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Diez películas extranjeras imprescindibles de 2022

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Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson
«Licorice Pizza», de Paul Thomas Anderson.

 

Cuando el año concluye se imponen las listas de las películas más relevantes del 2022, una costumbre que se puede leer como un balance implícito, pero, sobre todo, un recordatorio de los filmes que semana a semana convocaron al público en las salas o vía plataformas.

Repasar las películas más importantes del año sin duda es una tarea subjetiva, un recorte que inevitablemente deja afuera muchos títulos, pero también existen los consensos sobre los que se puede ensayar.

Lo que sigue es la lista de las 10 cintas extranjeras más importantes del año, ordenados por su fecha de estreno.

«What do we see When We Look At The Sky?», de Aleksander Koberidze (07/01/2022)

Relato que se nutre de casi todos los recursos de cine en función de exaltar la maravilla de la vida. La película comienza con el cruce de la farmacéutica Lisa y el futbolista Giorgi (fanático de la Selección Argentina y Messi) y el compromiso de una cita para el día siguiente. Pero los protagonistas fueron maldecidos con un cambio físico y su consecuente imposibilidad para recononocerse. Lo absurdo de la situación se amalgama de manera ideal con los nobles personajes y el encantador humor que atraviesa el relato con, por ejemplo, barras de perros que eligen diferentes bares para ver el mundial que, predictivamente, Argentina ganará.

What do we see When We Look At The Sky de Aleksander Koberidze
«What do we see When We Look At The Sky?», de Aleksander Koberidze

«Licorice Pizza», de Paul Thomas Anderson (27/01/2022)

Película atípica en la filmografía de PTA. Un relato que se aparta del preciosismo de buena parte de su obra y se concentra en una historia de «chico busca chica». Gary Valentine (Cooper Hoffman) tiene apenas 15 años y conoce a una chica de 19, Alana Kane (Alana Haim), la mujer de su vida. Con varios homenajes a la historia del cine, la película es de una extraordinaria vitalidad, que comprende la deriva de los años cuando todo está por suceder y esa felicidad que transcurre, mientras los protagonistas están ocupados en vivir.

Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson
«Licorice Pizza», de Paul Thomas Anderson.


«Spencer», de Pablo Larraín (17/02/2022)

Filme sobre la Princesa Diana, el filme esquiva la biopic tradicional y muestra el derrumbe psicológico de la protagonista durante tres días en una reunión de la familia real. Larraín, que ya había ensayado una incursión a la psiquis de Jacqueline Kennedy en «Jackie», profundiza el procedimiento en «Spencer». Si bien es una ficción, la construcción del perfil de la princesa es perfectamente verosímil y se monta sobre la rebeldía y la necesidad de mantener su esencia enun modo que incluye traiciones, silencios e hipocresía.

Spencer de Pablo Larran
«Spencer», de Pablo Larraín.


«The Batman», de Matt Reeves (03/03/20)

El héroe más atormentado de DC Comics una vez más tiene su versión en el cine con Robert Pattinson como protagonista en una extensa película en clave de policial negro, para un personaje por definición oscuro. El filme describe un nuevo comienzo para Bruce Wayne, que ya adulto se convierte en el guardián de Ciudad Gótica. La elección de Pattinson como un Wayne quebrado por el dolor -en plan Kurt Cobain, acompañado por «Something in the Way», de Nirvana-, parece ser una decisión insuperable. La historia es un «coming-of-age» de un proto Batman, que está aprendiendo a serlo y, sobre todo, a encontrar un objetivo mayor, que no solo incluya su tragedia personal.

The Batman de Matt Reeves
«The Batman», de Matt Reeves


«Drive My Car», de Ryusuke Hamaguchi (17/03/2022)

Ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera en 2021, la primera obra de alcance realmente internacional de Hamaguchi condensa todo lo que el cine japonés ha cosechado desde los tiempos de Yasujiro Ozu: delicadeza, dulzura y una fuerte empatía por la desazón humana. Un hombre que perdió a su infiel y amada esposa escapa de su ciudad y se encuentra con una joven que, con sus tragedías a cuesta, oficiará de chofer. Con simpleza en los detalles de lo cotidiano, «Drive My Car» consigue conmover, al mismo tiempo que lleva al espectador a ese estado de gracia que el cine en estado puro puede conseguir.

