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Steve Davis, brillante protagonista en la apertura del festival de jazz de verano

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Foto Laura Tenenbaum
Foto: Laura Tenenbaum.

El trombonista estadounidense Steve Davis, figura capaz de reunir la tradición del jazz con las nuevas corrientes, fue el encargado la noche del viernes, en dos funciones abarrotadas de público, de inaugurar el festival «Summertime 2023» en la sala porteña Bebop Club donde se integró con naturalidad a la estupenda Big Orchestra local dirigida por el trompetista Mariano Loiácono.

El par de conciertos de poco más de una hora de duración que mostraron el carácter universal del lenguaje jazzero, fueron los primeros de una serie de cuatro que se completará este sábado con idénticos protagonistas en sesiones que se desarrollarán respectivamente desde las 20 y las 22.45 en la sala sita en Uriarte 1658.

Con estas actuaciones se produjo la apertura del primer festival veraniego de jazz organizado por Bebop Club (cuya sede palermitana inauguró la formación de Loiácono en diciembre de 2021) que se extenderá hasta el 25 de febrero con una atractiva combinación de artistas visitantes y locales.

Y el debut del espacio (una audaz iniciativa que tuvo un inicio brillante) tuvo como protagonista a Davis, nacido hace 55 años en Worcester y dueño de una trayectoria que lo unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, el sexteto Origin de Chick Corea y las bandas de Jackie McLean, Horace Silver y Freddie Hubbard, además de integrarlo a la Lincoln Center Jazz Orchestra dirigida por Wynton Marsalis.

Con esos pergaminos a cuestas en un camino iniciado en los 80, el trombonista ostenta un andar solista de casi tres décadas en el que registró una veintena de álbumes, el último de ellos «Bluesthetic», de 2022.

Sin ostentaciones pero con un pulso preciso y fresco a la vez (una mistura de sensaciones que el jazz sintetiza fenomenalmente refiriendo al swing) Davis comenzó su tercera visita a Buenos Aires (donde había tocado junto a las formaciones de Corea y Marsialis) compartiendo fecundamente con la agrupación dirigida por el inspirado artista cordobés, de 40 años.

Los recitales fueron abiertos por el conjunto donde Loiácono alista a Joaquin De Francisco (trombón), Gustavo Musso (saxo alto), Sebastian Loiácono y Mauro Ostinelli (saxo tenor), Andres Tarditti (saxo barítono), Ramiro Penovi (guitarra), Pablo Raposo (piano), Mauricio Dawid (contrabajo), y Alejandro Beelmann (batería), con una versión de «Satin Doll», de Duke Ellington.

Con un tono más actual llegó el «Friday Blues» del propio director de la orquesta, pero la probada ductilidad del ensamble y su célebre invitado volvió a quedar expuesto en «Chelsea Bridge», de Billy Strayhorn, y en el vibrante abordaje de «I Mean You», de Thelonious Monk.

Foto Laura Tenenbaum
Foto: Laura Tenenbaum.

Enseguida Loiácono avisó que sobre el clásico «I Remember Clifford», del saxofonista Benny Golson, había escrito un arreglo para que el rol solista corriera por cuenta del trombón de Davis y el experimento resultó una belleza capaz de disfrutar del fraseo del huésped.

Esa comunión fecunda volvió a quedar inmediatamente expuesta con el aire funky de «Song for my Love», del propio Davis, donde también se destacó el saxo alto de Musso.

Para el tramo final del espectáculo, la privilegiada voz de Julia Moscardini (un instrumento más dentro de la paleta de la formación) se integró para la balada de Duke Ellington «I Didn’t Know About» y pasó sin tropiezos al swing con el que Django Reinhardt y Stéphane Grappelli vistieron «After You’ve Gone» donde se produjo un atractivo contrapunto de vientos entre trompeta y trombón a los respectivos mandos de Mariano y Steve.

El exquisito blues «Fine and Mellow», compuesto e inmortalizado por Billie Holliday, cerró un recorrido de alto vuelo por una de las músicas populares más influyentes y versátiles del mundo.

Con la orquesta ya retirándose del escenario con la satisfacción del sonar cumplido, Davis descubrió una torta con una vela en una mesa alejada a la izquierda del tablado y como para sumarse al festejo, tocó la melodía del feliz cumpleaños con su trombón, desatando nuevos aplausos entre la audiencia que se resistía a que la noche musical se clausurara.

