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Abracadabra 2: magia y “sororidad” en el regreso de las brujas

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Abracadabra 2 comedia de terror para toda la familia ya disponible en Disney
“Abracadabra 2”, comedia de terror para toda la familia ya disponible en Disney .

“Abracadabra 2”, comedia de terror para toda la familia ya disponible en Disney que trae de vuelta al disparatado trío de brujas de la película original de 1993, apela a divertir a los antiguos fans ya adultos y a conquistar a los más jóvenes con una propuesta que, a tono con el debate actual sobre los feminismos, desliza temas como la sororidad y la opresión contra las mujeres.

Es que a las órdenes de la directora estadounidense Anne Fletcher (versada en comedias como “27 Bodas”, “La propuesta” o “The Guilt Trip”) la cinta no solo vuelve sobre el trío de brujas que debe activar un conjuro para asegurar su supervivencia antes de la salida del sol, con sus gags al mejor estilo “Los tres chiflados”.

La trama ofrece esta vez una historia de origen de las habilidades mágicas de las hermanas, que se remonta al siglo XVII en la icónica Salem, donde la iglesia y los hombres de poder acusaban de bruja a cada mujer que desafiara su autoridad, para terminar inexorablemente ejecutada en la pira.

“La razón principal por la que tomé la película fue la historia de origen de nuestras brujas, porque siempre quise saber más sobre ellas y de dónde vinieron, qué les sucedió y cómo llegaron a eso”, relató Fletcher en charla con Télam.

El filme es nuevamente protagonizado por Bette Midler Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy
El filme es nuevamente protagonizado por Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy.

El filme es nuevamente protagonizado por Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy como las tan diabólicas como atolondradas hermanas Sanderson, e incorpora un trío de amigas adolescentes que, en el marco de la celebración de Halloween en la ciudad, parecen las únicas capaces de detenerlas.

Pasaron 29 años desde la últimas vez que alguien encendió la vela de llama negra y resucitó a las Sanderson, y ahora la historia se repite.

El elenco de esta continuación se completa con Sam Richardson, Doug Jones, Hanna Weddingham, Whitney Peak, Belissa Escobedo, Lilia Buckingham y Tony Hale.

La trama ofrece esta vez una historia de origen de las habilidades mágicas de las hermanas.

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Télam: ¿Cuál es el principal desafío que encontraste al traer de vuelta la historia casi 30 años después de la original?

Anne Fletcher:

Hay muchos desafíos en el camino, pero en el buen sentido, porque constantemente querés asegurarte de que la historia en sí no sea idéntica a la primera, y a la vez querés traer de vuelta todo lo jugoso que tenía la original. Entonces, lo desafiante era encontrar ese equilibrio y asegurarnos de que tuviéramos la cantidad justa del espíritu de la primera película.

T: Los fanáticos pueden ser los críticos más duros, y esta saga tiene su culto. ¿Te preocupaba darles lo que esperaban?

AF: Habrá gente que se contente con tener de nuevo a estas hermanas, pero lo que puedo contar es que tuvimos dos proyecciones privadas, y reclutamos principalmente fanáticos incondicionales, de esos que te harán saber si algo es terrible. Quiero toda la información: “decime qué no funciona, decime qué funciona” y le seguiré dando forma para que al final del día todos los que me ayuden, vean la película y me den su opinión obtengan lo que pidieron. Entonces nosotros, mi productor, el estudio y yo, acudimos a los fans y es mi cosa favorita en todo el mundo porque estás haciendo este tipo de películas para que la gente las vea y, con suerte, las ame.

La trama ofrece esta vez una historia de origen de las habilidades mgicas de las hermanas
La trama ofrece esta vez una historia de origen de las habilidades mágicas de las hermanas.

T: Además de traer de nuevo a las Sanderson, esta secuela presenta a tres amigas que se van a enfrentar a las brujas. ¿Estarías de acuerdo en que sobre todas las cosas esta es una película sobre la sororidad?

AF: Sí, diría que trata sobre la sororidad y la amistad; trata de mantenerse unidas y escucharse unas a otras y apoyarse unas en otras.

T: Uno de los aspectos más interesantes de esta secuela es la historia de origen de estas brujas que decidiste introducir al comienzo, en la Nueva Inglaterra colonial del 1600 y cómo esa fue una época muy difícil para ser mujer. ¿Por qué querías abordar eso? ¿Fue difícil encontrar el tono adecuado para lo que, después de todo, es una comedia de terror familiar?