Drive My Car de Ryusuke Hamaguchi
«Drive My Car», de Ryusuke Hamaguchi


«Apolo 10 ½: Una infancia espacial», de Richard Linklater (01/04/2022)

Stan es el hermano menor de una familia de clase media, cuyo padre trabaja en la NASA. Viven en Houston, epicentro del sueño americano de llegar a la Luna. Con ese clima de misión a cumplir, Linklater crea una aventura para toda la familia y el relato se transforma en un viaje a 1969, con un Stan, de de unos 11 o 12 años, llevado a realizar el primer vuelo a la Luna en secreto. La película le sirve a Linklater para contar ese cuento y volver al 69 con su realidad social y política a través de la mirada de esa familia y sus vecinos.

«Top Gun: Maverick», de Joseph Kosinski (26/05/2022)

Cine entendido legítimamente como espectáculo, sin más ambiciones que entretener y honrar a su antecesora. Esta segunda parte la historia se asienta sobre los personajes, lo rescatable de la precuela, a quienes Kosinski los hace crecer. Maverick es el mejor piloto, una leyenda por sus proezas pero también por su rebeldía, que lo estancó en el grado de capitán durante décadas. La cinta trata sobre el legado. En definitiva, del paso del tiempo frente a los desafíos del presente.

Top Gun Maverick de Joseph Kosinski
«Top Gun: Maverick», de Joseph Kosinski


«Crimes of the Future», de David Cronenberg (29/07/2022)

Filme sobre un horizonte distópico donde la forma de vida y la aniquilación del medio ambiente va generando una mutación genética en algunos seres humanos en los que comienzan a aparecer nuevos órganos, una suerte de línea paralela evolutiva ante las consecuencias del cambio climático. Rodada en plena pandemia en Grecia con un guion escrito 20 años atrás, «Crimes of the Future» propone un entorno absolutamente inventado por el preciso ojo cinematográfico de Cronenberg, en un filme que revive en su iluminación y algo de su desarrollo las mejores atmósferas del filme noire en clave distópica.

 Crimes of the Future de David Cronenberg
«Crimes of the Future», de David Cronenberg.


«Memoria», de Apichatpong Weerasethakul (05/08/2022)

Jessica (Tilda Swinton), es una botánica inglesa que despierta una noche en la oscuridad de su cuarto alterada por un sonido seco y penetrante. Ese sonido la desconcierta y la obsesiona, y emprende su búsqueda a través de diferentes lugares de Colombia. Todo es enigma y la apelación; es a la experiencia sensorial, desde someter el sonido a un experto para descifrar el significado, hasta el estruendo de las bocinas de un estacionamiento que despiertan al unísono. Tan exquisita como críptica, se trata de una experiencia diferente para los espectadores que se animen a transitar otro camino frente a la pantalla.

«Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades», de Alejandro Gómez Iñárritu (03/11/2022)

La historia está anclada en las semanas previas a que un periodista mexicano reciba un premio en Los Angeles, mientras se debate entre el merecimiento y el ser manipulado por Estados Unidos para lavar su imagen en América Latina. El realizador de «Amores Perros» hecha rienda suelta a toda su creatividad en la dirección de cámara y el montaje. Basada en la vida de su director, la película se apoya en una lo onírico, donde el espectador nunca sabe si todo sucede en la cabeza del protagonista o en la de su familia.

Bardo falsa crnica de unas cuantas verdades de Alejandro Gmez Irritu
«Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades», de Alejandro Gómez Iñárritu

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1973: La primavera del vinilo argentino

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Un ao explosivo con diez placas que haran historia
Un año explosivo con diez placas que harían historia.