Foto Laura Tenenbaum
Foto: Laura Tenenbaum.

Además del par de funciones prevista para este sábado, el «Summertime 2023» continuará el sábado 21, a las 20, con Adrián Iaies Trío (junto a Carto Brandán en batería y Santi Lamisosvki en contrabajo) y esa misma noche pero desde las 22.45 y también la del viernes 3 de febrero el escenario será ocupado por Inés Estévez al frente de su cuarteto para proponer «Luxury Night».

El jueves 9 a las 22.45 el trompetista sudafricano James McClure tocará obra propia acompañado por el terceto local integrado por la pianista Pía Hernández, la contrabajista Diana Arias y el baterista Martin Freiberg; mientras que el 10 y 11 de febrero a las 20 Pablo Ziegler, pianista argentino radicado en Nueva York, presentará composiciones y arreglos junto al teclado de la japonesa Masae Shiwa y en compañía de Walter Castro (bandoneón) y Horacio «Mono» Hurtado (contrabajo).

También el sábado 11 pero desde las 22.45 Oscar Giunta Supertrio! (#OGSt!) que el baterista comparte con Ricardo Cavalli (saxo tenor) y Jerónimo Carmona (contrabajo), tendrá el aporte del pianista sueco Mattias Nilsson.

El domingo 12, a partir de las 20, será el turno del Trío Sin Tiempo, que junta al reputado pianista Leo Genovese con Mariano Otero (bajo y contrabajo) y Sergio Verdinelli (batería); y el 15 y 16 en tres funciones (dos a las 20 y otra a las 22.45 del jueves), la cantante de JJ Thames presentará «Mississippi Blues Diva».

Otros cuatro recitales (17 y 18 a las 20 y 22.45 en cada caso) serán el territorio común del VSP Trio (Anthony Wonsey en piano, Lonnie Plaxico en contrabajo y Carmen Intorre Jr en batería) con el trompetista local Mariano Loiácono; a la vez que el cierre previsto para el 25 a las 20 será animado por Delfina Oliver Quinteto para hacer «Jazz On Broadway».

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1973: La primavera del vinilo argentino

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Un ao explosivo con diez placas que haran historia
Un año explosivo con diez placas que harían historia.

Si los años 60 abarcan el nacimiento de una revolución cultural planetaria, Argentina sembró en el mismo período una producción particularísima, plena de identidad, en la obra de sus artistas. En cuanto al “rock del país”, esa siembra floreció, a la par del cine, y quedó tallada en vinilo en la siguiente década: 1973 resultó así un año todavía insuperable en cantidad y calidad discográfica. A su vez, este miercoles 8 de febrero se cumple también medio siglo del estreno de «Hasta que se ponga el sol»:  icónico documental que refleja todo aquello. 

Fue entonces la consolidación de aquellos LP cuyos autores habían “aprendido a ser” en el decenio previo y destacarían por conjugar el primer rock en español del mundo: a diferencia de España, México, Uruguay, Colombia (Los Bravos, Teen tops, Ritchie Valens, entre otros) los pioneros locales no traducían del inglés ni componían en ese idioma, sino que construían una poética propia, ligada a su realidad específica sudamericana, suburbana, siempre accidental.

Así, dentro de este lustro enorme –¿qué hay más relativo que el tiempo?– desatado en 1968, la Argentina alcanzó en 1973 su año de oro para la incipiente electricidad de guitarras y voces empuñadas con poesía que abrían paso a psicodelias, protestas, conquistas.

Los fundacionales

Al calor de la recuperación democrática, y tras el impulso del Cordobazo, en el 69, la ventana que abría la democracia desató una tormenta creativa.  A 1973, en definitiva, corresponde el nacimiento de gemas fundacionales que marcarían todas las tendencias posteriores de la “música moderna” vernácula: debut discográfico de León Gieco (con título homónimo); segundo LP de Sui Generis “Confesiones de invierno”, repleto de hits (Rasguña las piedras, Aprendizaje y el que da título al disco, por mencionar algunos). Por su parte, el ex Almendra Edelmiro Molinari sacaba el segundo LP de su banda: Color Humano 2.

