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Helen Louise: la pionera de la música hawaiana y su misterioso final

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La exitosa vida y la confusa muerte de Helen Louise Ilustracin de Osvaldo Rvora
La exitosa vida y la confusa muerte de Helen Louise. Ilustración de Osvaldo Révora.

En la madrugada del viernes 12 de diciembre de 1919, una mujer que viajaba a bordo del barco que la llevaba de regreso a su hogar en la ciudad de Seattle se esfumaba sin dejar rastro alguno. El misterio duraría para siempre. Pero también nos dejaba una certeza: con ella moría a sus 32 años la pionera de la música hawaiana en los Estados Unidos.

La mujer en cuestión era Helen Louise Greenus, guitarrista estadounidense que viajaba junto a su marido, el también guitarrista de origen hawaiano Frank Ferera, con quien además conformaba un dúo musical. Ambos regresaban de una prolongada estadía en Honolulu, Hawai, a bordo de la embarcación SS President de la empresa naviera Pacific Mail Steamship Company, procedente de Los Ángeles.

El Daily Times de Seattle puso en duda las causas de la muerte de la guitarrista
El Daily Times de Seattle puso en duda las causas de la muerte de la guitarrista.

Según se desprende de las declaraciones del marido de Helen, en la noche del jueves, la pareja se había retirado a descansar a su camarote. Alrededor de las 4 de la mañana, ella salió de la habitación para dar un paseo por cubierta del que jamás regresó. Ante su ausencia, Frank decidió alertar a las autoridades del navío.

Un accidente en altamar no era una idea de tan descabellada teniendo en cuenta los antecedentes climáticos: seis años antes, sobre esa misma embarcación, el SS President, y en el mismo trayecto, pero en dirección contraria, se había reportado un episodio que incluyó la desaparición de tres personas cuando dos de ellas, tripulantes, intentaban rescatar a una tercera, que era barrida de la cubierta por el oleaje embravecido durante una tormenta.

Sin embargo, precisamente en este punto, los testimonios eran muy contradictorios. Por un lado, el padre de Helen en sus declaraciones al diario Daily Times de Seattle daba su versión de los hechos diciendo que esa noche soplaba un fuerte viento, lo que habría provocado que su hija fuera arrastrada por la borda. Claro que él no estuvo allí y cabe pensar que haya tomado esa versión de su yerno. Por otra parte, quien sí estuvo allí, el comisario de a bordo A. J. Storrs comparó el agua del mar aquella noche con la de un estanque.

Un sonido nuevo


Helen Louise y su guitarra Irene una de sus hermanas tocaba el ukelele y se sum a la pareja pata formar un tro
Helen Louise y su guitarra. Irene, una de sus hermanas, tocaba el ukelele y se sumó a la pareja pata formar un trío.

Cuando en 1898 el archipiélago de Hawái se anexó a los Estados Unidos, los músicos locales empezaron a tener una mayor difusión en el país al que se incorporaban. Poco a poco, fueron llegando los primeros grupos hawaianos, en lo que sería la antesala de la moda musical que se desataría años más tarde.

Así, se introducía la guitarra hawaiana o steel guitar y con ella un sonido que tendría una enorme influencia en la música popular norteamericana como es el caso del blues y la música country.

Casualmente, el dúo artístico de guitarra hawaiano que aquí nos ocupa a cargo de Helen Louise y Frank tiene en su haber una de las primeras grabaciones de guitarra slide con la palabra blues en su título. Tal es el caso de “Palakiko Blues”, de 1917. Que fue un éxito y que si bien no responde a los cánones actuales de lo que es hoy se entiende por blues, puede considerarse una de las primeras grabaciones del género.

Palakiko Ferera era el verdadero nombre de ese joven músico de 17 años que partió de Hawai en 1902 para desembarcar en los Estados Unidos y, como Frank Ferera, convertirse en la primera estrella de la guitarra hawaiana o de acero en ese país.

Por su parte, Helen Louise Greenus era la hija de Albert E. Greenus, un empresario de Seattle. Ella y otras tres hermanas crecieron en la casa familiar ubicada en el barrio de Capitol Hill, un barrio de clase media alta del estado de Washington rodeadas de jóvenes que como ellas se vieron atraídas por la música hawaiana. Fascinadas por ese sonido exótico, ella y su hermana Irene Lilliam Greenus comenzaron a estudiar música. Helen Louise aprendió a tocar el ukelele y la guitarra de acero hawaiana; Irene, por su parte, se perfeccionó en el ukelele y el banjo, además de desarrollar sus dotes como vocalista.