AF: Todas las personas, e incluso estas brujas, venimos de algo y somos criados de cierta manera o algo nos sucedió en el camino que nos hizo ser quienes somos como adultos. Siempre he querido saber qué había pasado con las brujas. Quería señalar a los 1600s y cómo el mundo trató a las mujeres, y ya en 2022 todavía estamos lidiando con eso. Como que la cuestión no desaparece, y en algún nivel somos ciudadanas de segunda clase, lo cual es alucinante porque nadie estaría en esta Tierra si no fuera por una mujer.

Tantas mujeres fueron quemadas en la hoguera por tener una opinión y un pensamiento, tal vez hablaron fuera de lugar y luego fueron consideradas brujas y asesinadas de manera horrible. Quería jugar con eso, pero de una manera divertida y cómica, porque me encanta hornear esas cosas debajo del pastel que es la película y si estás viéndola, lo notás o no lo notás.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
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Pakapaka estrenará el lunes la serie animada “Las palabras de la magia”

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El aniversario de Pakapaka en Tecnpolis Foto Osvaldo Fantn
El aniversario de Pakapaka en Tecnópolis. Foto: Osvaldo Fantón

La señal infantil Pakapaka estrenará el lunes a las 17.45 “Las palabras de la magia”, una serie de animación creada por María Victoria Gasparini y ganadora de la Convocatoria Renacer Audiovisual que apuesta a desarrollar el sector audiovisual argentino.

“Las palabras de la magia”, que se emitirá de lunes a viernes a las 17.45 por esa pantalla, presenta las aventuras de Úrsula, una niña pequeña que es entrenada por sus tres tías brujas y la gran maestra Orunelia para descubrir su don y su verdadera vocación.

El proyecto, bastado en la novela de María Victoria Gasparini, fue ganador de la Convocatoria Renacer Audiovisual del Ministerio de Cultura de la Nación, la secretaría de Medios Públicos y Contenidos Públicos S.E. que busca estimular el sector audiovisual local.

Además de entretener, la serie se propone ser un recurso activo para las infancias en el aprendizaje de las habilidades básicas requeridas para la lectoescritura.

Trailer de Las Palabras de la Magia

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En cada episodio, los juegos de palabras, las narraciones, los cuentos y las rimas se harán presentes para jugar con Úrsula y la audiencia.

Escrita por María Victoria Gasparini, Luciano Saracino y Claudia Czerlowski, la serie dirigida por Claudio Groppo para Focus Entretainment cuenta con las voces de Donna Ponce Carballo, Luciana Falcón, Silvia Aira, Claudia Pannone, Facundo Reyes y Natalia Rosminati.

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Combustión y química en el primer Luna Park de Trueno

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Trueno lleg al Luna Park en el marco de un tour que incluy presentaciones en Estados Unidos y Europa Foto Julin lvarez
Trueno llegó al Luna Park en el marco de un tour que incluyó presentaciones en Estados Unidos y Europa / Foto: Julián Álvarez.

El músico urbano Trueno ofreció en la noche del jueves un arrollador concierto en el estadio Luna Park -en la primera de una serie de tres presentaciones que repetirá el viernes y el sábado-, estableciendo desde el escenario una fusión química indisoluble con su público en un estado en combustión permanente.

La llegada de Trueno al Luna Park como artista solista consagró también el ascenso meteórico de una figura que lanzó su primer trabajo musical en 2020 (“Atrevido”) y que viene de estar girando por Europa, Estados Unidos y América Latina en este Bien o Mal Tour en el que presenta su segundo trabajo de estudio, en el que contó con participaciones de J. Balvin, Nathy Peluso, Bizarrap, Randi y Pedro Peligro.

El imparable ascenso de la escena urbana local a nivel nacional e internacional tiene en Trueno uno de sus emblemas más felices, en una combinación furiosa de rap, hip hop, trap, reaggetón, pop y rock, un mensaje de rebeldía plebeya que rescata la identidad barrial, recupera la historia política reciente del país con un ejercicio de memoria sobre la dictadura y los desaparecidos y condena la violencia policial y el gatillo fácil.

Trueno habla, escribe y baila desde uno de los lados de la maldita grieta y afirma una pertenencia generacional pero también política y social. “Nosotros somos el futuro”, bramó desde el escenario del Luna Park en uno de los momentos más calientes del show.

Mateo Palacios Corazzina arranc el show cantando Hoop Hoop para pasar luego a Atrevido Foto Julin lvarez
Mateo Palacios Corazzina arrancó el show cantando “Hoop Hoop” para pasar luego a “Atrevido” / Foto: Julián Álvarez.

