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Balance del cine del 2022: un año de éxitos, fracasos, sorpresas y decepciones

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«Argentina 1985» (Amazon Prime)

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Antes de sumergirnos en el análisis de las principales tendencias y de las mejores películas, conviene consignar algunas cifras que permiten entender cuál es el estado de las cosas.

Las salas argentinas cerrarán el año con casi 34 millones de espectadores, lo que significa una imponente recuperación respecto de los poco más de 13 millones de personas que habían ido en 2021, pero todavía muy lejos de los 47 millones de tickets vendidos en 2019 (prepandemia).

A nivel global pasó algo parecido. El año terminará en el orden de los 25.800 millones de dólares de recaudación; es decir, una mejora del 21% respecto de los 21.300 millones de 2021, pero se prevé que recién en 2024 se recuperen los niveles de concurrencia previos a la explosión del COVID. China, el mercado más grande del mundo, continúa con serios problemas para contener los contagios y sigue en muchos casos con los cines cerrados, generando un rojo en la taquilla internacional que no estaba en los cálculos.

Volvieron los “tanques”, pero no todo el público


«Top Gun: Maverick» (Universal)

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Este fue el año del regreso de Batman, de Spiderman, de Thor, de Doctor Strange, del universo de “Toy Story”, del de “Mi villano favorito” / “Minions”, del de “Jurassic Park” / “Jurassic World”, del de “Avatar” y, sin embargo, el público no acompañó todo lo que se esperaba.

Que la inflación y la recesión, que la guerra en Ucrania, que el Mundial… Lo cierto es que los números estuvieron por debajo de las previsiones y, en verdad, el único fenómeno realmente extraordinario lo consiguió Tom Cruise con “Top Gun: Maverick”, que fue lo más visto del año en todo el mundo con ingresos por 1.500 millones de dólares. Cruise, también productor, se negó a un estreno casi simultáneo en streaming (como hoy es costumbre) y el film demoró más de 6 meses en llegar a los dispositivos hogareños. Así, se convirtió en héroe no solo en pantalla sino también para los exhibidores (dueños de los cines), que sintieron que alguien los respetó y mantuvo la dinámica tradicional de un negocio que ha cambiado de manera dramática en los últimos años.

Los contrastes del mercado argentino


«Minions: Nace un villano» (Universal)

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“Minions: Nace un villano” fue con 4.620.000 localidades la película más taquillera del año, ratificando así el boom de los films animados en la Argentina (“Lightyear” y “Sonic 2” también terminaron dentro del Top 10).

En lo que respecta al cine nacional, se vivió la misma grieta entre un puñado de títulos muy exitosos y decenas o centenares (se registraron en total 224 lanzamientos) que pasaron prácticamente inadvertidos por las salas.

El principal fenómeno fue, claro, el de “Argentina, 1985” que, a pesar de sufrir el boicot de las principales cadenas multinacionales (Cinemark, Hoyts, Showcase, Cinépolis), convocó a 1.085.000 espectadores y luego arrasó también en streaming (Amazon Prime Video).

El otro suceso comercial fue “30 noches con mi ex”, de y con Adrián Suar, que convocó a 785.000 personas. En un segundo pelotón quedaron tres títulos que superaron por poco la barrera de las 100.000 entradas: la producción animada “La gallina turuleca” (135.000), la tragicomedia “Más respeto que soy tu madre” (125.000) y el thriller “Ecos de un crimen” (105.000)

Las 10 películas más vistas en los cines de Argentina

1  Minions: Nace un villano: 4.620.000

2  Jurassic World: Dominio: 2.435.000

3  Thor: Amor y trueno: 2.115.000

4  Doctor Strange en el multiverso de la locura: 1.980.000

5  Lightyear: 1.615.000

6  Spider-Man: Sin camino a casa: 1.570.000

7  Sonic 2: 1.290.000

8  Batman: 1.285.000

9  Argentina 1985: 1.085.000

10 Top Gun: Maverick: 1.040.000

Fuente: Gerencia de Fiscalización del INCAA

Las sorpresas y revelaciones de 2022


Este año llegaron a los cines locales algunos títulos muy valiosos premiados en 2021 como “La rueda de la fortuna y la fantasía” y “Drive My Car”, ambas del japonés Ryûsuke Hamaguchi; “Licorice Pizza”, de Paul Thomas Anderson; o “Justicieros”, del danés Anders Thomas Jensen, con Mads Mikkelsen.

