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Tras los pasos de la vanguardista Patricia Stokoe, en “Vikinga”

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Szperling Una de las premisas fue transmitir al espectador las sensaciones que se sienten al bailar Foto Maximiliano Luna
Szperling: Una de las premisas fue transmitir al espectador las sensaciones que se sienten al bailar” / Foto: Maximiliano Luna

“Vikinga” es la nueva película de la directora, bailarina y escritora Silvina Szperling, en la que intenta indagar sobre la vida de Patricia Stokoe, pionera de la expresión corporal y que abrió paso a un sinfín de disciplinas moderas a través de la danza, y que a partir de mañana se podrá ver en el cine Gaumont.

“La idea surgió en ocasión de presenciar una obra llamada ‘La casa habitada’, que se realizaba en el estudio de Patricia Stokoe. Al volver a ese lugar de mi infancia y adolescencia, el cual increíblemente se mantenía intacto, surgió un vendaval de recuerdos y emociones que me hicieron desear contar la historia de Patricia y de muchas que habitamos ese lugar y compartimos esas experiencias tan formativas”, dijo Szperling a Télam.

La realizadora tiene un puñado de cintas, elegidas casi con nariz de sommelier, sobre el mundo de la danza y universos no tan conocidos para el gran público. “Reflejo Narcisa”, ganó Mención Especial del Jurado en el festival FEM CINE Chile. También cuenta con las cintas “Danza problemática y febril” y “Escrito en el aire, la obra de Oscar Araiz”.

“Mi percepción de Patricia -explicó- se complejizó muchísimo, al enterarme de tanta información sobre su vida anterior a que yo la conociera: su infancia en el campo argentino en total contacto con la naturaleza y los animales. Comprendí que la fortaleza que percibíamos de ella como alumnas tenía un trasfondo de haberse sobrepuesto a grandes desafíos. Comprendí también más cabalmente su posición política, tan militante”.

Szperling es docente y se la considera pionera del videodanza en Argentina y Amrica Latina Foto Maximiliano Luna
Szperling es docente y se la considera pionera del videodanza en Argentina y América Latina. / Foto: Maximiliano Luna

Stokoe tuvo una “rígida” educación británica como pupila, y durante la Segunda Guerra Mundial vivió en Londres, a donde fue a estudiar danza al Royal Ballet y comenzó su carrera como bailarina profesional.

Para este trabajo, Szperling contó con la colaboración de la hija de Patricia, Déborah Kalmar, quien “estuvo muy dispuesta a recorrer ese proceso de evocación” y le habilitó a la directora material de archivo, además aparecer en el documental con su testimonio.

“La metodología de enseñanza, su didáctica, ha sido un gran sostén para mi labor docente y como directora artística. Y la curiosidad permanente, ese espíritu lúdico de investigación que la caracterizaba y nos contagiaba a todes.”Silvina Szperling

Directora del Festival internacional VideoDanzaBA, desde 1995. Szperling es docente y se la considera pionera del videodanza en Argentina y América Latina. En el filme, recurre a fotografías y audios de Stokoe, que se entremezclan con coreografías actuales de exalumnas, como también de niñas que dan sus primeros pasos en la danza.

Télam: Desde que empezaste tu relación con la danza hasta hoy, ¿qué rol ocupó Patricia en tu formación a lo largo de tu carrera?

Silvina Szperling: Un rol fundamental y fundante. En primer lugar, el despertar de una vocación por la danza. En segundo lugar, una estructura de conocimientos tan profundos y abarcativos provenientes desde las ciencias sociales, la anatomía, la educación por el arte, que me dieron sustento más allá de lo específico del movimiento corporal. Una tridimensionalidad sobre el fenómeno de la danza que no era para nada común en aquellos años. La metodología de enseñanza, su didáctica, ha sido un gran sostén para mi labor docente y como directora artística. Y la curiosidad permanente, ese espíritu lúdico de investigación que la caracterizaba y nos contagiaba a todes.

T: ¿Cómo pensaste la película, teniendo en cuenta la unión del cine, la investigación documental y la representación de la danza?

SS: Se trata de un universo fascinante que me permite atravesar las barreras entre los géneros tradicionales. Una de las premisas fundamentales desde la gestación fue intentar transmitir al espectador las sensaciones que se sienten al bailar. Era importante que una cantidad de información llegara al espectador y guiara desde las voces de los protagonistas la invocación de la figura de Stokoe. Y al mismo tiempo, no perder el costado poético.