En 1915, se celebró en San Francisco la Feria Panama-Pacific International Exposition en ocasión de la construcción del Canal de Panamá. Hawai tenía allí su pabellón donde se promocionaba como destino turístico y daba a conocer su música a través de las presentaciones que hacía el Royal Hawaiian Quartet, al que fue invitado Frank Ferera. La exposición funcionó durante siete meses. Esa muestra y la música del exitoso espectáculo de Broadway “Bird of Paradise” impusieron el estilo musical hawaiano en la juventud entre los años 1915 y 1916.

Este furor llevó a que Helen y Frank conformaran un dúo con el que recorrerían durante los cuatro años siguientes el circuito de Vodevil como grandes estrellas de la música, bajo ese y otros nombres artísticos como Helena y Palakiko, Louise and Ferera Waikiki Orchestra y Louise and Ferera Hawaiian Troup. Además, grabarían numerosos discos, el primer simple en noviembre de 1915, con el sello Victor Records, ‘On the Beach at Waikiki’ / “Moe Uhane Waltz”, cuando Frank tenía 30 años y Helen Louise 29.

“On The Beach at Waikiki Medley”

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Realizaron varias giras y lograron verdaderos hits que los colocó entre los músicos más vendedores del estilo. Tal fue el caso de “Drowsy Waters” (1916), que vendió más de 300 000 copias, cuando en promedio un éxito hawaiano alcanzaba los 15 000. A este suceso le siguieron otros discos, como “Maui Aloha”, “Hawaiian Hula Medley”, “Everybody Hula” y “Hawaii I’m Lonesome For You”. También firmaron con el sello de Edison, quien publicó dos discos, “Song To Hawaii” y, con la Waikiki Hawaiian Orchestra, “Somewhere In Hawaii”.

Ese mismo año, grabaron en la ciudad de Nueva York con Columbia Records dos discos: “Honolulu Rag” y “Medley of Hawaiian Waltzes”. Durante los próximos años, el sello lanzó otros siete discos más del dúo, incluidos: “Hawaiian Dreams”, “Along the Way To Waikiki”, el ya mencionado “Palakiko Blues” y “Aloha Land”.

Al año siguiente, Irene Greenus, una de las hermanas de Helen, la que tocaba el banjo y el ukelele, se les unió para formar un trío. Juntos continuaron durante dos años lanzando varios éxitos populares que grabaron con sellos como Imperial, Pathé, Empire y Columbia Records. Este último, publicó tres. Uno de ellos fue “Hawaiian Echoes” (1917).

El último en lanzarse fue “In the Heart of Hawaii”. Y, curiosamente, el lado B del disco ya presentaba otro dúo: el de Frank Ferera y Anthony Franchini. La guitarrista Helen Louise Greenus, su música y su trágico y misterioso final ya eran historia y mito de la música estadounidense.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
En el mes , dia y año que corresponda, Título del artículo, Nombre del periódico, #volumen(#Edición o #ejemplar) pertenecen a la fuente Telam .
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Harry Styles en River: ese luminoso objeto del deseo

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Mi nombre es Harry y es un placer estar aqu esta noche salud el ex One Direction Foto Prensa
“Mi nombre es Harry y es un placer estar aquí esta noche”, saludó el ex One Direction. Foto: Prensa

Ante una extasiada audiencia que colmó el estadio de River, Harry Styles completó en la noche del domingo las dos jornadas del paso por nuestro país del “Love On Tour” con un efectivo concierto de corte estrictamente pop, en el que su sola figura bastó para colmar las expectativas de sus fans.

Precisamente, a diferencia de la gran mayoría de los grandes shows internacionales -y ahora también locales-, el espectáculo prescindió de una pomposa escenografía, un gran despliegue lumínico, pirotecnia o cualquier otro artilugio, por lo que la atención solo se centró en el protagonista de la velada, su banda y el impacto de las canciones.

En ese contexto, el carisma y magnetismo del ex One Direction, el gran desempeño de los músicos en escena y las melodías que obligaban como mínimo a mecer el cuerpo, apenas condimentado con unas modestas luces y pantallas, conformaron un irresistible cocktail en el que el pop tradicional se vio revitalizado.

Acaso la postergación de esta visita desde el 2020 por la pandemia de coronavirus fue el caldo de cultivo para que una suerte de histeria colectiva se apoderara del ambiente ante la mínima expresión ensayada por el artista británico, pero también es cierto que la oferta artística justificó la “harrymanía” manifestada desde temprano y a lo largo de todo el show.