Los servicios de streaming también aceptaron lanzar varios de sus películas más valiosas antes de que llegaran a sus plataformas. Netflix, por ejemplo, estrenó “Madres paralelas”, de Pedro Almodóvar; y el film animado “Pinocho”, de Guillermo del Toro; mientras que MUBI hizo lo propio con “Aftersun”, de la británica Charlotte Wells (una de las mejores óperas primas del año con una sensible historia padre-hija); “Memoria”, trabajo del tailandés Apichatpong Weerasethakul rodado en Colombia con Tilda Swinton; y “Crimes of the Future”, regreso del canadiense David Cronenberg al universo fantástico (y a su saga de “la nueva carne”) con Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart.

Pero, en muchos otros casos, los streamers optaron por presentar sus películas originales sin que pasaran previamente por las salas. Netflix lanzó notables propuestas como “Apolo 10 ½: Una infancia espacial”, producción animada de Richard Linklater; “El extraño”, del australiano Thomas M. Wright; “El prodigio”, película de época dirigida por el chileno Sebastián Lelio con Florence Pugh como protagonista; y “RRR”, desatado y sorprendente épica de aventuras del indio S. S. Rajamouli.

A nivel de documentales, se destacaron “Moonage Daydream”, fascinante trabajo de Brett Morgen sobre el gran David Bowie; “This Much I Know To Be True”, de Andrew Dominik, sobre la dupla creativa integrada por Nick Cave y Warren Ellis (MUBI); “Robert Downey Sr.”, en el que Robert Downey Jr. homenajeó a su padre, un cineasta de culto de los años ’60 y ’70 (Netflix); y “Volcanes: La tragedia de Katia y Maurice Krafft”, sobre la conmovedora historia de un matrimonio de vulcanólogos (Disney ).

«Moonage Daydream» (Universal)

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En el universo de los principales festivales se vieron los más recientes trabajos de autores como el coreano Hong Sang-soo (por partida doble con “The Novelist’s Film” y “Walk-Up”), su compatriota Park Chan-wook (“Decision to Leave”), el japonés Kore-Eda Hirokazu (“Broker”); el belga Lukas Dhont (“Close”), el español Albert Serra (“Pacifiction”), la estadounidense Kelly Reichardt (“Showing Up”), la inglesa Joanna Hogg (“The Eternal Daughter”), la francesa Mia Hansen-Løve (“Un beau matin”) y el irlandés Martin McDonagh (“Los espíritus de la isla”), por citar solo algunos.

Además, en las próximas semanas llegará a las salas lo nuevo de Steven Spielberg (la encantadora historia autobiográfica “Los Fabelman”) y en algún momento de 2023 será el turno de “Trenque Lauquen”, brillante trabajo de Laura Citarella (son dos partes que duran algo más de cuatro horas en total) que ha sido incluido en varias listas de fin de año por parte de los más prestigiosos medios del exterior tras su paso por festivales como los de Venecia, San Sebastián y Nueva York. Lo mejor, como siempre, está por venir.

«Los Fabelman» (Universal)

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«Sebastián Piana en Tinta Roja» propone un viaje hacia el corazón negro del tango

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Nacho Piana y Shino Ohnaga los autores
Nacho Piana y Shino Ohnaga, los autores.

«Sebastián Piana en Tinta Roja” es el nombre del libro recientemente publicado por la editorial Mil Campanas, dedicado a la figura del pianista, director y compositor argentino, creador de la milonga porteña, que reúne 12 composiciones para piano recuperadas por los músicos Nacho Piana y Shino Ohnaga.

Nacido en el barrio de Almagro en 1903, Piana fue uno de los compositores de la música popular argentina, quien transformó el lenguaje del tango: rompió con el canon del “tango emblanquecido” y, desde la negritud, creó y renovó estilos.

“Sobre el pucho”, tango que compuso junto a su padre y que estrenado en 1922, se convirtió en su primer éxito, marcó el inicio de un largo camino en el que creó más de 500 obras.

En la década del 30, Piana renovó el género de la milonga; asociado en las letras con Homero Manzi. El pianista consideró como su mayor mérito, el hecho de haber creado «una milonga suburbana, de la ciudad, diferente de la milonga campera».

“Sebastián Piana en Tinta Roja” es el libro, en versión trilingüe -español, inglés, japonés- que estará disponible desde el 20 de febrero en las principales librerías del país y en el sitio milcampanas.com.ar.

El libro transcribe por primera vez las 12 composiciones incluidas en el libro Sebastin Piana por Sebastin Piana
El libro transcribe, por primera vez, las 12 composiciones incluidas en el libro “Sebastián Piana por Sebastián Piana”.

“Revolucionó la milonga ciudadana. Fue el creador de la milonga candombe, estilo propio que cristalizó en varias de sus composiciones y fue incorporado a partir de 1940 por la Orquesta Típica Candombe, la única que sumó tres tambores afro-argentinos. También hizo un aporte esencial al vals criollo”, sintetizó Nacho Piana, uno de los autores y nieto de Sebastián.