Creo que se trató de un equilibrio que tuvimos que recorrer en un arduo proceso de montaje con Álvaro Artero que tuvo momentos de dificultad y hubo que tomar decisiones drásticas.

T: En un momento, una entrevistada señala que hoy los estudiantes de los diferentes estilos de danza dicen que lo que hizo Patricia es lo que hoy se hace en, por ejemplo, danza contemporánea. ¿Creés que estos estilos hubieran existido sin el trabajo pedagógico de Patricia? ¿Cuál fue el aporte de ella?

SS: No sé si se puede afirmar que no hubiera ingresado la improvisación a la danza contemporánea, dado que no es Patricia Stokoe la única que trabajaba con esa premisa, están María Fux y Lola Brikman, entre las referentes argentinas que han hecho aportes importantes en esta materia. De todos modos, creo que el aporte fundamental de Patricia y su discípula Perla Jaritonsky (entre otras) fue que la Expresión Corporal ingrese a la educación pública argentina. Lo que diferenció el aporte de Patricia en términos pedagógicos fue su gran sistematización, la reflexión sobre el propio trabajo que se concretó en libros, el diseño de programas educativos, la conciencia de que para transmitir algo la inspiración no era suficiente. Hubo un propósito consciente de alejarse del paradigma del artista romántico como genio alejado de la sociedad y también de cuestionar las situaciones jerárquicas y competitivas en la enseñanza del arte. Era mucho más importante compartir e integrar que competir y escindir.

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Mex y Violeta Urtizberea en la segunda temporada de “Futuralia”

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Foto: Prensa.

Mex y Violeta Urtizberea son los conductores de “Futuralia”, ciclo con perspectiva federal que propone reflexionar y discutir el futuro de la Argentina, a través de la mirada de chiqxs, especialistas y adultos mayores, que arranca su segunda temporada este viernes 2 de diciembre a las 21.30 por la Televisión Pública.

“Nos gusta mucho participar de este proyecto que trata temas que nos preocupan, que incluye además de los testimonios de especialistas las reflexiones de niños y niñas de la Argentina. No es común encontrar un espacio para escuchar a todos y eso nos pone contentos”, aseguró Mex a través de una comunicación de prensa sobre las características de “Futuralia”.

A su vez, Violeta resaltó la pluralidad de voces que propone el programa y la importancia de tratar temas como ambiente y democracia.

En el envío que se propone pensar el país a futuro en un diálogo intergeneracional, Mex y Violeta son los encargados de presentar los temas de cada capítulo y transmitir a los especialistas en distintos temas las preguntas que les formulan chicos y chicas de todo el país sobre inquietudes, deseos y desafíos para los próximos años que presentan determinadas cuestiones para la Argentina.

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Foto: Prensa.

Además de preguntar, los chicos y las chicas dan cuenta de cómo imaginan ese futuro, junto con testimonios de adultos mayores que repasan qué era aquello que ellos se imaginaban del futuro y qué fue lo que se cumplió.

Esta nueva temporada constará de cuatro episodios de 30 minutos que se conocerán los próximos cuatro viernes, abordando temas como “Estado: las desigualdades territoriales y políticas de la República Federal Argentina”; “Democracia: los 40 años de ejercicio de democracia ininterrumpida atravesada por los discursos de odio”; “Ambiente: la tensión entre el desarrollo productivo y el cuidado del ambiente” y “Soberanía digital: el capitalismo de plataformas y la tenue frontera entre la vida real y la vida virtual”.

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Foto: Prensa.

Las entrevistas con algunos de los especialistas y con las y los adultos mayores además de los testimonios de los niños y las niñas fueron grabados por la TV Pública Fueguina, Chaco TV, Xama TV de San Juan, Televisión Pública Pampeana, Canal 13 de San Luis, Santa Fe Canal, RTN Neuquén, y Canal 10 SRT de Córdoba, todos canales integrantes de la Red Federal de Televisoras Públicas. Estas señales también emitirán el programa.

“Futuralia” es una producción de la Secretaría de Medios y Comunicación Pública, Argentina Futura y TV Pública.

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El monumento de Cerati ya está en la Plaza de las Artes de Costa Rica

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Foto: Prensa

El monumento del músico y compositor Gustavo Cerati que Argentina donó a Costa Rica por el bicentenario de su independencia ya fue emplazado en la Plaza de las Artes de San José de Costa Rica.