Como no hay mal que por bien no venga, estas circunstancias permitieron que el joven artista llegara a la Argentina con un aclamado nuevo disco, “Harry´s House”, lanzado en mayo de este año, y casi la mitad del repertorio se basó en él.

Consciente de lo que despierta en su público, Harry Styles no privó a quienes asistieron de un sinfín de mohines, pero no reposó en eso y regaló también un puñado de muy buenas canciones, brillantemente interpretadas.

Fue el ms maravilloso fin de semana dijo Harry Styles al finalizar su concierto en Argentina Foto Prensa
“Fue el más maravilloso fin de semana”, dijo Harry Styles al finalizar su concierto en Argentina. Foto: Prensa


El concierto y el carisma de Harry

Allí contó con la complicidad de una notable banda conformada por seis músicos, tan aclamados por la concurrencia como al mismo artista británico, entre los que destacaron el guitarrista Mitch Rowland, la baterista Sarah Jones, el percusionista Pauli Lovejoy y la tecladista y guitarrista Ny Oh.

Y ante la ausencia de todo artilugio escénico, el gran impacto visual estuvo centrado en el protagonista de la noche y en la misma banda, vestida de overall y con un aparentemente estudiado equilibrio entre presencias femeninas, el toque racial en la figura de Pauli Lovejoy y el pulso rockero en los yeites de Rowland.

Tal como había ocurrido en la fecha del sábado 3, desde muy temprano el público se hizo notar con cánticos y un contagioso espíritu celebratorio, que explotó cuando minutos antes del inicio del show sonó en los parlantes “Modern Love” de David Bowie y “Bohemian Rhapsody” de Queen, para mantenerse en forma sostenida en la poco más de hora y media que duró el concierto.

En medio de gritos ensordecedores, al punto que por momento casi hacía imposible escuchar su voz, Harry Styles puso en marcha el ritual con una primera seguidilla conformada por “Music For A Sushi Restaurant”, “Golden” y “Adore You”.

Objeto de adoración, el artista puso el cuerpo al servicio de ello y se mostró por todo el escenario y las pasarelas que lo prolongaba hacia los costados y hacia el centro del campo de juego, mientras desgranaba pop de alto vuelo.

“Mi nombre es Harry y es un placer estar aquí esta noche”, saludó al término de la tercera canción, luego de incentivar expresamente el “olé olé” del público y antes de prometer “un gran show” y “una noche inolvidable”. En el mismo tono, a lo largo del recital, gritó varias veces “viva Argentina”, hizo alusión al Mundial de fútbol, mencionó a Lionel Messi y endulzó los oídos de la audiencia con elogios.

En un tono que combinaba un reposado pop y baladas de tintes románticos, fueron desfilando “Daylight”, “Cinema”, “Keep Driving”, “Satellite” y “She”. El clima intimista lo puso “Matilda”, la cual interpretó desde la pasarela que llevaba al centro del campo acompañado por las chicas de la banda; y lo continuó “Lights Up”.

Pero a partir de allí, el concierto pareció despegar definitivamente al ingresar decididamente en su pasaje más bailable con “Canyon Moon” y “Treat People With Kindness”; para finalmente enloquecer de manera definitiva al público con su recuerdo a su etapa en One Direction a través de “What Makes You Beautiful”.

Para el tramo final quedaron las festejadas “Late Night Talking”, “Watermelon Sugar” y “Love of My Life”, aunque todavía había tiempo para los bises.

🇦🇷 Harry Styles, hincha de Argentina

El músico británico se presenta esta noche en el Estadio de River y salió al escenario a festejar el triunfo de la Selección frente a Australia

🎥 @AgosNunes pic.twitter.com/PJEpGDkYvI

— Agencia Télam (@AgenciaTelam) December 3, 2022


El clima mundialista se sintió en el show

Antes que regresara para sus últimas canciones, el clima mundialista que atraviesa a la mayoría del país pareció traicionar el amor del público hacia el artista cuando desde las tribunas bajó el cántico “el que no salta es un inglés”. Un pequeño momento en el transcurso general de la velada, pero suficiente para dar cuenta de uno de los más ridículos sinsentidos.

El artista, que el sábado había sorprendido al irrumpir muy temprano en el escenario para participar de los festejos por el triunfo argentino ante Australia en el Mundial, no acusó recibo y regresó para los bises, con nuevas palabras elogiosas para con los fans locales.