El libro transcribe, por primera vez, las 12 composiciones incluidas en el libro “Sebastián Piana por Sebastián Piana” (1969), tarea que encaró la pianista japonesa Shino Onhaga y que se expresa en obras como “Milonga sentimental”, “Milonga del 900”, “Viejo ciego”, “Juan Manuel”, “El Pescante” y “Milonga Triste”, y “Sobre el pucho”, tango que compuso junto a su padre y que estrenado en 1922, se convirtió en su primer éxito.

“El mundo musical de Piana es fascinante. Invencible. Nos tocó la enorme responsabilidad de traducir estas obras al papel tal como él las tocaba”, explicó Ohnaga, pianista radicada en la argentina y especializada en el estudio del tango.

El libro cuenta también con textos de Juan Falú, Lidia Borda y Susana Rinaldi, y cuenta con los aportes de algunos alumnos de Sebastián Piana, quien desplegó una reconocida tarea docente. “La historia de Sebastián Piana es la historia del tango canción”, escribe Rinaldi.

Esta publicación de Piana-Ohnaga se inscribe en una línea de trabajos musicales que editó Mil Campanas en los últimos años: “Carlos García. Tangos en Piano Vol. 1” (Leda Torres); “Héctor Stamponi. Sus tangos en piano solo” (Leda Torres), “La vida secretar de Margarita Gauthier” (Paula Suárez), “El silencio tiembla” (Leda Torres), “Troilo. Una Teoría del Todo” (Mariano Suárez y Miguel Taboada). También “McCartney. Sobreviviendo a la canción perfecta” (Julio Martínez).

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El dúo Turica-Doncel festeja una década de historia en el CAFF

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El do repasar sus tres discos editados con invitados que fueron parte de la msica y la danza durante este tiempo
El dúo repasará sus tres discos editados, con invitados que fueron parte de la música y la danza durante este tiempo.

El dúo integrado por Ana Paula Turica y Germán Doncel, que desde una mirada propia y actual interpreta un repertorio de música popular argentina, cumple 10 años de trayectoria y comenzará los festejos con un concierto especial en el CAFF el sábado 11 de marzo a las 21, donde hará un repaso por su historia.

Ana Paula Turica y Germn Doncel se presentarn en el local del barrio de Almagro
Ana Paula Turica y Germán Doncel se presentarán en el local del barrio de Almagro,

Antes de encarar su gira por distintos puntos de Argentina, Colombia y Europa, el dúo se presentará en el local ubicado en Sánchez de Bustamante 722, del barrio de Almagro, donde repasará sus tres discos editados, con invitados que fueron parte de la música y la danza durante este tiempo.

“Será una noche cargada de emociones, una fiesta para los oídos, y el corazón, para encontrarnos y bailar zambas, chacareras, gatos y bailecitos”, indica un comunicado.

Los dos intrpretes son egresados de la Escuela de Msica Popular de Avellaneda
Los dos intérpretes son egresados de la Escuela de Música Popular de Avellaneda.

Serán de la partida Laura Albarracín, Jorge Giuliano, Mariano Céspedez, Edgardo Ybañez, Claudio Turica, Vero Marjbein y Mariano Tuamá, entre otros; mientras que la danza a cargo de Samanta Carmona, Lilia y Martín (desde Suiza).

La dupla se caracteriza por combinar repertorio propio, obras de autores del folclore argentino y de compositores contemporáneos.

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Vetusta Morla vuelve con un «Cable a tierra» y para debutar en el Cosquín Rock

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Vetusta Morla, la mayor banda independiente de la escena rockera española, se apresta a volver a la Argentina después de cinco años para presentarse en el porteño Complejo C Art Media, debutar en el festival Cosquín Rock y reconectar con una escena que, según observa el cantante Juan Pedro «Pucho» Martín, «está siendo la cuna de músicas urbanas que tienen que ver con la palabra».

«Argentina ahora mismo es la fábrica de una corriente global que es la música popular del presente y que al igual que hacemos con Vetusta Morla presta especial atención a la palabra», sostiene «Pucho» durante una entrevista con Télam.

El refinado vocalista del sexteto formado en Madrid en 1988 traza otro paralelo entre quienes cultivan la música urbana local y el presente de Vetusta Morla porque, arriesga, «así como nosotros hicimos en ‘Cable a tierra’ (2021) un álbum que recoge las tradiciones populares de todas las épocas, el hip hop argentino remite a la herencia de los payadores».

La banda indie rock fue fundada en 1998 en Tres Cantos a 22 km de Madrid
La banda indie rock fue fundada en 1998 en Tres Cantos, a 22 km. de Madrid.