El acto de emplazamiento definitivo de la escultura “Siempre es hoy“, realizada por el artista argentino Martin Di Girolamo, fue encabezado por el embajador argentino en Costa Rica, Luis Eugenio Bellando, quien aseguró ante autoridades de la nación centroamericana que el hecho conforma “un momento de expansión del corazón de la Argentina hacia Costa Rica por el bicentenario de su independencia”.

“Este gesto concreto no hace más que confirmar el vínculo de hermandad entre nuestros países, que en esta ocasión se corporiza en la afinidad cultural que permite que el arte de Gustavo Cerati y su legendaria banda Soda Stereo sean apreciados a partir de este momento en Costa Rica”, señaló Bellando, según comunicó la Cancillería.

De la ceremonia participaron el alcalde de San José, Johnny Araya Monge; la ministra de Cultura, Nayuribe Guadamuz; el vicecanciller Christian Guillermet; el viceministro de Justicia y Paz, Sergio Sevilla; comunidad argentina, cuerpo diplomático acreditado, y diputados y diputadas de la Asamblea Legislativa.

“Siempre es hoy” tiene una altura de 2,30 metros y fue modelada en arcilla sobre una estructura metálica construida con perfilería de hierro soldado.

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Leandro Listorti cruza los mundos del cine y la botánica en el documental “Herbaria”

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El realizador Leandro Listorti Foto Prensa Kit Herbaria
El realizador Leandro Listorti (Foto Prensa Kit Herbaria).

El realizador Leandro Listorti es el autor de “Herbaria”, un ejercicio de indagación bajo dos formas de preservación, una relacionada con la botánica y otra del archivo cinematográfico fílmico, tema en el que el autor es un estudioso, que se estrena este jueves en distintas salas del país.

El filme que se podrá ver en el Malba, Gaumont, Cinema Recoleta, Hoyts Dot, el cineclub municipal Hugo del Carril de Córdoba, Hoyts Unicenter y Cinépolis Avellaneda y Pilar, tuvo premiere mundial en el prestigioso festival suizo de documentales Visiones du Reel, donde ganó el Premio Especial del Jurado de la sección Burning Lights, dedicada a filmes que indagan nuevos lenguajes, y se vio luego en Mar del Plata, donde se alzó con el Premio a la Mejor Dirección de la Competencia Argentina, entre otros certámenes.

Desde 2015 a cargo de la Coordinación Técnica del Museo del Cine de Buenos Aires y autor de filmes como “Los jóvenes muertos” (2010) y “La película infinita” (2018), Listori trabaja cada plano y cada momento del filme con la precisión, la pulcritud y el control del entorno del científico sin olvidar nunca la belleza deslumbrante de lo imprevisto ni el meticuloso trabajo manual de los oficios para un trabajo que trata sobre extinciones, devastaciones y el diario trabajo de la preservación y la conservación, que a veces parece realizarse en los márgenes.

T: ¿Podría contarnos cómo surgió el proyecto?

Leandro Listorti: El proyecto surgió a partir de mi trabajo en el archivo fílmico del Museo del Cine de Buenos Aires y de mi interés por la naturaleza y las plantas. Al leer y tratar de conocer un poco más sobre ellas, descubrí los herbarios: lugares donde las plantas y las flores se secan, se clasifican y se guardan en condiciones especiales para que duren por mucho años Y para poder así ser investigadas y analizadas. Me di cuenta que esos espacios no eran tan distintos a los archivos cinematográficos donde manipulamos película, las clasificamos y las guardamos en condiciones especiales de temperatura y humedad.

T: En el filme hay una indagación sobre los procesos de clasificación, archivo y conservación como productores de conocimiento en el presente, en relación con el pasado y con el futuro, ¿podría desarrollar las ideas suyas sobre estas cuestiones?

LL: El registro del trabajo manual era un interés que estaba desde el inicio. Me fascina observar a la gente trabajando, y más aun cuando ese trabajo implica una pasión que siento de alguna manera trasciende la pantalla. Y es algo que también relaciona ambos mundos: un trabajo manual, preciso, solitario y que puede parecer mínimo e insignificante pero que tiene implicancias enormes como las de resguardar memoria o formas de vida que pueden desaparecer en cualquier momento. Al igual que la práctica misma de esas tareas.