Si los años 60 abarcan el nacimiento de una revolución cultural planetaria, Argentina sembró en el mismo período una producción particularísima, plena de identidad, en la obra de sus artistas. En cuanto al “rock del país”, esa siembra floreció, a la par del cine, y quedó tallada en vinilo en la siguiente década: 1973 resultó así un año todavía insuperable en cantidad y calidad discográfica. A su vez, este miercoles 8 de febrero se cumple también medio siglo del estreno de «Hasta que se ponga el sol»:  icónico documental que refleja todo aquello. 

Fue entonces la consolidación de aquellos LP cuyos autores habían “aprendido a ser” en el decenio previo y destacarían por conjugar el primer rock en español del mundo: a diferencia de España, México, Uruguay, Colombia (Los Bravos, Teen tops, Ritchie Valens, entre otros) los pioneros locales no traducían del inglés ni componían en ese idioma, sino que construían una poética propia, ligada a su realidad específica sudamericana, suburbana, siempre accidental.

Así, dentro de este lustro enorme –¿qué hay más relativo que el tiempo?– desatado en 1968, la Argentina alcanzó en 1973 su año de oro para la incipiente electricidad de guitarras y voces empuñadas con poesía que abrían paso a psicodelias, protestas, conquistas.

Los fundacionales

Al calor de la recuperación democrática, y tras el impulso del Cordobazo, en el 69, la ventana que abría la democracia desató una tormenta creativa.  A 1973, en definitiva, corresponde el nacimiento de gemas fundacionales que marcarían todas las tendencias posteriores de la “música moderna” vernácula: debut discográfico de León Gieco (con título homónimo); segundo LP de Sui Generis “Confesiones de invierno”, repleto de hits (Rasguña las piedras, Aprendizaje y el que da título al disco, por mencionar algunos). Por su parte, el ex Almendra Edelmiro Molinari sacaba el segundo LP de su banda: Color Humano 2.

A aquellos clásicos se sumarían, en el mismo año, «Pappo´s Blues volumen 4», con Black Amaya, Alejandro Medina y el prolífico David Lebón, que en 1973 graba en seis álbumes de los diez abarcado por este repaso, haciendo las veces de baterista, bajista, guitarrista, tecladista y hasta lanzando su propio primer disco solista. 

Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll

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También del 73 data la feliz rabia de la banda spinetteana confirmada en el “doble de Pescado” (así se popularizó el disco que incluía un mítico cuadernillo con letras y dibujos) y, en continuidad con dicha placa, la hechicería de Luis Alberto Spinetta plasmada a solas en su deslumbrante “Artaud” placa que, aunque se asignó a Pescado Rabioso por cuestiones contractuales, era un solista de Luis con invitados varios.

¿Qué más se le podía pedir a nuestros próceres eléctricos? La avanzada del ’73 y su influencia ramificarían en bosques de estilos, músicos, letristas y tendencias:  ni siquiera la dictadura obtusa y criminal del ’76 pudo interrumpir ese torrente, que seguiría expandiéndose contra toda bota o mordaza.

Juventud, divino tesoro

¿Qué contexto signó aquellos doce meses en particular?  Un protagonismo generacional había prodigado, desde los tempranos 70, la participación política, el fervor de Montoneros y su respaldo al mítico regreso definitivo de Perón. No en vano, el apodo de “Tío” a Cámpora, es decir, el hermano del “Padre” líder: todo un síntoma juvenil hecho lenguaje.

El 31 de marzo del 73, Billy Bond y sus músicos de La Pesada, invitados a tocar en un festejo de la Juventud Peronista en la cancha de Argentinos Juniors protagonizaron una anécdota que pinta la época: “Antes de subir al escenario –recuerda Billy en una entrevista– un tipo me dijo que gritara’¡ Viva Evita!’. Al minuto llega otro que me dice que ni se me ocurra hablar de Evita: ‘Decí, ¡Viva Isabelita!’, me ruge. Pero otro que viene al rato me ordena que mencione a Cámpora. ¡Me confundieron tanto que a la semana terminé yéndome a Brasil!”.