El encuentro posible entre estas corrientes en apariencia disímiles ya que los españoles cultivan un rock elegante, elaborado y metafórico que parece alejado de la simpleza directa de la urbanidad local, se corporizó en junio pasado cuando Wos fue invitado del conjunto en el Estadio Metropolitano de Madrid para compartir una versión de «Consejo de sabios» ante 38.000 espectadores.

Para seguir en contacto con el público local que fue testigo del desarrollo de Vetusta Morla, el conjunto que completan el guitarrista y tecladista Juan Manuel Latorre (guitarra y teclados), Jorge González (percusión y programaciones), el Indio –David García– (batería y coros), Álvaro B. Baglietto (bajo) y Guillermo Galván (guitarras, teclados y coros), tendrá dos citas vitales.

En el marco del segundo año de una gira mundial, el viernes 17 desde las 20 se presentará en el Complejo C Art Media (Av. Corrientes 6271), mientras que el domingo 19 será parte de la jornada de cierre del Cosquín Rock compartiendo cartel con Fito Páez, Babasónicos, Las Pastillas del Abuelo, Dillom, Tiesto y Ciro y Los Persas, entre más.

El nombre de la banda Vetusta Morla significa tortuga anciana
El nombre de la banda, Vetusta Morla, significa «tortuga anciana».

La voz de la agrupación que antes de «Cable a tierra» publicó los álbumes «Un día en el mundo» (2008), «Mapas» (2011), «La deriva» (2014) y «Mismo sitio, distinto lugar» (2017), marca diferencias entre los dos conciertos previstos en el país.

«En nuestro recital individual aspiramos a desarrollar un hilo conductor y desplegar no solamente las últimas canciones sino otros conceptos», avisa el intérprete.

En cambio y de cara al bautismo de la agrupación en el festival rockero, «Pucho» comenta que «tocar en festivales es casi como correr los 100 metros y hay que llamar la atención a un público en ocasiones un poco disperso debido a tanta oferta».

-¿Qué Vetusta Morla veremos en Argentina después de tanto tiempo y pandemia por medio?

-Antes del parón hicimos una banda sonora para la película «La hija», de Manuel Martín Cuenca, y generamos un material de reinterpretación de «Mismo sitio, distinto lugar» que se llamó «Canciones dentro de canciones», que iba acompañado de un espectáculo precioso con las cosas más estéticas que hemos hecho nunca pero que por la pandemia se tuvo que cancelar. A partir de ahí decidimos no tener mucha presencia en redes, ni la locura de hacer acústicos en las casas y preferimos tomar ese tiempo para descansar un poco y hacer una reflexión y bajo una tormenta de nieve gigante que cayó aquí en Madrid y que hasta tuvo nombre (por Filomena) empezamos a gestar las canciones de «Cable a tierra», que estuvo concebido desde un entorno muy íntimo, con instrumentos muy cercanos, sin pensar en ningún momento que luego podrían acabar en un gran estadio ni en un disco con otros elementos de rock.

Vestusta Morla – Corazón de Lava

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-¿Cómo describirías el camino de la banda desde su origen independiente a este suceso de alcance planetario?

-Estamos centrados no tanto en la cuestión del éxito como en la cuestión del continuar y no solo a nivel artístico sino también a un nivel empresarial porque al fin y al cabo nosotros también formamos parte de ese entramado, de todo lo que hay detrás de lo artístico. Y eso yo creo que es lo más complicado siempre de mantener por tener que llevar todo el rato las riendas y mantener algo en el tiempo durante mucho tiempo. Es un trabajo laborioso y un compromiso de los seis que conlleva sus crisis como las de cualquier pareja.

Pero al final siempre tenemos esa empatía y esa inteligencia emocional para llegar a acuerdos y que todas las partes estemos a gusto y por suerte, en definitiva, son más conocidas nuestras canciones que nuestras caras.

-Debido a que la escena del rock español independiente no tiene un espacio tan ganado ¿Este buen camino de ustedes puede estar sirviendo como referencia para otras bandas del under español?

-Pues la verdad es que no lo sé y no pienso mucho tampoco en lo que hayamos podido generar en otras bandas, aunque sí que es cierto que a lo mejor mostramos una manera de hacer las cosas con menos miedos y menos ataduras que pueden haber influenciado más que la propia estética o el propio contenido de la banda.

-¿Y cómo evaluás tu recorrido como cantante en estos 35 años de historia de Vetusta Morla?

-Siento que como cantante he acompañado la evolución de la banda. Sigo tomando clases con Patricia Ferro, una maestra argentina que es miembro de la Academia Nacional del Tango, y he ido adquiriendo técnica y conocimientos sobre mi propio instrumento, que es un instrumento muy orgánico y en él no hay coartadas estéticas por así decirlo y jamás abuso de los recursos que no le son propios. Digamos que canto sin pirotecnia.

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