, el ex Almendra Edelmiro Molinari sacaba el segundo LP de su banda: Color Humano 2.

A aquellos clásicos se sumarían, en el mismo año, «Pappo´s Blues volumen 4», con Black Amaya, Alejandro Medina y el prolífico David Lebón, que en 1973 graba en seis álbumes de los diez abarcado por este repaso, haciendo las veces de baterista, bajista, guitarrista, tecladista y hasta lanzando su propio primer disco solista. 

Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll

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También del 73 data la feliz rabia de la banda spinetteana confirmada en el “doble de Pescado” (así se popularizó el disco que incluía un mítico cuadernillo con letras y dibujos) y, en continuidad con dicha placa, la hechicería de Luis Alberto Spinetta plasmada a solas en su deslumbrante “Artaud” placa que, aunque se asignó a Pescado Rabioso por cuestiones contractuales, era un solista de Luis con invitados varios.

¿Qué más se le podía pedir a nuestros próceres eléctricos? La avanzada del ’73 y su influencia ramificarían en bosques de estilos, músicos, letristas y tendencias:  ni siquiera la dictadura obtusa y criminal del ’76 pudo interrumpir ese torrente, que seguiría expandiéndose contra toda bota o mordaza.

Juventud, divino tesoro

¿Qué contexto signó aquellos doce meses en particular?  Un protagonismo generacional había prodigado, desde los tempranos 70, la participación política, el fervor de Montoneros y su respaldo al mítico regreso definitivo de Perón. No en vano, el apodo de “Tío” a Cámpora, es decir, el hermano del “Padre” líder: todo un síntoma juvenil hecho lenguaje.

El 31 de marzo del 73, Billy Bond y sus músicos de La Pesada, invitados a tocar en un festejo de la Juventud Peronista en la cancha de Argentinos Juniors protagonizaron una anécdota que pinta la época: “Antes de subir al escenario –recuerda Billy en una entrevista– un tipo me dijo que gritara’¡ Viva Evita!’. Al minuto llega otro que me dice que ni se me ocurra hablar de Evita: ‘Decí, ¡Viva Isabelita!’, me ruge. Pero otro que viene al rato me ordena que mencione a Cámpora. ¡Me confundieron tanto que a la semana terminé yéndome a Brasil!”.

Cuadernillo artesanal del disco «Pescado Rabioso 2» que incluía letras y dibujos

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Los festivales BArock de 1970, 1971 Y 1972 organizados por Daniel Ripoll ya habían mostrado una convocatoria de crecimiento exponencial. El rock iba en ascenso y ganaba público. El onganiato de los 60, persiguiendo con sus tijeras a los hippies, había fracasado: el pelo no paraba de crecer, y la música tampoco. Las discográficas, empresas al fin, no la dejaron pasar. Y fueron parte de esa bendita cresta.

El vinilo como estandarte de una comunidad

La industria cinematográfica local, que crecía a la par del rock, produjo un aporte clave a esta explosión: Phonalex, donde se mezcló el sonido de emblemáticos films nacionales, fue un neurálgico estudio de grabación de la movida.

En esos días, inesperados músicos de melena, zapatos con plataforma y ropa de colores inquietaban al personal: experimentaban haciendo tomas en los pasillos, llevando micrófonos al baño para registrar percusiones con reverberación y otras rarezas: «Pescado 2», «Artaud», «Confesiones de invierno», «Color Humano 2», entre otros, se grabaron allí.

Pappo´s blues Vol 4: Gato de la calle negra

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Todos para uno

No es posible concebir el hecho discográfico anual que aquí reseñamos sin referir la raíz del iceberg: un movimiento, un modo de creer, convivir y relacionarse propio de la generación entonces joven, que emergía en música. Aquello fue, ni más ni menos que la cima de un acontecimiento colectivo.

Y si, por ejemplo, un desencontrado Spinetta se alejaba de Black Amaya y Carlos Cutaia (respectivamente baterista y tecladista de Pescado Rabioso) para acometer el increíble «Artaud» –cumbre solista y total del gran juglar criollo– aquello mismo era también parte de un organismo que se expandía desplegando caminos nuevos, bifurcándose tercamente en otros, al decir borgiano.

Manal la primera banda del mundo que hizo blues en espaol gracias a su creador letrista y baterista Javier Martnez
Manal: la primera banda del mundo que hizo blues en español gracias a su creador, letrista, y baterista, Javier Martínez.