A aquellos clásicos se sumarían, en el mismo año, «Pappo´s Blues volumen 4», con Black Amaya, Alejandro Medina y el prolífico David Lebón, que en 1973 graba en seis álbumes de los diez abarcado por este repaso, haciendo las veces de baterista, bajista, guitarrista, tecladista y hasta lanzando su propio primer disco solista. 

Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll

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También del 73 data la feliz rabia de la banda spinetteana confirmada en el “doble de Pescado” (así se popularizó el disco que incluía un mítico cuadernillo con letras y dibujos) y, en continuidad con dicha placa, la hechicería de Luis Alberto Spinetta plasmada a solas en su deslumbrante “Artaud” placa que, aunque se asignó a Pescado Rabioso por cuestiones contractuales, era un solista de Luis con invitados varios.

¿Qué más se le podía pedir a nuestros próceres eléctricos? La avanzada del ’73 y su influencia ramificarían en bosques de estilos, músicos, letristas y tendencias:  ni siquiera la dictadura obtusa y criminal del ’76 pudo interrumpir ese torrente, que seguiría expandiéndose contra toda bota o mordaza.

Juventud, divino tesoro

¿Qué contexto signó aquellos doce meses en particular?  Un protagonismo generacional había prodigado, desde los tempranos 70, la participación política, el fervor de Montoneros y su respaldo al mítico regreso definitivo de Perón. No en vano, el apodo de “Tío” a Cámpora, es decir, el hermano del “Padre” líder: todo un síntoma juvenil hecho lenguaje.

El 31 de marzo del 73, Billy Bond y sus músicos de La Pesada, invitados a tocar en un festejo de la Juventud Peronista en la cancha de Argentinos Juniors protagonizaron una anécdota que pinta la época: “Antes de subir al escenario –recuerda Billy en una entrevista– un tipo me dijo que gritara’¡ Viva Evita!’. Al minuto llega otro que me dice que ni se me ocurra hablar de Evita: ‘Decí, ¡Viva Isabelita!’, me ruge. Pero otro que viene al rato me ordena que mencione a Cámpora. ¡Me confundieron tanto que a la semana terminé yéndome a Brasil!”.

Cuadernillo artesanal del disco «Pescado Rabioso 2» que incluía letras y dibujos

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Los festivales BArock de 1970, 1971 Y 1972 organizados por Daniel Ripoll ya habían mostrado una convocatoria de crecimiento exponencial. El rock iba en ascenso y ganaba público. El onganiato de los 60, persiguiendo con sus tijeras a los hippies, había fracasado: el pelo no paraba de crecer, y la música tampoco. Las discográficas, empresas al fin, no la dejaron pasar. Y fueron parte de esa bendita cresta.

El vinilo como estandarte de una comunidad

La industria cinematográfica local, que crecía a la par del rock, produjo un aporte clave a esta explosión: Phonalex, donde se mezcló el sonido de emblemáticos films nacionales, fue un neurálgico estudio de grabación de la movida.

En esos días, inesperados músicos de melena, zapatos con plataforma y ropa de colores inquietaban al personal: experimentaban haciendo tomas en los pasillos, llevando micrófonos al baño para registrar percusiones con reverberación y otras rarezas: «Pescado 2», «Artaud», «Confesiones de invierno», «Color Humano 2», entre otros, se grabaron allí.

Pappo´s blues Vol 4: Gato de la calle negra

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Todos para uno

No es posible concebir el hecho discográfico anual que aquí reseñamos sin referir la raíz del iceberg: un movimiento, un modo de creer, convivir y relacionarse propio de la generación entonces joven, que emergía en música. Aquello fue, ni más ni menos que la cima de un acontecimiento colectivo.

Y si, por ejemplo, un desencontrado Spinetta se alejaba de Black Amaya y Carlos Cutaia (respectivamente baterista y tecladista de Pescado Rabioso) para acometer el increíble «Artaud» –cumbre solista y total del gran juglar criollo– aquello mismo era también parte de un organismo que se expandía desplegando caminos nuevos, bifurcándose tercamente en otros, al decir borgiano.

Manal la primera banda del mundo que hizo blues en espaol gracias a su creador letrista y baterista Javier Martnez
Manal: la primera banda del mundo que hizo blues en español gracias a su creador, letrista, y baterista, Javier Martínez.