La presentación de Mateo Palacios Corazzina (apenas 20 años) arrancó con él sobre el escenario y una gigante pantalla detrás cantando “Hoop Hoop” para pasar luego a “Atrevido”, con una puesta que destacó por la manera de jugar entre el cantante, los fondos y las imágenes que se proyectaban detrás y en las que se incluía el vivo.

A estos siguieron un trap como “Buenos Aires en llamas” y “Background”, en momentos en que las pantallas subieron y detrás quedó al descubierto una impactante banda con coristas, batería, percusión, guitarra eléctrica, bajo, tubas, saxos, clarinete bajo y secuenciadores, que le imprimeron una energía desbordante al show durante la más de hora y media de presentación.

La espera había comenzado con un DJ calentando el ambiente, de por sí encendido por la performance de la Selección Argentina en Qatar y que estuvo salpicado de cantitos de cancha alentando al unísono al combinado nacional.

Visitas especiales en esta primera noche en el Luna Park fueron las de Dante Spinetta para hacer juntos “Sudaka” y la de Niki Nicole para “Mamichula”, en uno de los primeros incendios de la noche.

Foto Julin lvarez
Foto: Julián Álvarez.

El sonido estuvo fuerte, acaso excesivamente alto y no del todo limpio, especialmente en lo respectivo a las vocalizaciones pero poco pareció importar eso al público que conocía y cantaba todas las canciones junto a Trueno de principio a fin.

Intercalando traps más suaves con raps furiosos y destellos de rock, Trueno fue avanzando en la noche con canciones como “Panamá”, “Bien o mal”, “Ñeri” y “Un paso”.

Hasta llegar a la parte más encendida del show que llegó sobre el final, cuando el artista salió al escenario con una remera y un pasamontañas con las siglas estampadas del Nunca Más (“nunca más a la dictadura, nunca más al gatillo fácil”, dijo), donde aparecieron las letras más fuertes, con una perspectiva rebelde e identitaria y que une en un mismo gesto el barrio, las clases bajas, la persecución policial, la reivindicación de ser argentino y latinoamericano.

Así cantó “Argentina” (“la fuerza de Argentina ta caminando a mi lado, baby, no estoy solo, los wachos de la esquina son soldados caminando por arena y lodo”); “Sangría” (“soy del barrio, yo soy mi jefe, mi horario”), “Tierra Zanta” (que grabó en “Bien o Mal” junto a Víctor Heredia), “Fuck el Police” y “Dance Crip”.

Al final vino una foto con el público detrás, una canción de fondo, la banda y la gente retirándose, sin la litúrgica ceremonia de los bises, otra de las nuevas maneras que la música urbana impone en sus shows.

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Los documentales favoritos al Oscar ya se pueden disfrutar en streaming

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Si bien todavía faltan casi dos meses para el anuncio de las nominaciones de la 95ª edición de los Oscar (24 de enero) y más de tres para la ceremonia (12 de marzo), la carrera para los premios de la Academia de Hollywood comenzó hace rato. Están las predicciones en los medios especializados, los sitios de apuestas, las multimillonarias inversiones en promoción y publicidad de los estudios y, en ese contexto, aparece una categoría que siempre resulta muy interesante en términos artísticos: la de largometrajes documentales.

En estos tiempos de esplendor del streaming los títulos que más suenan en ese rubro ya están disponibles en distintas plataformas. Proponermos, por lo tanto, un recorrido por seis notables documentales que figuran entre los favoritos de este año y el servicio en el que pueden verse en la Argentina.

“Buenas noches, Oppy” (“Good Night Oppy”)


Telam SE

De Ryan White (Amazon Prime Video).

En 2003 la NASA envió a Marte dos robots gemelos llamados Spirit y Opportunity. Los científicos calculaban que iban a durar 90 días para explorar “el planeta rojo”, pero el segundo de ellos (luego apodado cariñosamente Oppy) se mantuvo operativo durante… ¡15 años! y fue clave para los múltiples descubrimientos respecto de que allí hubo agua y, por lo tanto, distintas formas de vida.

Este documental dirigido por Ryan White (“The Case Against 8”, “The Keepers”), producido por Amblin de Steven Spielberg con tecnología de Lucasfilm de George Lucas y con narración en off de Angela Basset logra el extraño efecto de que el espectador se identifique con un robot róver -que a su vez remite a “WALL-E”, de Pixar- en un contundente ejemplo de film didáctico y popular a la vez.