Cuadernillo artesanal del disco «Pescado Rabioso 2» que incluía letras y dibujos

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Los festivales BArock de 1970, 1971 Y 1972 organizados por Daniel Ripoll ya habían mostrado una convocatoria de crecimiento exponencial. El rock iba en ascenso y ganaba público. El onganiato de los 60, persiguiendo con sus tijeras a los hippies, había fracasado: el pelo no paraba de crecer, y la música tampoco. Las discográficas, empresas al fin, no la dejaron pasar. Y fueron parte de esa bendita cresta.

El vinilo como estandarte de una comunidad

La industria cinematográfica local, que crecía a la par del rock, produjo un aporte clave a esta explosión: Phonalex, donde se mezcló el sonido de emblemáticos films nacionales, fue un neurálgico estudio de grabación de la movida.

En esos días, inesperados músicos de melena, zapatos con plataforma y ropa de colores inquietaban al personal: experimentaban haciendo tomas en los pasillos, llevando micrófonos al baño para registrar percusiones con reverberación y otras rarezas: «Pescado 2», «Artaud», «Confesiones de invierno», «Color Humano 2», entre otros, se grabaron allí.

Pappo´s blues Vol 4: Gato de la calle negra

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Todos para uno

No es posible concebir el hecho discográfico anual que aquí reseñamos sin referir la raíz del iceberg: un movimiento, un modo de creer, convivir y relacionarse propio de la generación entonces joven, que emergía en música. Aquello fue, ni más ni menos que la cima de un acontecimiento colectivo.

Y si, por ejemplo, un desencontrado Spinetta se alejaba de Black Amaya y Carlos Cutaia (respectivamente baterista y tecladista de Pescado Rabioso) para acometer el increíble «Artaud» –cumbre solista y total del gran juglar criollo– aquello mismo era también parte de un organismo que se expandía desplegando caminos nuevos, bifurcándose tercamente en otros, al decir borgiano.

Manal la primera banda del mundo que hizo blues en espaol gracias a su creador letrista y baterista Javier Martnez
Manal: la primera banda del mundo que hizo blues en español gracias a su creador, letrista, y baterista, Javier Martínez.

David Lebón, sin ser el único, es paradigma de la misma red que sostenía e impulsaba orgánicamente a los artistas. “El Ruso” hizo todo e hilvana a todos: bajista en Pappo´s Blues y en Pescado Rabioso (donde a su vez tocaban el futuro Máquina de hacer pájaros Carlos Cutaia y el ex Pappo´s Blues Black Amaya); guitarrista en La Pesada y en Sui Generis (cuyo baterista Juan Rodríguez y bajista Rinaldo Rafanelli integrarían luego junto a Lebón la banda Polifemo); baterista en Color Humano (del ex Almendra Edelmiro Molinari); tecladista en Espíritu; cantante o coreuta en todas las formaciones por las que pasó. Lebón fue uno de los protagonistas, en suma, de esos infinitos cruces –aquí se refieren apenas algunos– donde el cosmos del arte procreaba su pulso a pura fertilidad.

“Flaco, no te sobra una moneda / quiero estar la vida entera/ escuchando rocanrol / Flaco, esta noche toca Pappo / tengo un mambo que me caigo/no me lo puedo perder…” bramaban Billy Bond, y luego el propio Charly (aun vilipendiado artísticamente por el susodicho guitarrista) por si quedaban dudas de una voz hermanada y colectiva, incluso en la disidencia estilística.

Hasta que se ponga el sol

Exactamente el 8 de febrero de 1973 se estrenaba “Hasta que se ponga el sol”, la película realizada a partir de Daniel Ripoll, gestor de los sucesivos festivales BArock (donde participaban las bandas aquí referidas) según él mismo recuerda este miércoles, en las redes sociales: “al día de hoy es una de las películas más vistas del cine argentino, por millones de personas de varias generaciones y ganadora, además, del gran premio Cóndor de Plata del cine nacional».