David Lebón, sin ser el único, es paradigma de la misma red que sostenía e impulsaba orgánicamente a los artistas. “El Ruso” hizo todo e hilvana a todos: bajista en Pappo´s Blues y en Pescado Rabioso (donde a su vez tocaban el futuro Máquina de hacer pájaros Carlos Cutaia y el ex Pappo´s Blues Black Amaya); guitarrista en La Pesada y en Sui Generis (cuyo baterista Juan Rodríguez y bajista Rinaldo Rafanelli integrarían luego junto a Lebón la banda Polifemo); baterista en Color Humano (del ex Almendra Edelmiro Molinari); tecladista en Espíritu; cantante o coreuta en todas las formaciones por las que pasó. Lebón fue uno de los protagonistas, en suma, de esos infinitos cruces –aquí se refieren apenas algunos– donde el cosmos del arte procreaba su pulso a pura fertilidad.

“Flaco, no te sobra una moneda / quiero estar la vida entera/ escuchando rocanrol / Flaco, esta noche toca Pappo / tengo un mambo que me caigo/no me lo puedo perder…” bramaban Billy Bond, y luego el propio Charly (aun vilipendiado artísticamente por el susodicho guitarrista) por si quedaban dudas de una voz hermanada y colectiva, incluso en la disidencia estilística.

Hasta que se ponga el sol

Exactamente el 8 de febrero de 1973 se estrenaba “Hasta que se ponga el sol”, la película realizada a partir de Daniel Ripoll, gestor de los sucesivos festivales BArock (donde participaban las bandas aquí referidas) según él mismo recuerda este miércoles, en las redes sociales: “al día de hoy es una de las películas más vistas del cine argentino, por millones de personas de varias generaciones y ganadora, además, del gran premio Cóndor de Plata del cine nacional».

Color Humano uno de los desprendimientos del enorme Almendra
Color Humano: uno de los desprendimientos del enorme Almendra.

Ripoll -quien fuera también creador y editor de la mítica revista de rock Pelo– agrega en la evocación: que el título elegido para la película «fue extraído del mismo slogan que yo usaba para el festival desde 1970. La frase, en realidad, hacía del defecto virtud; se refería (y advertía) que al caer el sol nos teníamos que ir todos porque los militares no nos permitían hacer música de noche. Hoy parece inconcebible, pero en esos tiempos de terror y prepotencia era así…”.

Artaud El 1 de los 100 mejores discos del rock nacional segn la ltima encuesta de la revista Rolling Stone
Artaud: El 1° de los 100 mejores discos del rock nacional según la última encuesta de la revista Rolling Stone.

El recuerdo, en definitiva, completa la evocación de un torrente imparable, de esos que marcan la historia y definen a una comunidad en la traducción de sus artistas, sus exponentes irremplazables.

Sí; fue hace medio siglo y mucho ha cambiado: corría el año 1973, salían algunos discos. Nada menos que estos. Se tejía la espesura fundante del rock nacional. De su potencia y pulsión, de su paisaje escarpado, prodigioso, deslumbrante.

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«Brotherhood», una apuesta al «humor como catalizador» ante la orfandad

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La pieza expone las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior prdida de sus padres
La pieza expone las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior pérdida de sus padres

«Brotherhood», obra escrita y dirigida por Anahí Ribeiro, que retrata el vínculo entre siete hermanos que se enfrentan a la orfandad y apuesta al «humor como catalizador», se presenta todos los jueves, a las 20, en el porteño teatro Metropolitan.

«La obra tiene un lenguaje cotidiano, orgánico y argentino, complementado por una puesta moderna, con mucho ritmo, música, tecnología y, sobre todo, con mucho humor. El humor como remanso, como tangente, a veces irónico, a veces negro, pero esencialmente como catalizador», dijo Ribeiro en una entrevista con Télam.

La pieza busca retratar las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior pérdida de sus padres, los roles que ocupa cada uno y, sobre todo, cómo los lazos sanguíneos no son determinantes en estos momentos.

La pregunta que me surgi al respecto fue qu pasa con el vnculo entre los hermanos cuando llega la orfandad asegura Ribeiro
«La pregunta que me surgió al respecto fue qué pasa con el vínculo entre los hermanos cuando llega la orfandad», asegura Ribeiro.