David Lebón, sin ser el único, es paradigma de la misma red que sostenía e impulsaba orgánicamente a los artistas. “El Ruso” hizo todo e hilvana a todos: bajista en Pappo´s Blues y en Pescado Rabioso (donde a su vez tocaban el futuro Máquina de hacer pájaros Carlos Cutaia y el ex Pappo´s Blues Black Amaya); guitarrista en La Pesada y en Sui Generis (cuyo baterista Juan Rodríguez y bajista Rinaldo Rafanelli integrarían luego junto a Lebón la banda Polifemo); baterista en Color Humano (del ex Almendra Edelmiro Molinari); tecladista en Espíritu; cantante o coreuta en todas las formaciones por las que pasó. Lebón fue uno de los protagonistas, en suma, de esos infinitos cruces –aquí se refieren apenas algunos– donde el cosmos del arte procreaba su pulso a pura fertilidad.

“Flaco, no te sobra una moneda / quiero estar la vida entera/ escuchando rocanrol / Flaco, esta noche toca Pappo / tengo un mambo que me caigo/no me lo puedo perder…” bramaban Billy Bond, y luego el propio Charly (aun vilipendiado artísticamente por el susodicho guitarrista) por si quedaban dudas de una voz hermanada y colectiva, incluso en la disidencia estilística.

Hasta que se ponga el sol

Exactamente el 8 de febrero de 1973 se estrenaba “Hasta que se ponga el sol”, la película realizada a partir de Daniel Ripoll, gestor de los sucesivos festivales BArock (donde participaban las bandas aquí referidas) según él mismo recuerda este miércoles, en las redes sociales: “al día de hoy es una de las películas más vistas del cine argentino, por millones de personas de varias generaciones y ganadora, además, del gran premio Cóndor de Plata del cine nacional».

Color Humano uno de los desprendimientos del enorme Almendra
Color Humano: uno de los desprendimientos del enorme Almendra.

Ripoll -quien fuera también creador y editor de la mítica revista de rock Pelo– agrega en la evocación: que el título elegido para la película «fue extraído del mismo slogan que yo usaba para el festival desde 1970. La frase, en realidad, hacía del defecto virtud; se refería (y advertía) que al caer el sol nos teníamos que ir todos porque los militares no nos permitían hacer música de noche. Hoy parece inconcebible, pero en esos tiempos de terror y prepotencia era así…”.

Artaud El 1 de los 100 mejores discos del rock nacional segn la ltima encuesta de la revista Rolling Stone
Artaud: El 1° de los 100 mejores discos del rock nacional según la última encuesta de la revista Rolling Stone.

El recuerdo, en definitiva, completa la evocación de un torrente imparable, de esos que marcan la historia y definen a una comunidad en la traducción de sus artistas, sus exponentes irremplazables.

Sí; fue hace medio siglo y mucho ha cambiado: corría el año 1973, salían algunos discos. Nada menos que estos. Se tejía la espesura fundante del rock nacional. De su potencia y pulsión, de su paisaje escarpado, prodigioso, deslumbrante.

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«Brotherhood», una apuesta al «humor como catalizador» ante la orfandad

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La pieza expone las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior prdida de sus padres
La pieza expone las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior pérdida de sus padres

«Brotherhood», obra escrita y dirigida por Anahí Ribeiro, que retrata el vínculo entre siete hermanos que se enfrentan a la orfandad y apuesta al «humor como catalizador», se presenta todos los jueves, a las 20, en el porteño teatro Metropolitan.

«La obra tiene un lenguaje cotidiano, orgánico y argentino, complementado por una puesta moderna, con mucho ritmo, música, tecnología y, sobre todo, con mucho humor. El humor como remanso, como tangente, a veces irónico, a veces negro, pero esencialmente como catalizador», dijo Ribeiro en una entrevista con Télam.

La pieza busca retratar las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior pérdida de sus padres, los roles que ocupa cada uno y, sobre todo, cómo los lazos sanguíneos no son determinantes en estos momentos.

La pregunta que me surgi al respecto fue qu pasa con el vnculo entre los hermanos cuando llega la orfandad asegura Ribeiro
«La pregunta que me surgió al respecto fue qué pasa con el vínculo entre los hermanos cuando llega la orfandad», asegura Ribeiro.

