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Martín Sued creó una Orquesta Assintomática en pandemia y avisa que “Igual estamos acá”

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La Orquesta Assintomatica
La Orquesta Assintomatica

El bandoneonista y compositor Martín Sued, radicado en Portugal desde finales de 2019, aprovechó los primeros permisos en pandemia para armar allí la plurinacional y cooperativa Orquestra Assintomática con la que lanzó el atrapante álbum debut “Igual estamos acá”, una experiencia sobre la que apunta que “la situación anómala, como suele pasar, propició la creación de algo nuevo”.

“En 2020, en esa etapa de parcial desconfinamiento en Portugal, ya estaba de vuelta en Lisboa, instalándonos allá junto a mi compañera y ni bien vi posible organizar un encuentro hablé con algunos de los músicos con los que más afinidad había sentido desde que llegué al país, proponiendo un encuentro semanal de laboratorio”, evoca Sued durante una entrevista con Télam.

Martín Sued y Orquesta Assintomática

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De sólida formación y permanentes búsquedas, Martín lideró el quinteto Tatadios (con el que registró dos discos), como solista publicó “Iralidad” y tocó y grabó con Pablo Ziegler, Daniel Binelli, Guillermo Klein, Diego Schissi, Quique Sinesi, Jairo, Liliana Herrero, y Gilberto Gil, entre más.

El músico que en la actualidad es parte del trío del guitarrista brasileño Yamandú Costa e integra dúos con los locales Bernardo Couto (guitarra portuguesa) y Marco Santos (batería y percusión), además de tocar con el grupo Jangada de Pedra, indica que el proyecto de la Assintomática “nos encontró en un momento por un lado crítico y por otro con una disponibilidad de tiempo y una voluntad de hacer música, que dudo que hubiera existido en un contexto diferente”.

Sued El contexto donde uno dice algo es en gran medida parte del sentido de lo que uno est diciendo
Sued: “El contexto donde uno dice algo es en gran medida parte del sentido de lo que uno está diciendo.”

El presente de Sued incluye la creación de una obra y un arreglo para el New European Ensemble en La Haya, su integración al Glomus Camp Large Ensemble danés y colaboraciones con Pablo Ziegler y Quique Sinesi.

“El trabajo que tenía para el 2020 estaba todo por venir, y era del que hasta ese momento dependía para subsistir. La salida que pude encontrar en ese momento fue un esquema de trabajo que básicamente se trató de trabajar en el campo a cambio de casa y comida.”Martín Sued

La Orquesta Assintomática lo reúne con Ariel Rodríguez (Argentina) en piano, teclados y samplers, Sandra Martins (Portugal) en cello, Denys Stetsenko (Ucrania) en violín, Pedro Loch (Brasil) en guitarra eléctrica y Francesco Valente (Italia) en contrabajo.

Télam: Leo que al momento de registrar “Igual estamos acá”, estalló la invasión a Ucrania teniendo al violinista oriundo de aquel país y conocieron a refugiados afganos ¿Cuánto impactaron esas vivencias en lo que se escucha?

Martín Sued: Durante dos semanas, en marzo de este año, antes de entrar al estudio a grabar, hicimos una residencia artística en la cual ensayamos diariamente, trabajando sobre los detalles e incorporando algunas músicas nuevas al repertorio. En esos mismos días tuvimos la oportunidad de encontrarnos en Lisboa con un grupo de músicos de Afganistán, refugiados en Portugal debido a la prohibición absoluta de la música en su país. Conocimos algunas de sus dramáticas historias en primera persona pero sobre todo compartimos la música, fue un encuentro muy enriquecedor. En esos mismos días estalló el conflicto en Ucrania, y también lo vivimos de cerca, el violinista de nuestro grupo es ucraniano y paralelamente a los ensayos el estaba en contacto con familiares que estaban viviendo la guerra en carne propia. Cuando se siente tan cerca ese dolor las contradicciones ideológicas de alguna manera pasan a un segundo plano y la música recupera su sentido fundamental: la comunicación profunda y el espacio de encuentro.

En ese contexto trabajamos la música del disco, y su nombre “igual estamos acá” tiene que ver con ese sentimiento, a pesar del dolor estamos acá, encontrándonos para crear algo juntos. Buscando algo de belleza. Tal vez la belleza sea simplemente eso: la transformación del dolor en algo mejor.

T: También por entonces se dio tu propio paso por la vida rural portuguesa ¿Las obras reunidas en el disco responden a ese período? ¿resuenan de una manera diferente?