«Hay en la historia una reflexión que tiene que ver con la certeza de que todos hacemos lo que podemos con lo que somos, con las herramientas que tenemos, con el amor que recibimos, con lo que estamos dispuestos a entregar, con nuestros miedos, nuestras culpas e imposibilidades», expresó la directora.

«El deterioro y la muerte llegarán indefectiblemente, solo depende de nosotros y de cómo llevemos adelante nuestros vínculos familiares, lo que hará que ese tránsito sea lo menos doloroso posible», abundó Ribeiro, también actriz.

Julia Funari, María Forni, Carlos Marsero, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Sebastián Femenia y Bárbara Majnemer, conforman el elenco de la obra que se puede ver en la sala de la avenida Corrientes 1343.

Ribeiro La prdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos
Ribeiro: «La pérdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor, porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos.»

Luego de presentarse en 2019 y 2020 en Nün Teatro Bar y en 2022 en la sala Dumont 4040, «Brotherhood» pasó a ser parte del fenómeno de los últimos años en el que producciones del circuito independiente porteño desembarcan en la cartelera comercial.

Ribeiro dirigió piezas como «Iluminada y eterna», «Lo que vendrá», «Las primas hermanas», «Los jueves, amantes», «Madre hasta la muerte», «La cita», «La fragilidad del cielo», y «La mujer judía»; mientras que como actriz participó de títulos como «División de bienes», «Ojalá lloviera», «Panoramas olvidados», «A que jugamos», «La casa de Bernarda Alba», «Criminal» y «Recordando con ira», entre otros.

– ¿Cuál fue el disparador de esta historia?

– La enfermedad de mis abuelos provocó una implosión familiar de la que fue difícil no quedar ajeno. Cuando los padres, que ofician de centro neurálgico, dejan de estar o de no poder seguir sosteniendo lo establecido, la relación de los hermanos se pone en jaque.

– A partir de esa vivencia, ¿qué buscaste reflejar en la obra?

– La pregunta que me surgió al respecto fue qué pasa con el vínculo entre los hermanos cuando llega la orfandad. En la búsqueda de responder esa pregunta me encontré con una constante que se repetía en varias familias en situaciones similares: la ruptura, el desencuentro, las diferencias, las imposibilidades, las alianzas, los lugares que se decide ocupar, los espacios que se abandonan, y lo que no se quiere o puede afrontar. Y todo eso atravesado por el dolor. Es de esto de lo que quería hablar. Todos tenemos en «Brotherhood» a alguien que conocemos sentado en una de esas sillas y a veces nos descubrimos a nosotros mismos escuchando textos que podrían salir de nuestra boca.

– ¿Cómo trabajaste los vínculos?

– Trabajé con dos ideas concretas: la primera es que siendo integrantes de la misma familia cada uno tuvo una experiencia distinta siendo hijo, cada uno vivió una infancia propia y no necesariamente compartida con los demás. Todos tienen recuerdos comunes y, al mismo tiempo, partes de la historia que arman el rompecabezas del relato general. Y la segunda, es que nadie es del todo malo ni del todo bueno, hay bemoles, matices, grises. Eso me permitió crearlos en conjunto e individualmente, construyendo sus personalidades, alianzas, semejanzas y opuestos.

– ¿Qué elementos contemplaste para tratar temas como la muerte y la enfermedad?

– Si bien no hay dudas de que la muerte es un hecho irreparable y triste, el foco está puesto en el deterioro y en los pequeños detalles cotidianos que va erosionando el mundo que conocemos. La pérdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor, porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos.

– ¿Con qué creés que empatiza el espectador?

– Creo que con la idea de que esta hermandad podría ser su propia familia. Y que más allá de las diferencias y las luchas, si hay amor, todo puede superarse. Porque por sobre todas las cuestiones, «Brotherhood» está construida desde el amor.

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Graciela Borges: «Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt»

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Es una de las divas de nuestro cine Por eso Graciela Borges film con los ms grandes directores
Es una de las divas de nuestro cine. Por eso, Graciela Borges filmó con los más grandes directores.

Graciela Borges ultima detalles del reestreno de su obra «Alquimia» en Mar del Plata con la incorporación de la cantante y guitarrista Adriana Barcia, en una apuesta que le genera profundas expectativas como ya no le pasa con el cine, del que decidió alejarse por atravesar el síndrome de burnout, la misma crisis creativa que algunas figuras de Hollywood.

«Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt», contó la actriz a Télam, en relación con sus últimos rodajes, que le produjeron sensaciones asociadas al «agotamiento laboral», que es un tipo especial de estrés relacionado con el trabajo, un estado de agotamiento físico o emocional que también implica una ausencia de la sensación de logro y pérdida de la identidad personal.

Los motivos principales que la llevaron a esta determinación los reconoce en las formas y la extensión de las jornadas de grabación. «Los directores no usan el viejo y querido fílmico; con todo esto de ahora, pueden innovar y hacer lo que les da la gana simplemente porque no les cuesta», contrastó.

Sin embargo, admite que sus últimos dos películas -junto a Juan José Campanella (‘El cuento de las comadrejas’, en 2019) y Pablo Trapero (‘La quietud’, en 2018)- le gustaron pero que le trajeron «muchísimo cansancio» y por eso no volvería a participar de ninguna más.

La gran actriz argentina será la anfitriona de «Alquimia», una velada inolvidable. En definitiva, una cálida reunión entre amigos, con guiños de complicidad constantes y con recuerdos que fluirán mágicamente por el ambiente a través de poemas, música, audiovisuales y fotografías acompañada por la voz y la guitarra de Adriana Barcia, con dirección de la propia Borges.

Las funciones de «Alquimia» serán desde este jueves y hasta el 12 de febrero a las 21.30 en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Auditorium, Centro Provincial de las Artes y forman parte de la programación impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires para esta temporada.

Musa inspiradora de Leopoldo Torre Nilsson, la multipremiada artista tiene un extenso y laureado recorrido en los escenarios y en los sets cinematográficos gracias a su talento y su calidez actoral. Durante su carrera filmó, entre otros, con Leonardo Favio, Fernando Ayala, Raúl De la Torre, Alejandro Doria, Lucas Demare, Luis Ortega, Diego Kaplan, Lucrecia Martel, Daniel Burman, Marcos Carnevale, Mario Sofici, Manuel Antin y el español Vicente Aranda.

Semanas atrs Graciela Borges recibi un Martn Fierro por su trayectoriaInstagram
Semanas atrás, Graciela Borges recibió un Martín Fierro por su trayectoria.(Instagram)

-Graciela, ¿qué sensación le produce volver a pisar un escenario?

-Haremos cuatro funciones entrañables. No se trata solo de una pieza de teatro, es un ir y venir de la gente con las historias de uno. Este espectáculo lo hago junto a la cantante Adriana Barcia, que es fantástica y me hace acordar a Mercedes Sosa, donde contamos las historias de poemas, canciones y de mi vida, pero es una apuesta por contar cosas verdaderas, no triunfantes. Todo el mundo cuenta la maravilla de los novios, de los premios, pero a mí me gusta contar todo lo contrario. Tengo muchas ganas de hacerlo y de volver a encontrarme con el público.

-¿Por qué eligió sumarse a la temporada en febrero?

-Quisimos hacerlo en enero pero mi cantante, Adriana, no podía, entonces decidimos postergarlo. Me llamó Victoria Onetto (subsecretaria de Políticas Culturales de la provincia de Buenos Aires), que es alguien a quien adoro y respeto, y me propuso que lo haga en el teatro Auditorium, un lugar inmensamente importante para mi carrera porque allí hicimos «Cartas de amor», con Rodolfo Bebán, en un éxito arrollador.

-¿Cómo se decide para emprender una gira, un espectáculo o una película nueva?

-Estoy probando qué me divierte hacer, divertirme en el profundo sentido del término, hacer las cosas bien no frívolamente. Y pasarla bien. Las películas ya las dejé.

-¿Por qué dice que las dejó?

-Me cansé mucho las últimas dos películas que hice. Las amé, pero fueron muy difíciles. Filmé con Campanella y Trapero, justo antes de este bicho que nos humilló tanto.

-¿Es una decisión definitiva?