“Volcanes: La tragedia de Katia y Maurice Krafft” (“Fire of Love”)


Telam SE

De Sara Dosa (Disney ).

Los franceses Katia y Maurice Krafft se conocieron en 1966, se casaron y se convirtieron en la pareja más famosa dedicada a la vulcanología. Filmaron, fotografiaron y escribieron sobre erupciones en el Estromboli, el Etna, el Nyiragongo, el Santa Helena o el Anak Krakatau dando claves científicas a la hora de lidiar con estos fenómenos naturales que muchas veces tienen consecuencias trágicas. “La curiosidad es más fuerte que el miedo”, admitían en cada entrevista, mientras jugaban con la idea de vivir en una “ruleta rusa” permanente, una “existencia kamikaze” con el objetivo de apreciar la belleza volcánica en todas su dimensión y esplendor.

Se arriesgaban acercándose más de lo aconsejable en cada crater que estudiaban y, por lo tanto, puede decirse que murieron en su ley cuando el 2 de junio de 1991 una inesperada explosión en el monte Unzen, en Japón, terminó con sus vidas y con las de 40 periodistas que cubrían el hecho. A partir del extraordinario (y en muchos casos bellísimo) material de archivo que acumularon durante un cuarto de siglo, se construyó este documental que es también un tributo a su espíritu, su trabajo y su legado.

“Los descendientes del Clotilda” (“Descendant”)


De Margaret Brown (Netflix).

Si bien el comercio internacional de esclavos a Estados Unidos fue abolido en 1808, continuó de forma ilegal en el sur de ese país hasta 1865. En 1860 llegó a la zona de Plateau, en Mobile, Alabama, más conocida como Africatown, uno de los últimos barcos con más de 110 prisioneros provenientes de Benin y que luego fueron repartidos entre tres plantaciones. La nave fue hundida para que no quedaran rastros y aquella historia se mantuvo viva exclusivamente gracias a la tradición oral, transmitida de un generación a la siguiente por los descendientes de las víctimas.

El documental reconstruye esos hechos, muestra la búsqueda de los restos del Clotilda y expone la penosa situación en que ha quedado Africatown, una comunidad marcada por la miseria y sobre todo la polución. Es que en ese lugar funcionaron durante décadas vertederos de desechos peligrosos de distintas fábricas papeleras, fundidoras de plomo, fabricantes de PBC y ahora varias compañías petroleras.

El film exhibe también el trabajo del Slave Wrecks Project, un proyecto que depende del Smithsonian National Museum of African American History and Culture que investiga los naufragios esclavistas en todo el mundo; y se concentra en las historias opuestas de la mítica figura de Cudjoe Lewis, sobreviviente del hundimiento, líder de los afrodescendientes y fundador de Africatown, y de la familia de Timothy Meaher, ligadas a aquellos esclavistas. La recuperación de unos hechos que desafían la historia oficial y -como se afirma en un momento de la película- tienen mucho de “resistencia, resiliencia y supervivencia”.

“Navalny”


Telam SE

De Daniel Roher (HBO Max).

Con su 1,89 de altura, su sonrisa calculada de galán a-la-Daniel Craig y su histrionismo frente a cámara, el abogado y político Alexéi Navalny se ha transformado en el principal antagonista del todopoderoso Vladimir Putin.

Convertido en uno de los principales líderes de la oposición y en figura inmensamente popular en las redes (tiene millones de seguidores y sus apariciones en YouTube se viralizan hasta límites inimaginables), ha denunciado, desafiado e incomodado varias veces al líder ruso. La reacción no tardó en llegar: fue envenenado en agosto de 2020 en Siberia con Novichok (se salvó de milagro) y fue detenido en enero de 2021 en uno de sus tantos regresos a Rusia, donde actualmente se encuentra encarcelado con una condena a 9 años de prisión.

El documental del director de “Ghosts of our Forest” y “Once Were Brothers: Robbie Robertson and The Band”, producido por la CNN para HBO Max y ganador del Premio del Público en el Festival de Sundance 2022, no oculta su cercanía ni su simpatía por Navalny ni por su esposa Yulia o su hija Daria. Hay algunos mínimos “cuestionamientos” (como su participación en mitines de grupos neonazis), pero en general se trata de un panegírico sobre un héroe trágico dispuesto a autoinmolarse y convenvientemente musicalizado con espíritu épico. El cuestionamiento a la figura de Putin, su entorno, su gobierno y los medios de comunicación ruso es absoluto. Y eso que por entonces ni siquiera había comenzado la invasión a Ucrania.