MS: Mi llegada a instalarme en Portugal coincidió con la llegada de la pandemia. Unos pocos meses después de haber llegado a vivir a Lisboa se interrumpió, como en todo el mundo, la actividad musical. El trabajo que tenía para el 2020 estaba todo por venir, y era del que hasta ese momento dependía para subsistir. La salida que pude encontrar en ese momento fue un esquema de trabajo que básicamente se trató de trabajar en el campo a cambio de casa y comida. Mi madre en esos días estaba de visita en Portugal y debió quedarse seis meses debido al cierre de las fronteras. De manera que nos vimos en la improbable situación de vivir durante meses en el medio del campo en el sur de Portugal. Tuvimos la dicha de que la gente que nos recibió es maravillosa, y el lugar donde estábamos era un paraíso natural. En esos días trabajaba desde la primera hora de la mañana hasta el mediodía en actividades de huerta y mantenimiento en general. Durante la tarde me dedicaba a la música, pero ya sin el costado profesional. Pude recuperar una aproximación a la música sin la interferencia que muchas veces supone su combinación con el mundo laboral. En ese período compuse bastante, estudié y grabé, y de alguna manera empecé a soñar con este grupo.

De alguna manera en lo personal esto fue una manera de conectar con ese sentido de la música popular donde la música existe en un momento del día, posterior al trabajo, y surge de la necesidad de encontrarse, de comunicarse. En este sentido la música que empecé a escribir, se podría decir que es más esperanzada, que trata de brindar algo más amoroso, más simple, en comparación con las cosas que venía haciendo los últimos años.

T: Lo que proponés allí tiene una respiración tanguera ¿Qué sigue llamando la atención del género a músicos de otras latitudes?

MS: Me alegra que se escuche así, en la elección de los instrumentos para esta formación busqué que el timbre de la formación tenga ese color, con el aporte de samplers y sintetizadores, que amplían el paisaje sonoro. Si bien las composiciones no remiten a los elementos técnicos del tango, hay un color ahí, una manera de decir, que me remiten a Argentina.

El asunto de “respirar juntos” es algo que el tango tiene como prioridad, la fluctuación colectiva de tempo, por ejemplo, y la coexistencia de la vehemencia rítmica con la ternura melódica o armónica, por decir lo primero que se me viene a la cabeza. Una música donde muchas veces le damos más importancia al “cómo” se toca que al “qué” se toca.

T: Al respecto ¿Cómo y por qué decidieron conformarse como cooperativa?

MS: Si bien el grupo lleva mi nombre y las composiciones son mías, cada integrante es imprescindible. Trabajar en cooperativa responde a esto. Y también a la intención de trabajar por fuera de cierta lógica imperante y agobiante, donde se habla de “mercado”, “industrias culturales”, “productos”, “competitividad” Y frente a la cual estamos siempre corriendo el riesgo de caer en la trampa y dejarla entrar en lo que hacemos, en lo más íntimo.

T: ¿Qué podés contar acerca de la antigua embotelladora de soda que es sede de la Assintomática?

MS: Desde hace tiempo soñaba con la posibilidad de generar un espacio para tocar donde el contexto que se cree sea afín a lo que uno está queriendo transmitir con la música. El contexto donde uno dice algo es en gran medida parte del sentido de lo que uno está diciendo. El deseo era también crear un espacio donde el público pueda sentirse parte y no un mero espectador. Desde la propuesta a mis compañeros de crear este espacio hasta que lo encontramos pasaron dos días. fui a conocer el espacio de Joao Mouro, un músico y artista plástico portugués con quien nos conocimos en Angola durante una gira que estaba haciendo con el trío del guitarrista Yamandú Costa.

Ni bien entré al espacio supe que ya lo había encontrado. Se trata de un galpón de 300 metros donde Joao tiene actualmente su taller de trabajo en esculturas de materiales reciclados. El galpón está lleno de maderas, metales y piezas de arte de su autoría y ahí creamos desde cero el espacio para tocar y recibir a nuestro público.

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Disney llevó sus principales títulos a la colosal Comic-Con Experience en San Pablo

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Arranc en San Pablo la ComicCon Experience Foto Prensa
Arrancó en San Pablo la Comic-Con Experience / Foto: Prensa.

Los actores Pedro Pascal, Zoe Saldaña, Paul Rudd y Evangeline Lilly fueron los representantes de los títulos que Disney eligió destacar en el panel que se llevó a cabo durante la primera jornada en San Pablo de la CCXP (Comic-Con Experience), el encuentro de este tipo más importante a nivel global, frente a una audiencia que demostró a puros alaridos que la cultura pop también se vive apasionadamente en latitudes sudamericanas.

Es que la convención brasileña, que regresa tras dos años de parate por la pandemia de Covid-19, ya se transformó en la gran competidora para la Comic-Con original nacida en San Diego (California), con la expectativa de que este año sea visitada por unas 300.000 personas en los imponentes 115.000 metros cuadrados del complejo Sao Paulo Expo.