-Las decisiones nunca son muy firmes, pero creo que me va a costar mucho. Tuve películas donde hice muchos personajes diferentes, mucha cosa linda, premiada adentro y afuera, pero cuando uno tiene una carrera tan especial se hace muy complicado elegir otra vez. Es raro que te llegue un guion que te guste, que no tengas idea de haberlo actuado antes. Que sea algo diferente, algo por conocer. Me gusta encontrarme con personajes que tenga que ir descubriendo, romperme la cabeza para saber cómo caminan o cómo hablan. Tuve guionistas maravillosos, ahora se me viene a la cabeza Aída Bortnik, que era una genia y contó las historias argentinas como nadie. Lo que quiero es tener ganas. Hace poco me llamó Ana Katz para hacer un pequeño personaje en una serie que está filmando con Carla Peterson y otra gente linda, y me convenció. Me divertí y lo pasé bien, pero fueron solo unos días.

-¿Qué cosas le cansan de los rodajes?

-Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt. Que significa algo así como «estar quemado», a muchos nos pasa esto. Tener que filmar y pensar «otra vez de noche», «otra vez 17 horas de filmación», «otra vez repetir letra». Los directores no usan el viejo y querido fílmico; con todo esto de ahora, pueden innovar y hacer lo que les da la gana simplemente porque no les cuesta.

-Y en lugar de espectadora, ¿sigue disfrutando de ver cine o teatro?

-Siempre. En la temporada teatral como en el cine encuentro cosas divinas, increíbles y logradas. A lo mejor hay cosas de las que uno no espera mucho, producidas con un mango con cincuenta, y te dan mucho. Y otras de las que mejor ni hablar.

-¿Cómo ve esta temporada en relación con la repercusión que tienen las obras, la propuesta artística general y la respuesta del público?

-No pude salir a ver muchas obras porque estoy cuidando mi salud y mi voz para las funciones. Pero me informé, como diría el viejo Borges, y sé que han ponderado muchísimo las propuestas de los marplatenses, lo cual no es una sorpresa. Realmente hay mucho para ver, al punto que no sé si haya público para tantas obras.

-¿Cuál es la particularidad o el encanto de hacer temporada en verano con el público de vacaciones?

-Estoy muy contenta de hacer teatro acá porque siempre me fue muy bien y hace muchos años no lo hago. Es una ciudad que mi madre siempre elegía para vacacionar, por eso me da una fascinación enorme. También veraneamos en Uruguay, y amo a los uruguayos, pero son lugares completamente distintos y hermosos. No hay que caer en comparaciones burdas, sería como comparar al caballo con el automóvil. Lo que te sirve de uno no se lo pedís a otro, ni que vaya tan rápido ni que el otro tenga sangre. A Mar del Plata la veo pujante, linda y movida. Cada año mejor.

-¿Cree que después de la pandemia la relación del público con el teatro cambió?

-No, yo creo que no. Cuando la gente recibe amor, da amor. Al principio se deslumbraron porque volver a ver un espectáculo era un milagro, pero ahora veo un público más tranquilo. Es un gran público el argentino. Tenemos que estar orgullosos de eso.

-En sus redes sociales, muestra a diario una relación entrañable con su nieta, María Jesús. ¿Se modernizó por ella o para ella?

-Es gracioso porque yo le digo siempre que sé mucho de redes sociales y ella me responde «Ay, abuela. Qué bien». Pero hace poco me llamó por teléfono y cuando ya habíamos empezado a hablar me dijo «mejor si separás el teléfono de tu cara, abuela, porque esto es una videollamada». Me dice que soy buena pero que nunca la acierto con eso.

-Y su papel activo en Instagram, por ejemplo, ¿es solo por su motivación?

-Hago todo yo. Las cuentas son manejadas por mí y no recibo ayuda de nadie, no tengo secretarios. Sí, mucha gente que trabaja conmigo, creativos, pero ninguno es mi asistente.

-Hizo un posteo sobre el caso Lucio Dupuy…

-Lo de Lucio era algo que tenía que escribir porque lo sentí y me dolió en el alma.

-¿Cómo es su vida en familia?

-Somos muy unidos. Con Jesús, la hija de Juan Cruz. voy a todos lados. Es divina, humilde, tiene un padre y una madre extraordinarios. Vamos seguido al campo a visitar a Patricia, que fue la última mujer de Juan Manuel (Bordeu, su exesposo), y nos juntamos con sus hijos, somos todos una familia. Difícil de explicarla, pero muy unida. Eso es algo maravilloso.

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