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Les Luthiers y un estreno «homenaje a aquellos con los que fabricamos este milagro»

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Foto: Prensa.

El conjunto humorístico-musical Les Luthiers, una creación que por más de 55 años asumió y sostuvo una estética reconocida en toda Iberoamérica, iniciará el jueves próximo en el porteño Teatro Ópera su gira de despedida con un nuevo espectáculo, «Mas tropiezos de Mastropiero», que para Carlos López Puccio, uno de los dos sobrevivientes del grupo, «de algún modo se convierte en un homenaje a los compañeros que ya no están, aquellos con los que fabricamos este milagro».

El «milagro» al que alude el artista, de 76 años, fue alumbrado en 1967 por Gerardo Masana (quien falleció en 1973) y se mantuvo como sexteto 13 años más hasta la salida de Ernesto Acher, pero aún con ambas pérdidas construyó un repertorio capaz de reunir excelencia y popularidad.

Espectáculos como «Viejos fracasos», «Mastropiero que nunca», «Les Luthiers hacen muchas gracias de nada», «Luthierías», «Por humor al arte», «Humor dulce hogar», «El reír de los cantares», «Bromato de armonio», «Todo por que rías», «Los Premios Mastropiero», «¡Chist!» y «Viejos Hazmerreíres», por citar apenas algunos de sus espectáculos, colmaron teatros latinoamericanos y españoles y sus registros aún concitan seguidores en YouTube.

Por ese andar, la agrupación cosechó infinidad de lauros internacionales, entre ellos, el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades por 50 años de trayectoria en 2017.

Pero en el camino y como parte de la existencia, fue perdiendo pilares como el lutier Carlos Iraldi (1995), Roberto Fontanarrosa (colaborador creativo entre 1979 y 2007), Daniel Rabinovich (muerto en agosto de 2015), la salida de Carlos Núñez Cortés a mediados de 2017 y, en abril de 2020, el deceso de Marcos Mundstock.

Sin embargo, el sorpresivo punto final para la trayectoria de Les Luthiers anunciado el jueves pasado -apenas una semana antes de poner a rodar la gira internacional de «Mas tropiezos de Mastropiero»- lo desencadenó la muerte del empresario Lino Patalano en septiembre último.

«La idea empezó a rondarnos a partir de la muerte de Lino Patalano. Con él, Jorge Maronna y yo habíamos creado en 2021 una sociedad para explotar la marca Les Luthiers, pero sin Lino, el manejo de esta mini empresa se nos complicó por arriba de nuestras posibilidades. Fue entonces que empezamos a barajar la idea, triste sin duda, de dejar los escenarios», confiesa López Puccio a Télam.

En esa decisión, añade López Puccio, «a la idea de cerrar se nos contraponía el deseo de comprobar si este nuevo espectáculo – primera novedad en 15 años- estaba a la altura de los anteriores, si el esfuerzo que hicimos con Jorge desde 2019 se habría justificado».

«Cuando lo pre-estrenamos en Rosario, a mediados de noviembre, comprobamos con mucha alegría que era bueno, que el público lo ovacionaba de pie. Nuestras mejores expectativas se colmaron. Allí vino la paradoja: ahora sí, vamos a cerrar pero no por un fracaso, sino con un éxito», resume.

El músico rosarino que es licenciado en Dirección Orquestal, docente universitario, fundador y director del Estudio Coral de Buenos Aires, estuvo entre 2000 y 2004 al frente del Coro Polifónico Nacional y desde 1969 forma parte de Les Luthiers, subraya que «tuvimos que poner mucho esfuerzo en reflotar al grupo en la post-pandemia».

«Les Luthiers -agrega- no es sólo un alegre grupo de buenos músicos y humoristas: debe contar con un plantel importante de productores, técnicos, asistentes, etcétera, para que los planes se desarrollen, las cosas funcionen siempre bien y toda la compañía pueda girar con fluidez».

Con una gira en ciernes que prevé seis funciones en el Ópera de Buenos Aires, otros escenarios locales y presentaciones en España, Costa Rica, Colombia, México, Chile y Uruguay, esta vez el tour sumará el gesto del adiós.