Color Humano uno de los desprendimientos del enorme Almendra
Color Humano: uno de los desprendimientos del enorme Almendra.

Ripoll -quien fuera también creador y editor de la mítica revista de rock Pelo– agrega en la evocación: que el título elegido para la película «fue extraído del mismo slogan que yo usaba para el festival desde 1970. La frase, en realidad, hacía del defecto virtud; se refería (y advertía) que al caer el sol nos teníamos que ir todos porque los militares no nos permitían hacer música de noche. Hoy parece inconcebible, pero en esos tiempos de terror y prepotencia era así…”.

Artaud El 1 de los 100 mejores discos del rock nacional segn la ltima encuesta de la revista Rolling Stone
Artaud: El 1° de los 100 mejores discos del rock nacional según la última encuesta de la revista Rolling Stone.

El recuerdo, en definitiva, completa la evocación de un torrente imparable, de esos que marcan la historia y definen a una comunidad en la traducción de sus artistas, sus exponentes irremplazables.

Sí; fue hace medio siglo y mucho ha cambiado: corría el año 1973, salían algunos discos. Nada menos que estos. Se tejía la espesura fundante del rock nacional. De su potencia y pulsión, de su paisaje escarpado, prodigioso, deslumbrante.

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«Brotherhood», una apuesta al «humor como catalizador» ante la orfandad

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La pieza expone las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior prdida de sus padres
La pieza expone las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior pérdida de sus padres

«Brotherhood», obra escrita y dirigida por Anahí Ribeiro, que retrata el vínculo entre siete hermanos que se enfrentan a la orfandad y apuesta al «humor como catalizador», se presenta todos los jueves, a las 20, en el porteño teatro Metropolitan.

«La obra tiene un lenguaje cotidiano, orgánico y argentino, complementado por una puesta moderna, con mucho ritmo, música, tecnología y, sobre todo, con mucho humor. El humor como remanso, como tangente, a veces irónico, a veces negro, pero esencialmente como catalizador», dijo Ribeiro en una entrevista con Télam.

La pieza busca retratar las diferentes vivencias de siete hermanos ante el comienzo del deterioro y posterior pérdida de sus padres, los roles que ocupa cada uno y, sobre todo, cómo los lazos sanguíneos no son determinantes en estos momentos.

La pregunta que me surgi al respecto fue qu pasa con el vnculo entre los hermanos cuando llega la orfandad asegura Ribeiro
«La pregunta que me surgió al respecto fue qué pasa con el vínculo entre los hermanos cuando llega la orfandad», asegura Ribeiro.

«Hay en la historia una reflexión que tiene que ver con la certeza de que todos hacemos lo que podemos con lo que somos, con las herramientas que tenemos, con el amor que recibimos, con lo que estamos dispuestos a entregar, con nuestros miedos, nuestras culpas e imposibilidades», expresó la directora.

«El deterioro y la muerte llegarán indefectiblemente, solo depende de nosotros y de cómo llevemos adelante nuestros vínculos familiares, lo que hará que ese tránsito sea lo menos doloroso posible», abundó Ribeiro, también actriz.

Julia Funari, María Forni, Carlos Marsero, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Sebastián Femenia y Bárbara Majnemer, conforman el elenco de la obra que se puede ver en la sala de la avenida Corrientes 1343.

Ribeiro La prdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos
Ribeiro: «La pérdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor, porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos.»

Luego de presentarse en 2019 y 2020 en Nün Teatro Bar y en 2022 en la sala Dumont 4040, «Brotherhood» pasó a ser parte del fenómeno de los últimos años en el que producciones del circuito independiente porteño desembarcan en la cartelera comercial.