«Hay en la historia una reflexión que tiene que ver con la certeza de que todos hacemos lo que podemos con lo que somos, con las herramientas que tenemos, con el amor que recibimos, con lo que estamos dispuestos a entregar, con nuestros miedos, nuestras culpas e imposibilidades», expresó la directora.

«El deterioro y la muerte llegarán indefectiblemente, solo depende de nosotros y de cómo llevemos adelante nuestros vínculos familiares, lo que hará que ese tránsito sea lo menos doloroso posible», abundó Ribeiro, también actriz.

Julia Funari, María Forni, Carlos Marsero, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Sebastián Femenia y Bárbara Majnemer, conforman el elenco de la obra que se puede ver en la sala de la avenida Corrientes 1343.

Ribeiro La prdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos
Ribeiro: «La pérdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor, porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos.»

Luego de presentarse en 2019 y 2020 en Nün Teatro Bar y en 2022 en la sala Dumont 4040, «Brotherhood» pasó a ser parte del fenómeno de los últimos años en el que producciones del circuito independiente porteño desembarcan en la cartelera comercial.

Ribeiro dirigió piezas como «Iluminada y eterna», «Lo que vendrá», «Las primas hermanas», «Los jueves, amantes», «Madre hasta la muerte», «La cita», «La fragilidad del cielo», y «La mujer judía»; mientras que como actriz participó de títulos como «División de bienes», «Ojalá lloviera», «Panoramas olvidados», «A que jugamos», «La casa de Bernarda Alba», «Criminal» y «Recordando con ira», entre otros.

– ¿Cuál fue el disparador de esta historia?

– La enfermedad de mis abuelos provocó una implosión familiar de la que fue difícil no quedar ajeno. Cuando los padres, que ofician de centro neurálgico, dejan de estar o de no poder seguir sosteniendo lo establecido, la relación de los hermanos se pone en jaque.

– A partir de esa vivencia, ¿qué buscaste reflejar en la obra?

– La pregunta que me surgió al respecto fue qué pasa con el vínculo entre los hermanos cuando llega la orfandad. En la búsqueda de responder esa pregunta me encontré con una constante que se repetía en varias familias en situaciones similares: la ruptura, el desencuentro, las diferencias, las imposibilidades, las alianzas, los lugares que se decide ocupar, los espacios que se abandonan, y lo que no se quiere o puede afrontar. Y todo eso atravesado por el dolor. Es de esto de lo que quería hablar. Todos tenemos en «Brotherhood» a alguien que conocemos sentado en una de esas sillas y a veces nos descubrimos a nosotros mismos escuchando textos que podrían salir de nuestra boca.

– ¿Cómo trabajaste los vínculos?

– Trabajé con dos ideas concretas: la primera es que siendo integrantes de la misma familia cada uno tuvo una experiencia distinta siendo hijo, cada uno vivió una infancia propia y no necesariamente compartida con los demás. Todos tienen recuerdos comunes y, al mismo tiempo, partes de la historia que arman el rompecabezas del relato general. Y la segunda, es que nadie es del todo malo ni del todo bueno, hay bemoles, matices, grises. Eso me permitió crearlos en conjunto e individualmente, construyendo sus personalidades, alianzas, semejanzas y opuestos.

– ¿Qué elementos contemplaste para tratar temas como la muerte y la enfermedad?

– Si bien no hay dudas de que la muerte es un hecho irreparable y triste, el foco está puesto en el deterioro y en los pequeños detalles cotidianos que va erosionando el mundo que conocemos. La pérdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor, porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos.

– ¿Con qué creés que empatiza el espectador?

– Creo que con la idea de que esta hermandad podría ser su propia familia. Y que más allá de las diferencias y las luchas, si hay amor, todo puede superarse. Porque por sobre todas las cuestiones, «Brotherhood» está construida desde el amor.

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Graciela Borges: «Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt»

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Es una de las divas de nuestro cine Por eso Graciela Borges film con los ms grandes directores
Es una de las divas de nuestro cine. Por eso, Graciela Borges filmó con los más grandes directores.

Graciela Borges ultima detalles del reestreno de su obra «Alquimia» en Mar del Plata con la incorporación de la cantante y guitarrista Adriana Barcia, en una apuesta que le genera profundas expectativas como ya no le pasa con el cine, del que decidió alejarse por atravesar el síndrome de burnout, la misma crisis creativa que algunas figuras de Hollywood.

«Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt», contó la actriz a Télam, en relación con sus últimos rodajes, que le produjeron sensaciones asociadas al «agotamiento laboral», que es un tipo especial de estrés relacionado con el trabajo, un estado de agotamiento físico o emocional que también implica una ausencia de la sensación de logro y pérdida de la identidad personal.

Los motivos principales que la llevaron a esta determinación los reconoce en las formas y la extensión de las jornadas de grabación. «Los directores no usan el viejo y querido fílmico; con todo esto de ahora, pueden innovar y hacer lo que les da la gana simplemente porque no les cuesta», contrastó.

Sin embargo, admite que sus últimos dos películas -junto a Juan José Campanella (‘El cuento de las comadrejas’, en 2019) y Pablo Trapero (‘La quietud’, en 2018)- le gustaron pero que le trajeron «muchísimo cansancio» y por eso no volvería a participar de ninguna más.

La gran actriz argentina será la anfitriona de «Alquimia», una velada inolvidable. En definitiva, una cálida reunión entre amigos, con guiños de complicidad constantes y con recuerdos que fluirán mágicamente por el ambiente a través de poemas, música, audiovisuales y fotografías acompañada por la voz y la guitarra de Adriana Barcia, con dirección de la propia Borges.

Las funciones de «Alquimia» serán desde este jueves y hasta el 12 de febrero a las 21.30 en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Auditorium, Centro Provincial de las Artes y forman parte de la programación impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires para esta temporada.

Musa inspiradora de Leopoldo Torre Nilsson, la multipremiada artista tiene un extenso y laureado recorrido en los escenarios y en los sets cinematográficos gracias a su talento y su calidez actoral. Durante su carrera filmó, entre otros, con Leonardo Favio, Fernando Ayala, Raúl De la Torre, Alejandro Doria, Lucas Demare, Luis Ortega, Diego Kaplan, Lucrecia Martel, Daniel Burman, Marcos Carnevale, Mario Sofici, Manuel Antin y el español Vicente Aranda.

Semanas atrs Graciela Borges recibi un Martn Fierro por su trayectoriaInstagram
Semanas atrás, Graciela Borges recibió un Martín Fierro por su trayectoria.(Instagram)

-Graciela, ¿qué sensación le produce volver a pisar un escenario?

-Haremos cuatro funciones entrañables. No se trata solo de una pieza de teatro, es un ir y venir de la gente con las historias de uno. Este espectáculo lo hago junto a la cantante Adriana Barcia, que es fantástica y me hace acordar a Mercedes Sosa, donde contamos las historias de poemas, canciones y de mi vida, pero es una apuesta por contar cosas verdaderas, no triunfantes. Todo el mundo cuenta la maravilla de los novios, de los premios, pero a mí me gusta contar todo lo contrario. Tengo muchas ganas de hacerlo y de volver a encontrarme con el público.

-¿Por qué eligió sumarse a la temporada en febrero?

-Quisimos hacerlo en enero pero mi cantante, Adriana, no podía, entonces decidimos postergarlo. Me llamó Victoria Onetto (subsecretaria de Políticas Culturales de la provincia de Buenos Aires), que es alguien a quien adoro y respeto, y me propuso que lo haga en el teatro Auditorium, un lugar inmensamente importante para mi carrera porque allí hicimos «Cartas de amor», con Rodolfo Bebán, en un éxito arrollador.

-¿Cómo se decide para emprender una gira, un espectáculo o una película nueva?

-Estoy probando qué me divierte hacer, divertirme en el profundo sentido del término, hacer las cosas bien no frívolamente. Y pasarla bien. Las películas ya las dejé.

-¿Por qué dice que las dejó?

-Me cansé mucho las últimas dos películas que hice. Las amé, pero fueron muy difíciles. Filmé con Campanella y Trapero, justo antes de este bicho que nos humilló tanto.

-¿Es una decisión definitiva?