Y los medios para obtener conocimiento, que históricamente fueron observar pero además los de arrancar a las especies de su medio ambiente y trasladarlas a otros espacios o continentes para analizarlas, están muy relacionadas a una práctica colonialista antigua que ahora encontró maneras muchos más sutiles de desarrollarse. También los métodos de armar categorías para que cada espécimen se ubique en un casillero preestablecido son procedimientos algo anacrónicos ya que limitan las posibilidades de originalidad o diferenciación y que deberían revisarse. Y me interesaba descubrir qué pasaba ahora, qué miradas y qué maneras de obtener conocimiento existen en la actualidad. Donde las fronteras, los territorios y los géneros están en crisis.

Sin dudas el archivo es una gran fuente de conocimiento, pero su conservación también es de suma importancia. Por eso la dedicación de las personas que trabajan con él es vital, ya que muchas veces el estado no llega o lo hace tarde en un terreno donde el tiempo lo es todo.

Foto Prensa Kit Herbaria
(Foto Prensa Kit Herbaria).

T: ¿Por qué decidió relacionar los mundos de la botánica y el cine?

LL: Al descubrir esas similitudes entre ambos mundos me pareció un terreno atractivo para profundizar entre esas relaciones y ver hasta donde existían parecidos, contradicciones o conexiones. Ambos trabajan en el presente pero con un marcado peso del pasado y de lo que vendrá. Acercarlos y ver qué pasaba en esa interacción.

Quería tratar de pensar el tiempo no como algo lineal y cronológico sino como algo más complejo, con muchos presentes paralelos, con un pasado y un presente que se funden y con la contante amenaza de lo que no sabemos que pasará ni lo que realmente ocurrió.

T: Da la impresión de que en la película hay cuestiones vinculadas con el rigor científico y técnico y sus prácticas y otras vinculadas a la arbitrariedad, ¿cómo relacionó ambas cuestiones?

LL: Hay líneas que recorren cuestiones más precisas pero que sólo sirven de base para la creación. Había en el comienzo del proyecto un interés mayor en descubrir aspectos científicos, algo más parecido a los documentales clásicos, con una voz en off que narra y que enseña con un carácter marcadamente didáctico. Disfruto mucho de esa clase de películas. Pero con el proceso de investigación y de trabajo con los materiales eso fue desapareciendo y fue dejándole lugar a un tono mucho más libre, experimental, poético y monstruoso que terminó apoderándose de la película.

T: ¿Cuál es el porcentaje de material de archivo utilizado y de material filmado para este documental?

No lo sé con precisión, pero debe ser aproximadamente un 30% de distintos tipos de archivos (algunos personales, la mayoría institucionales) y un 70% de material registrado por nosotros. Al haber filmado en 16mm las diferencias entre los materiales se borran ligeramente y no siempre es claro para el espectador cuál es la procedencia de algunas escenas. Eso me parece muy interesante porque refuerza esta idea que recorre la película de distintos tiempos, imprecisos y con características similares.

T: Quizás más que nunca el mundo se encuentra en un proceso destructivo donde la idea de la preservación (de seres u objetos) aparece muy relegada respecto de los efectos que traen el desarrollo de los negocios buscando maximizar las ganancias permanentemente.

LL: Es necesario reconocer que la destrucción forma parte del proceso de creación. La muerte y la degradación son instancias inevitables. Si hablamos de películas o de plantas, no se trata de ir en contra de esas etapas sino no de no generarlas ni acelerarlas y de encontrar las mejores soluciones a los problemas que enfrentamos a diario. Lograr que las películas, las plantas o lo que sea que consideramos importante hoy y queremos compartir con otras personas, perdure la mayor cantidad de tiempo y en las mejores condiciones posible. Pero esta idea común de “importancia” no suele ser compartida con quienes ejercen el poder o toman las decisiones económicas. Entonces nuestro trabajo también se extiende a hacernos escuchar y pelear porque eso cambie, no dejar que esas decisiones se tomen en base a criterios como “ganancia”, “inmediatez” o “algoritmo”.

Toda la gente que aparece en la película, y mucha más que no vemos ni conocemos, seguirá haciendo su trabajo sin la certeza de que exista un futuro donde el fruto de ese misión pueda ser disfrutado. Y eso me resulta muy estimulante.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
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