Ribeiro dirigió piezas como «Iluminada y eterna», «Lo que vendrá», «Las primas hermanas», «Los jueves, amantes», «Madre hasta la muerte», «La cita», «La fragilidad del cielo», y «La mujer judía»; mientras que como actriz participó de títulos como «División de bienes», «Ojalá lloviera», «Panoramas olvidados», «A que jugamos», «La casa de Bernarda Alba», «Criminal» y «Recordando con ira», entre otros.

– ¿Cuál fue el disparador de esta historia?

– La enfermedad de mis abuelos provocó una implosión familiar de la que fue difícil no quedar ajeno. Cuando los padres, que ofician de centro neurálgico, dejan de estar o de no poder seguir sosteniendo lo establecido, la relación de los hermanos se pone en jaque.

– A partir de esa vivencia, ¿qué buscaste reflejar en la obra?

– La pregunta que me surgió al respecto fue qué pasa con el vínculo entre los hermanos cuando llega la orfandad. En la búsqueda de responder esa pregunta me encontré con una constante que se repetía en varias familias en situaciones similares: la ruptura, el desencuentro, las diferencias, las imposibilidades, las alianzas, los lugares que se decide ocupar, los espacios que se abandonan, y lo que no se quiere o puede afrontar. Y todo eso atravesado por el dolor. Es de esto de lo que quería hablar. Todos tenemos en «Brotherhood» a alguien que conocemos sentado en una de esas sillas y a veces nos descubrimos a nosotros mismos escuchando textos que podrían salir de nuestra boca.

– ¿Cómo trabajaste los vínculos?

– Trabajé con dos ideas concretas: la primera es que siendo integrantes de la misma familia cada uno tuvo una experiencia distinta siendo hijo, cada uno vivió una infancia propia y no necesariamente compartida con los demás. Todos tienen recuerdos comunes y, al mismo tiempo, partes de la historia que arman el rompecabezas del relato general. Y la segunda, es que nadie es del todo malo ni del todo bueno, hay bemoles, matices, grises. Eso me permitió crearlos en conjunto e individualmente, construyendo sus personalidades, alianzas, semejanzas y opuestos.

– ¿Qué elementos contemplaste para tratar temas como la muerte y la enfermedad?

– Si bien no hay dudas de que la muerte es un hecho irreparable y triste, el foco está puesto en el deterioro y en los pequeños detalles cotidianos que va erosionando el mundo que conocemos. La pérdida de un ser amado a cuenta gota es demoledor, porque con ellos nos vamos perdiendo un poco nosotros mismos.

– ¿Con qué creés que empatiza el espectador?

– Creo que con la idea de que esta hermandad podría ser su propia familia. Y que más allá de las diferencias y las luchas, si hay amor, todo puede superarse. Porque por sobre todas las cuestiones, «Brotherhood» está construida desde el amor.

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Graciela Borges: «Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt»

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Es una de las divas de nuestro cine Por eso Graciela Borges film con los ms grandes directores
Es una de las divas de nuestro cine. Por eso, Graciela Borges filmó con los más grandes directores.

Graciela Borges ultima detalles del reestreno de su obra «Alquimia» en Mar del Plata con la incorporación de la cantante y guitarrista Adriana Barcia, en una apuesta que le genera profundas expectativas como ya no le pasa con el cine, del que decidió alejarse por atravesar el síndrome de burnout, la misma crisis creativa que algunas figuras de Hollywood.

«Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt», contó la actriz a Télam, en relación con sus últimos rodajes, que le produjeron sensaciones asociadas al «agotamiento laboral», que es un tipo especial de estrés relacionado con el trabajo, un estado de agotamiento físico o emocional que también implica una ausencia de la sensación de logro y pérdida de la identidad personal.

Los motivos principales que la llevaron a esta determinación los reconoce en las formas y la extensión de las jornadas de grabación. «Los directores no usan el viejo y querido fílmico; con todo esto de ahora, pueden innovar y hacer lo que les da la gana simplemente porque no les cuesta», contrastó.