-Las decisiones nunca son muy firmes, pero creo que me va a costar mucho. Tuve películas donde hice muchos personajes diferentes, mucha cosa linda, premiada adentro y afuera, pero cuando uno tiene una carrera tan especial se hace muy complicado elegir otra vez. Es raro que te llegue un guion que te guste, que no tengas idea de haberlo actuado antes. Que sea algo diferente, algo por conocer. Me gusta encontrarme con personajes que tenga que ir descubriendo, romperme la cabeza para saber cómo caminan o cómo hablan. Tuve guionistas maravillosos, ahora se me viene a la cabeza Aída Bortnik, que era una genia y contó las historias argentinas como nadie. Lo que quiero es tener ganas. Hace poco me llamó Ana Katz para hacer un pequeño personaje en una serie que está filmando con Carla Peterson y otra gente linda, y me convenció. Me divertí y lo pasé bien, pero fueron solo unos días.

-¿Qué cosas le cansan de los rodajes?

-Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt. Que significa algo así como «estar quemado», a muchos nos pasa esto. Tener que filmar y pensar «otra vez de noche», «otra vez 17 horas de filmación», «otra vez repetir letra». Los directores no usan el viejo y querido fílmico; con todo esto de ahora, pueden innovar y hacer lo que les da la gana simplemente porque no les cuesta.

-Y en lugar de espectadora, ¿sigue disfrutando de ver cine o teatro?

-Siempre. En la temporada teatral como en el cine encuentro cosas divinas, increíbles y logradas. A lo mejor hay cosas de las que uno no espera mucho, producidas con un mango con cincuenta, y te dan mucho. Y otras de las que mejor ni hablar.

-¿Cómo ve esta temporada en relación con la repercusión que tienen las obras, la propuesta artística general y la respuesta del público?

-No pude salir a ver muchas obras porque estoy cuidando mi salud y mi voz para las funciones. Pero me informé, como diría el viejo Borges, y sé que han ponderado muchísimo las propuestas de los marplatenses, lo cual no es una sorpresa. Realmente hay mucho para ver, al punto que no sé si haya público para tantas obras.

-¿Cuál es la particularidad o el encanto de hacer temporada en verano con el público de vacaciones?

-Estoy muy contenta de hacer teatro acá porque siempre me fue muy bien y hace muchos años no lo hago. Es una ciudad que mi madre siempre elegía para vacacionar, por eso me da una fascinación enorme. También veraneamos en Uruguay, y amo a los uruguayos, pero son lugares completamente distintos y hermosos. No hay que caer en comparaciones burdas, sería como comparar al caballo con el automóvil. Lo que te sirve de uno no se lo pedís a otro, ni que vaya tan rápido ni que el otro tenga sangre. A Mar del Plata la veo pujante, linda y movida. Cada año mejor.

-¿Cree que después de la pandemia la relación del público con el teatro cambió?

-No, yo creo que no. Cuando la gente recibe amor, da amor. Al principio se deslumbraron porque volver a ver un espectáculo era un milagro, pero ahora veo un público más tranquilo. Es un gran público el argentino. Tenemos que estar orgullosos de eso.

-En sus redes sociales, muestra a diario una relación entrañable con su nieta, María Jesús. ¿Se modernizó por ella o para ella?

-Es gracioso porque yo le digo siempre que sé mucho de redes sociales y ella me responde «Ay, abuela. Qué bien». Pero hace poco me llamó por teléfono y cuando ya habíamos empezado a hablar me dijo «mejor si separás el teléfono de tu cara, abuela, porque esto es una videollamada». Me dice que soy buena pero que nunca la acierto con eso.

-Y su papel activo en Instagram, por ejemplo, ¿es solo por su motivación?

-Hago todo yo. Las cuentas son manejadas por mí y no recibo ayuda de nadie, no tengo secretarios. Sí, mucha gente que trabaja conmigo, creativos, pero ninguno es mi asistente.

-Hizo un posteo sobre el caso Lucio Dupuy…

-Lo de Lucio era algo que tenía que escribir porque lo sentí y me dolió en el alma.

-¿Cómo es su vida en familia?

-Somos muy unidos. Con Jesús, la hija de Juan Cruz. voy a todos lados. Es divina, humilde, tiene un padre y una madre extraordinarios. Vamos seguido al campo a visitar a Patricia, que fue la última mujer de Juan Manuel (Bordeu, su exesposo), y nos juntamos con sus hijos, somos todos una familia. Difícil de explicarla, pero muy unida. Eso es algo maravilloso.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
En el mes , dia y año que corresponda, Título del artículo, Nombre del periódico, #volumen(#Edición o #ejemplar) pertenecen a la fuente Telam .
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