Junto a Jorge Maronna (miembro fundador) y con un elenco que completan Roberto Antier, Tomás Mayer-Wolf, Martín O’Connor y Horacio Tato Turano, (teniendo como alternantes a Santiago Otero Ramos y Pablo Rabinovich), Les Luthiers se despide a partir de un espectáculo donde recurre a una de sus criaturas emblema: Johann Sebastian Mastropiero, presente en las creaciones del grupo desde 1970.

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Foto: Prensa.

— ¿Esta presencia recurrente de Mastropiero lleva a pensar que pueda tener una vida propia que exceda a la del propio Les Luthiers?

– 
La obra de Mastropiero tal vez adquiera categoría de clásico, quizás perdure como tal. Pero no habrá nuevas obras de él, como no habrá más «Astérix» sin Goscinny y Uderzo, ni «Inodoro Pereyra» sin nuestro querido Fontanarrosa, ni «Mafalda» sin Quino.

– ¿»Mas tropiezos de Mastropiero» era un espectáculo bosquejado anteriormente a partir del emblemático personaje o surge pensado para esta formación actual de Les Luthiers?

– 
«Más tropiezos…» es un espectáculo especial respecto de todos los anteriores: está escrito completamente para la formación actual. En este sentido puedo decir que no es más de lo mismo y que, además, es tan bueno como los anteriores.

– A lo largo de la historia, Les Luthiers ha tenido diversas colaboraciones autorales ¿cómo fue el proceso de crear «Mas tropiezos de Mastropiero» junto a Jorge Maronna?

– 
Primero murió Daniel. Luego se jubiló Núñez. Hubo una sensación, tal vez no de final pero sí de agobio. Hacíamos antologías. Era difícil pensar en crear algo nuevo. Luego, a principios de 2019, se enfermó Marcos y pronto supimos que su camino no tendría retorno. Una semana después, por fuerza y respondiendo a compromisos que teníamos ya asumidos (una inminente gira por Cataluña con todas las entradas ya vendidas), salimos de viaje sin Marcos; Roberto Antier, que era el reemplazante, ocupó su lugar a las apuradas. En ese momento terminó de conformarse este que, con el tiempo, llamaríamos «Elenco 2019». Así que debíamos afrontar la difícil prueba de escribir, por primera vez, un espectáculo ya no de autoría colectiva, manto que siempre suavizó la responsabilidad individual, y no defraudar; generar un producto que mantuviera el nivel de lo hecho antes.

– ¿Es diferente crear para aquel grupo que se conocía de memoria que hacerlo para un elenco con nuevos y diferentes integrantes?

– 
Desde siempre usábamos una metáfora para explicar nuestros procesos de creación: decíamos que primero tirábamos la flecha y después le dibujábamos el blanco. Dicho de una manera menos zen: siempre escribimos para las fuerzas con que contábamos; para las capacidades, las virtudes de cada integrante; y no le pedíamos a ninguno hacer cosas que no sabía hacer. Esta vez esas capacidades y virtudes eran otras. Tuvimos mucho cuidado en observar qué era lo mejor de cada nuevo integrante y buscamos explotar la parte de su potencialidad que quedaba oculta mientras eran remplazantes.

– Preguntado de otro modo…¿esta nueva propuesta puede ser la prueba de que el humor de Les Luthiers trasciende a la clásica integración del grupo?

– 
Sí y no. Hay que tener en cuenta que Les Luthiers no es sólo obra de sus actores, tal vez lo más visible; siempre hizo falta el impulso inicial de sus libretistas y compositores, que en casi todos los casos precedió al desarrollo de las capacidades escénicas. En escena, la respuesta es: sí. «Mas tropiezos…» es un espectáculo muy pero muy divertido, tanto como los mejores espectáculos de la historia de Les Luthiers pero explota rasgos propios del elenco actual. Creo que Jorge y yo fuimos el puente entre la tradición y la novedad.