Sin embargo, admite que sus últimos dos películas -junto a Juan José Campanella (‘El cuento de las comadrejas’, en 2019) y Pablo Trapero (‘La quietud’, en 2018)- le gustaron pero que le trajeron «muchísimo cansancio» y por eso no volvería a participar de ninguna más.

La gran actriz argentina será la anfitriona de «Alquimia», una velada inolvidable. En definitiva, una cálida reunión entre amigos, con guiños de complicidad constantes y con recuerdos que fluirán mágicamente por el ambiente a través de poemas, música, audiovisuales y fotografías acompañada por la voz y la guitarra de Adriana Barcia, con dirección de la propia Borges.

Las funciones de «Alquimia» serán desde este jueves y hasta el 12 de febrero a las 21.30 en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Auditorium, Centro Provincial de las Artes y forman parte de la programación impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires para esta temporada.

Musa inspiradora de Leopoldo Torre Nilsson, la multipremiada artista tiene un extenso y laureado recorrido en los escenarios y en los sets cinematográficos gracias a su talento y su calidez actoral. Durante su carrera filmó, entre otros, con Leonardo Favio, Fernando Ayala, Raúl De la Torre, Alejandro Doria, Lucas Demare, Luis Ortega, Diego Kaplan, Lucrecia Martel, Daniel Burman, Marcos Carnevale, Mario Sofici, Manuel Antin y el español Vicente Aranda.

Semanas atrs Graciela Borges recibi un Martn Fierro por su trayectoriaInstagram
Semanas atrás, Graciela Borges recibió un Martín Fierro por su trayectoria.(Instagram)

-Graciela, ¿qué sensación le produce volver a pisar un escenario?

-Haremos cuatro funciones entrañables. No se trata solo de una pieza de teatro, es un ir y venir de la gente con las historias de uno. Este espectáculo lo hago junto a la cantante Adriana Barcia, que es fantástica y me hace acordar a Mercedes Sosa, donde contamos las historias de poemas, canciones y de mi vida, pero es una apuesta por contar cosas verdaderas, no triunfantes. Todo el mundo cuenta la maravilla de los novios, de los premios, pero a mí me gusta contar todo lo contrario. Tengo muchas ganas de hacerlo y de volver a encontrarme con el público.

-¿Por qué eligió sumarse a la temporada en febrero?

-Quisimos hacerlo en enero pero mi cantante, Adriana, no podía, entonces decidimos postergarlo. Me llamó Victoria Onetto (subsecretaria de Políticas Culturales de la provincia de Buenos Aires), que es alguien a quien adoro y respeto, y me propuso que lo haga en el teatro Auditorium, un lugar inmensamente importante para mi carrera porque allí hicimos «Cartas de amor», con Rodolfo Bebán, en un éxito arrollador.

-¿Cómo se decide para emprender una gira, un espectáculo o una película nueva?

-Estoy probando qué me divierte hacer, divertirme en el profundo sentido del término, hacer las cosas bien no frívolamente. Y pasarla bien. Las películas ya las dejé.

-¿Por qué dice que las dejó?

-Me cansé mucho las últimas dos películas que hice. Las amé, pero fueron muy difíciles. Filmé con Campanella y Trapero, justo antes de este bicho que nos humilló tanto.

-¿Es una decisión definitiva?

-Las decisiones nunca son muy firmes, pero creo que me va a costar mucho. Tuve películas donde hice muchos personajes diferentes, mucha cosa linda, premiada adentro y afuera, pero cuando uno tiene una carrera tan especial se hace muy complicado elegir otra vez. Es raro que te llegue un guion que te guste, que no tengas idea de haberlo actuado antes. Que sea algo diferente, algo por conocer. Me gusta encontrarme con personajes que tenga que ir descubriendo, romperme la cabeza para saber cómo caminan o cómo hablan. Tuve guionistas maravillosos, ahora se me viene a la cabeza Aída Bortnik, que era una genia y contó las historias argentinas como nadie. Lo que quiero es tener ganas. Hace poco me llamó Ana Katz para hacer un pequeño personaje en una serie que está filmando con Carla Peterson y otra gente linda, y me convenció. Me divertí y lo pasé bien, pero fueron solo unos días.