“Fue el más maravilloso fin de semana”, dijo, y encaró la despedida con la épica “Sign of the Times”, el más reciente hit “As It Was” y “Kiwi”. “Los amo. Hasta la próxima, Buenos Aires”, se despidió, no sin antes prometer un pronto regreso.

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A 31 años de su muerte, homenajearán a Batato Barea en el ciclo Abasto In Situ

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Salvador Walter Barea 19611991
Salvador Walter Barea (1961-1991)

Batato Barea, ícono del teatro under porteño de los años `80, será homenajeado el próximo jueves 8, en una serie de actividades que se llevarán a cabo en el marco del ciclo Abasto In Situ, que organiza el Ministerio de Cultura porteño.

Entre las 18 y las 22.30, figuras como Fernando Noy, María Graña, Esteban Morgado, Damián Dreizik, María José Gabin y Peter Pank protagonizarán diversos espectáculos en El Zorzal, El Tano Cabrón y el Espacio Cultural Soma, ubicados en la zona porteña del Abasto, para celebrar la vida y obra del recordado performer, a 31 años de su temprana muerte.

La primera actividad, bajo el título Bateta Marea, se llevará a cabo a las 18 en El Tano Cabrón (Jean Jaures 715), y consistirá en una lectura performática de poesías inspiradas en la obra de Batato.

A las 18.40, será el turno de A-Batatándonos, un recital de música y poesía desde el balcón de El Zorzal, en el Espacio Cultural Soma, ubicado en Anchorena y Zelaya.

A las 19, en este mismo espacio, en Zelaya 3006, se reunirán Fernando Noy, Juan Cavalli, María José Gabin, Damián Dreizik y Peter Pank, en una serie de lecturas de fragmentos de distintas obras y textos que fueron parte de la escena under porteña de los `80, además de un breve concierto de María Graña y Esteban Morgado.

Finalmente, a las 20 habrá una Fiesta Batatesca, organizada por Alejandro Ros, con DJ, set de luces y maquillaje de payaso para los asistentes, entre otras sorpresas.

Actor, performer, payaso y artista de varieté, Batato fue un símbolo de la efervescencia artística generada con el regreso de la democracia en los años ´80.

Primero como integrante de los grupos teatrales El Clú del Claun y Peinados Joly, y luego en distintas obras en el Parakultural, junto a Humberto Tortonese y Alejandro Urdapilleta, Batato se estableció como un referente de nuevas formas escénicas.

Autodefinido como “clown-travesti-literario”, su figura no pasó desapercibida y marcó toda una época en el under porteño.

El homenaje del próximo jueves 8 será el corolario del ciclo Abasto In Situ, en el que se presentan pequeñas obras creadas especialmente para ser desarrolladas en distintos escenarios de esta emblemática zona de la ciudad.

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Murió Al Strobel, actor de “Twin Peaks”

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Al Strobel en su papel de Twin Peaks
Al Strobel, en su papel de “Twin Peaks”.

El actor estadounidense Al Strobel, conocido por su papel de Phillip Gerard, el hombre manco de la serie “Twin Peaks”, murió el viernes en Eugene, Orgeón, a los 83 años.

La productora y colaboradora frecuente de David Lynch, Sabrina Sutherland, difundió hoy un comunicado en nombre de sus compañeros.

“A través de la oscuridad del futuro pasado y con mucha tristeza nos despedimos de Al Strobel. Fue un ser humano insustituible y siempre será una parte importante de nuestra familia Twin Peaks”, escribió.

Por su parte, Mark Frost, creador de la serie junto a David Lynch, también utilizó sus redes sociales para recordarlo: “Querido Al, qué jinete cálido y maravilloso era para todos nosotros que tuvimos la suerte de conocerlo a lo largo de los años”.

“Era el más dulce de los hombres. Un narrador maravilloso… y verlo enrollar un cigarrillo con una sola mano: pura magia”, expresó, por su parte, su excompañero Dana Ashbrook.

El actor, quien perdió su brazo izquierdo en un accidente automovilístico a los 17 años, hizo su aparición en la aclamada serie desde su piloto grabado en 1989.

Su personaje apareció en diez episodios de las primeras dos temporadas y reapareció para el regreso con la tercera de 2017.

También formó parte como actor de otros proyectos como “Ricochet River” de 2001 y “Child of Drakness, Child of Light”, una película estrenada en televisión en 1991.

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