– El hecho de ponerle un punto final a tan impactante historia ¿genera algún tipo de balance que tenga ganas de compartir?

– 
Gran parte de mis fuerzas artísticas y creativas estuvieron, a lo largo de más de cinco décadas, al servicio de este hermoso invento que es Les Luthiers. Tuve en él un segundo hogar; tuve hermanos, amigos, cómplices, socios… La decisión de terminar dentro de un año con tan larga historia, vino acompañada de no poca tristeza; no se abandona sin marcas un amor de cinco décadas. Pero hacerlo con salud y presentando un producto que honra la calidad proverbial del conjunto, compensa mucho esa tristeza.

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«Sebastián Piana en Tinta Roja» propone un viaje hacia el corazón negro del tango

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Nacho Piana y Shino Ohnaga los autores
Nacho Piana y Shino Ohnaga, los autores.

«Sebastián Piana en Tinta Roja” es el nombre del libro recientemente publicado por la editorial Mil Campanas, dedicado a la figura del pianista, director y compositor argentino, creador de la milonga porteña, que reúne 12 composiciones para piano recuperadas por los músicos Nacho Piana y Shino Ohnaga.

Nacido en el barrio de Almagro en 1903, Piana fue uno de los compositores de la música popular argentina, quien transformó el lenguaje del tango: rompió con el canon del “tango emblanquecido” y, desde la negritud, creó y renovó estilos.

“Sobre el pucho”, tango que compuso junto a su padre y que estrenado en 1922, se convirtió en su primer éxito, marcó el inicio de un largo camino en el que creó más de 500 obras.

En la década del 30, Piana renovó el género de la milonga; asociado en las letras con Homero Manzi. El pianista consideró como su mayor mérito, el hecho de haber creado «una milonga suburbana, de la ciudad, diferente de la milonga campera».

“Sebastián Piana en Tinta Roja” es el libro, en versión trilingüe -español, inglés, japonés- que estará disponible desde el 20 de febrero en las principales librerías del país y en el sitio milcampanas.com.ar.

El libro transcribe por primera vez las 12 composiciones incluidas en el libro Sebastin Piana por Sebastin Piana
El libro transcribe, por primera vez, las 12 composiciones incluidas en el libro “Sebastián Piana por Sebastián Piana”.

“Revolucionó la milonga ciudadana. Fue el creador de la milonga candombe, estilo propio que cristalizó en varias de sus composiciones y fue incorporado a partir de 1940 por la Orquesta Típica Candombe, la única que sumó tres tambores afro-argentinos. También hizo un aporte esencial al vals criollo”, sintetizó Nacho Piana, uno de los autores y nieto de Sebastián.

El libro transcribe, por primera vez, las 12 composiciones incluidas en el libro “Sebastián Piana por Sebastián Piana” (1969), tarea que encaró la pianista japonesa Shino Onhaga y que se expresa en obras como “Milonga sentimental”, “Milonga del 900”, “Viejo ciego”, “Juan Manuel”, “El Pescante” y “Milonga Triste”, y “Sobre el pucho”, tango que compuso junto a su padre y que estrenado en 1922, se convirtió en su primer éxito.

“El mundo musical de Piana es fascinante. Invencible. Nos tocó la enorme responsabilidad de traducir estas obras al papel tal como él las tocaba”, explicó Ohnaga, pianista radicada en la argentina y especializada en el estudio del tango.

El libro cuenta también con textos de Juan Falú, Lidia Borda y Susana Rinaldi, y cuenta con los aportes de algunos alumnos de Sebastián Piana, quien desplegó una reconocida tarea docente. “La historia de Sebastián Piana es la historia del tango canción”, escribe Rinaldi.

Esta publicación de Piana-Ohnaga se inscribe en una línea de trabajos musicales que editó Mil Campanas en los últimos años: “Carlos García. Tangos en Piano Vol. 1” (Leda Torres); “Héctor Stamponi. Sus tangos en piano solo” (Leda Torres), “La vida secretar de Margarita Gauthier” (Paula Suárez), “El silencio tiembla” (Leda Torres), “Troilo. Una Teoría del Todo” (Mariano Suárez y Miguel Taboada). También “McCartney. Sobreviviendo a la canción perfecta” (Julio Martínez).