-¿Qué cosas le cansan de los rodajes?

-Sufro de burnout, como Sandra Bullock y Brad Pitt. Que significa algo así como «estar quemado», a muchos nos pasa esto. Tener que filmar y pensar «otra vez de noche», «otra vez 17 horas de filmación», «otra vez repetir letra». Los directores no usan el viejo y querido fílmico; con todo esto de ahora, pueden innovar y hacer lo que les da la gana simplemente porque no les cuesta.

-Y en lugar de espectadora, ¿sigue disfrutando de ver cine o teatro?

-Siempre. En la temporada teatral como en el cine encuentro cosas divinas, increíbles y logradas. A lo mejor hay cosas de las que uno no espera mucho, producidas con un mango con cincuenta, y te dan mucho. Y otras de las que mejor ni hablar.

-¿Cómo ve esta temporada en relación con la repercusión que tienen las obras, la propuesta artística general y la respuesta del público?

-No pude salir a ver muchas obras porque estoy cuidando mi salud y mi voz para las funciones. Pero me informé, como diría el viejo Borges, y sé que han ponderado muchísimo las propuestas de los marplatenses, lo cual no es una sorpresa. Realmente hay mucho para ver, al punto que no sé si haya público para tantas obras.

-¿Cuál es la particularidad o el encanto de hacer temporada en verano con el público de vacaciones?

-Estoy muy contenta de hacer teatro acá porque siempre me fue muy bien y hace muchos años no lo hago. Es una ciudad que mi madre siempre elegía para vacacionar, por eso me da una fascinación enorme. También veraneamos en Uruguay, y amo a los uruguayos, pero son lugares completamente distintos y hermosos. No hay que caer en comparaciones burdas, sería como comparar al caballo con el automóvil. Lo que te sirve de uno no se lo pedís a otro, ni que vaya tan rápido ni que el otro tenga sangre. A Mar del Plata la veo pujante, linda y movida. Cada año mejor.

-¿Cree que después de la pandemia la relación del público con el teatro cambió?

-No, yo creo que no. Cuando la gente recibe amor, da amor. Al principio se deslumbraron porque volver a ver un espectáculo era un milagro, pero ahora veo un público más tranquilo. Es un gran público el argentino. Tenemos que estar orgullosos de eso.

-En sus redes sociales, muestra a diario una relación entrañable con su nieta, María Jesús. ¿Se modernizó por ella o para ella?

-Es gracioso porque yo le digo siempre que sé mucho de redes sociales y ella me responde «Ay, abuela. Qué bien». Pero hace poco me llamó por teléfono y cuando ya habíamos empezado a hablar me dijo «mejor si separás el teléfono de tu cara, abuela, porque esto es una videollamada». Me dice que soy buena pero que nunca la acierto con eso.

-Y su papel activo en Instagram, por ejemplo, ¿es solo por su motivación?

-Hago todo yo. Las cuentas son manejadas por mí y no recibo ayuda de nadie, no tengo secretarios. Sí, mucha gente que trabaja conmigo, creativos, pero ninguno es mi asistente.

-Hizo un posteo sobre el caso Lucio Dupuy…

-Lo de Lucio era algo que tenía que escribir porque lo sentí y me dolió en el alma.

-¿Cómo es su vida en familia?

-Somos muy unidos. Con Jesús, la hija de Juan Cruz. voy a todos lados. Es divina, humilde, tiene un padre y una madre extraordinarios. Vamos seguido al campo a visitar a Patricia, que fue la última mujer de Juan Manuel (Bordeu, su exesposo), y nos juntamos con sus hijos, somos todos una familia. Difícil de explicarla, pero muy unida. Eso es algo maravilloso.

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