La cercanía absoluta (física e ideológica) del director con el protagonista es al mismo tiempo el principal hallazgo y el mayor problema del documental. En el primer caso, porque le permite el acceso a su intimidad, donde se aprecia su carisma pero también un ego gigantesco; en el segundo, porque casi no permite exponer matices, contradicciones ni dobleces.

“S.O.S. Mujeres americanas” (“Aftershock”)


“S.O.S. Mujeres americanas”

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De Paula Eiselt y Tonya Lewis Lee (Star ).

También premiado en Sundance, este documental expone con total crudeza una problemática con múltiples alcances: médicos, económicos, raciales y psicológicos. El punto de partida son los casos de dos mujeres afroamericanas de Brooklyn que murieron por mala atención a la hora del parto (y del posparto).

El film de Paula Eiselt y Lewis Lee (esposa de Spike Lee) narra los esfuerzos de sus maridos y familiares por visibilizar no solo sus dramas sino por concientizar a nivel mediático y político (llegan hasta el Congreso) un sistema totalmente injusto. En efecto, las estadísticas son elocuentes: la mortalidad es el doble entre las mujeres negras y más aún entre quienes no poseen un seguro médico privado.

La investigación muestra también “la industria de las cesáreas”, ya que los hospitales se sacan de encima a las pacientes más rápidamente y encima cobran más dinero de los seguros médicos que apostando a partos más naturales.

“S.O.S.: Mujeres americanas” va de lo íntimo a lo social con una intensa combinación entre lo emotivo y la más iracunda de las denuncias sobre la nación más poderosa del planeta, pero que tiene los peores indicadores para las mujeres entre todos los países desarrollados.

“¿¡Soy lo bastante negro para ti!?” (“Is That Black Enough for You?!?”)


“¿¡Soy lo bastante negro para ti!?”

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De Elvis Mitchell (Netflix).

Producido por figuras como Steven Soderbergh y David Fincher y estrenado en el prestigioso Festival de Nueva York, este notable film-ensayo a cargo del crítico, docente y divulgador Elvis Mitchell analiza la presencia y representación de la comunidad negra en el cine y el boom que se vivió durante la primera mitad de la década de 1970 con el movimiento conocido como Blaxploitation.

Mitchell es autor de los textos, pero también aporta su propia voz para conseguir que el ensayo no caiga en la frialdad académica ni en las limitaciones del informe periodístico puramente didáctico sino que contenga cierta impronta íntima y personal. Y contó, además, con valiosos testimonios de, por ejemplo, Samuel L. Jackson, el mítico Harry Belafonte, Laurence Fishburne, Whoopi Goldberg, Charles Burnett, Margaret Avery, Billy Dee Williams y Mario Van Peebles, entre otros.

El autor hace en principio un recorrido histórico desde los inicios del cine que incluye las ya habituales miradas críticas al racismo en clásicos como “El nacimiento de una nación”, de David W. Griffith; o “Lo que el viento se llevó” y la importancia de figuras como el mencionado Belafonte (también como cantante) o Sidney Poiter (incluso como director) para luego concentrarse en la época de oro del Blaxploitation con sus clásicos (“Shaft”, “Super Fly”, “Sweet Sweetback’s Baadasssss Song”, “That’s the Way of the World”, “Cooley High”, “La gran amenaza” / “Three the Hard Way”, “Willie Dynamite”, “Coffy”), en sus directores más representativos (Gordon Parks, Ossie Davis, Bill Gunn, Charles Burnett, Melvin Van Peebles, William Greaves), en -claro- sus estrellas (Richard Roundtree, Jim Brown, Pam Grier, Fred Williamson, James Earl Jones, Cicely Tyson, Diana Ross, Tamara Dobson, Max Julien) y los elementos genéricos: desde persecuciones automovilísticas con música de fondo a pleno hasta westerns de venganza por parte de esclavos, pasando por detectives negros muy cool y hasta incursiones en el terror como Blacula.

Y, como no podía ser de otra manera, más allá de los bienvenidos análisis sociológicos, ideológicos, raciales y económicos, buena parte de las algo más de dos horas del documental está dedicada a la relación entre esas películas y la música (funk, soul, disco) con bandas sonoras que servían para promocionar los estrenos (y viceversa) en un recorrido que incluye a, nada menos, Curtis Mayfield, Isaac Hayes, Marvin Gaye, Gladys Knight & the Pips, Aretha Franklin, Barry White, Earth, Wind & Fire, James Brown y un largo etcétera.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
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