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El dúo Turica-Doncel festeja una década de historia en el CAFF

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El do repasar sus tres discos editados con invitados que fueron parte de la msica y la danza durante este tiempo
El dúo repasará sus tres discos editados, con invitados que fueron parte de la música y la danza durante este tiempo.

El dúo integrado por Ana Paula Turica y Germán Doncel, que desde una mirada propia y actual interpreta un repertorio de música popular argentina, cumple 10 años de trayectoria y comenzará los festejos con un concierto especial en el CAFF el sábado 11 de marzo a las 21, donde hará un repaso por su historia.

Ana Paula Turica y Germn Doncel se presentarn en el local del barrio de Almagro
Ana Paula Turica y Germán Doncel se presentarán en el local del barrio de Almagro,

Antes de encarar su gira por distintos puntos de Argentina, Colombia y Europa, el dúo se presentará en el local ubicado en Sánchez de Bustamante 722, del barrio de Almagro, donde repasará sus tres discos editados, con invitados que fueron parte de la música y la danza durante este tiempo.

“Será una noche cargada de emociones, una fiesta para los oídos, y el corazón, para encontrarnos y bailar zambas, chacareras, gatos y bailecitos”, indica un comunicado.

Los dos intrpretes son egresados de la Escuela de Msica Popular de Avellaneda
Los dos intérpretes son egresados de la Escuela de Música Popular de Avellaneda.

Serán de la partida Laura Albarracín, Jorge Giuliano, Mariano Céspedez, Edgardo Ybañez, Claudio Turica, Vero Marjbein y Mariano Tuamá, entre otros; mientras que la danza a cargo de Samanta Carmona, Lilia y Martín (desde Suiza).

La dupla se caracteriza por combinar repertorio propio, obras de autores del folclore argentino y de compositores contemporáneos.

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Vetusta Morla vuelve con un «Cable a tierra» y para debutar en el Cosquín Rock

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Vetusta Morla, la mayor banda independiente de la escena rockera española, se apresta a volver a la Argentina después de cinco años para presentarse en el porteño Complejo C Art Media, debutar en el festival Cosquín Rock y reconectar con una escena que, según observa el cantante Juan Pedro «Pucho» Martín, «está siendo la cuna de músicas urbanas que tienen que ver con la palabra».

«Argentina ahora mismo es la fábrica de una corriente global que es la música popular del presente y que al igual que hacemos con Vetusta Morla presta especial atención a la palabra», sostiene «Pucho» durante una entrevista con Télam.

El refinado vocalista del sexteto formado en Madrid en 1988 traza otro paralelo entre quienes cultivan la música urbana local y el presente de Vetusta Morla porque, arriesga, «así como nosotros hicimos en ‘Cable a tierra’ (2021) un álbum que recoge las tradiciones populares de todas las épocas, el hip hop argentino remite a la herencia de los payadores».

La banda indie rock fue fundada en 1998 en Tres Cantos a 22 km de Madrid
La banda indie rock fue fundada en 1998 en Tres Cantos, a 22 km. de Madrid.

El encuentro posible entre estas corrientes en apariencia disímiles ya que los españoles cultivan un rock elegante, elaborado y metafórico que parece alejado de la simpleza directa de la urbanidad local, se corporizó en junio pasado cuando Wos fue invitado del conjunto en el Estadio Metropolitano de Madrid para compartir una versión de «Consejo de sabios» ante 38.000 espectadores.

Para seguir en contacto con el público local que fue testigo del desarrollo de Vetusta Morla, el conjunto que completan el guitarrista y tecladista Juan Manuel Latorre (guitarra y teclados), Jorge González (percusión y programaciones), el Indio –David García– (batería y coros), Álvaro B. Baglietto (bajo) y Guillermo Galván (guitarras, teclados y coros), tendrá dos citas vitales.

En el marco del segundo año de una gira mundial, el viernes 17 desde las 20 se presentará en el Complejo C Art Media (Av. Corrientes 6271), mientras que el domingo 19 será parte de la jornada de cierre del Cosquín Rock compartiendo cartel con Fito Páez, Babasónicos, Las Pastillas del Abuelo, Dillom, Tiesto y Ciro y Los Persas, entre más.

El nombre de la banda Vetusta Morla significa tortuga anciana
El nombre de la banda, Vetusta Morla, significa «tortuga anciana».

La voz de la agrupación que antes de «Cable a tierra» publicó los álbumes «Un día en el mundo» (2008), «Mapas» (2011), «La deriva» (2014) y «Mismo sitio, distinto lugar» (2017), marca diferencias entre los dos conciertos previstos en el país.

«En nuestro recital individual aspiramos a desarrollar un hilo conductor y desplegar no solamente las últimas canciones sino otros conceptos», avisa el intérprete.

En cambio y de cara al bautismo de la agrupación en el festival rockero, «Pucho» comenta que «tocar en festivales es casi como correr los 100 metros y hay que llamar la atención a un público en ocasiones un poco disperso debido a tanta oferta».

-¿Qué Vetusta Morla veremos en Argentina después de tanto tiempo y pandemia por medio?

-Antes del parón hicimos una banda sonora para la película «La hija», de Manuel Martín Cuenca, y generamos un material de reinterpretación de «Mismo sitio, distinto lugar» que se llamó «Canciones dentro de canciones», que iba acompañado de un espectáculo precioso con las cosas más estéticas que hemos hecho nunca pero que por la pandemia se tuvo que cancelar. A partir de ahí decidimos no tener mucha presencia en redes, ni la locura de hacer acústicos en las casas y preferimos tomar ese tiempo para descansar un poco y hacer una reflexión y bajo una tormenta de nieve gigante que cayó aquí en Madrid y que hasta tuvo nombre (por Filomena) empezamos a gestar las canciones de «Cable a tierra», que estuvo concebido desde un entorno muy íntimo, con instrumentos muy cercanos, sin pensar en ningún momento que luego podrían acabar en un gran estadio ni en un disco con otros elementos de rock.

Vestusta Morla – Corazón de Lava

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-¿Cómo describirías el camino de la banda desde su origen independiente a este suceso de alcance planetario?

-Estamos centrados no tanto en la cuestión del éxito como en la cuestión del continuar y no solo a nivel artístico sino también a un nivel empresarial porque al fin y al cabo nosotros también formamos parte de ese entramado, de todo lo que hay detrás de lo artístico. Y eso yo creo que es lo más complicado siempre de mantener por tener que llevar todo el rato las riendas y mantener algo en el tiempo durante mucho tiempo. Es un trabajo laborioso y un compromiso de los seis que conlleva sus crisis como las de cualquier pareja.

Pero al final siempre tenemos esa empatía y esa inteligencia emocional para llegar a acuerdos y que todas las partes estemos a gusto y por suerte, en definitiva, son más conocidas nuestras canciones que nuestras caras.

-Debido a que la escena del rock español independiente no tiene un espacio tan ganado ¿Este buen camino de ustedes puede estar sirviendo como referencia para otras bandas del under español?

-Pues la verdad es que no lo sé y no pienso mucho tampoco en lo que hayamos podido generar en otras bandas, aunque sí que es cierto que a lo mejor mostramos una manera de hacer las cosas con menos miedos y menos ataduras que pueden haber influenciado más que la propia estética o el propio contenido de la banda.

-¿Y cómo evaluás tu recorrido como cantante en estos 35 años de historia de Vetusta Morla?

-Siento que como cantante he acompañado la evolución de la banda. Sigo tomando clases con Patricia Ferro, una maestra argentina que es miembro de la Academia Nacional del Tango, y he ido adquiriendo técnica y conocimientos sobre mi propio instrumento, que es un instrumento muy orgánico y en él no hay coartadas estéticas por así decirlo y jamás abuso de los recursos que no le son propios. Digamos que canto sin pirotecnia.

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