Con esas cifras previstas, no sorprendió la reunión de cientos y cientos de personas que en la tarde del jueves colmaron la entrada del auditorio principal de la CCXP, ansiosas por conocer lo que las marcas del ratón Mickey tenían entre manos para esta ocasión.

Cerca de las 16.30, con la conducción del periodista Marcelo Forlani y los 3.000 asientos de la sala ocupados, comenzó así el panel del mayor conglomerado de entretenimiento a nivel global, inaugurado con la aparición de Denise Ream, productora de la casa Pixar, que en junio del año que viene estrenará “Elemental”, filme de Peter Sohn que narrará una peculiar relación de autodescubrimiento y aceptación entre dos personajes de naturalezas opuestas: Ember, una jovencita hecha de fuego, y Wade, un simpático muchacho de agua.

Luego de dar a conocer imágenes de adelanto de la película, que ya había tenido su paso por la D23 Expo que Disney celebró en Los Ángeles a principios de septiembre pasado, fue el turno del celebradísimo Pedro Pascal, protagonista de la serie “The Mandalorian”, cuya tercera temporada, se confirmó, llegará a la plataforma Disney el 1 de marzo de 2023.

“Lo que más me gusta es que es una creación original de ‘Star Wars’, y ponerme ese traje ha sido uno de los grandes honores de mi vida”, dijo el intérprete chileno sobre el personaje de Din Djarin, el cazarrecompensas de rostro siempre oculto por su casco y armadura que viaja por los confines de la galaxia ficticia creada por George Lucas mientras cumple misiones y, sobre todo, protege al adorable Grogu, mejor conocido como “Baby Yoda”.

Paul Rudd en la primera jornada de la ComicCon Experience Foto Prensa
Paul Rudd, en la primera jornada de la Comic-Con Experience / Foto: Prensa.

Pero había más para las y los seguidores de esa megafranquicia de ciencia ficción, que preparó la participación vía videollamada de Jon Favreau y Dave Filoni, dupla de realizadores que insufló frescura al mundo de “Star Wars” con esa y otras producciones como “El libro de Boba Fett” y “The Bad Batch”, para presentar el último tráiler de la nueva entrega de la serie.

También bajo el paraguas de Lucasfilm tuvo su lugar “Indiana Jones y el llamado del destino”, la quinta película de la saga que desde 1981 tiene a Harrison Ford en el papel del intrépido arqueólogo, y que esta vez volverá en compañía de la inglesa Phoebe Waller-Bridge y el danés Mads Mikkelsen.

Su director, James Mangold, fue quien a través de un mensaje pregrabado habló sobre sus expectativas frente al estreno de la cinta y dio paso a su tráiler, un veloz pantallazo de las aventuras que el héroe de sombrero y látigo deberá enfrentar a fines de los turbulentos años 60 (es decir, también con su familiar rostro -muy- rejuvenecido de manera digital).

Los platos más fuertes, sin embargo, comenzaron a desfilar con la introducción de “Avatar: El camino del agua”, que desembarcará este 15 de diciembre para redoblar la apuesta visual a la que James Cameron tiene acostumbrados a sus espectadores.

La tarea de despertar la ansiedad del público estuvo a cargo del histórico socio y productor del cineasta canadiense, Jon Landau, y de la reconocida Zoe Saldaña, que vuelve en su rol como Neytiri, quienes mostraron escenas exclusivas del ambicioso filme.

“Avatar es un proyecto que sólo puede ser experimentado en una sala de cine, con tus amigos o tu familia. La forma en que las audiencias recibieron la primera película fue tan poderosa, que Jim (Cameron) no tuvo otra opción que volver a ese universo”, comentó la actriz sobre esta secuela, que se trasladará a un escenario acuático dentro de la ficcional Pandora en el que continúan los conflictos entre la raza humana y los indígenas Na’vi.

Se espera la visita de unas 300000 personas en los imponentes 115000 metros cuadrados del complejo Sao Paulo Expo Foto Prensa
Se espera la visita de unas 300.000 personas en los imponentes 115.000 metros cuadrados del complejo Sao Paulo Expo / Foto: Prensa.

Por último, el más esperado de los apartados de Disney, Marvel Studios, fue el que coronó el encuentro e hizo estallar en gritos descontrolados a su séquito de fans, cuando una batucada típica brasileña le puso el toque local a la inconfundible música de apertura de la marca y pronto subió a las tablas Kevin Feige, la mente maestra detrás de esta franquicia que año a año mantiene en vilo a los amantes del género de superhéroes con una narrativa que continúa en expansión.

Por partida doble, Saldaña reapareció para el esperadísimo adelanto de “Guardianes de la Galaxia 3”, aunque la cereza del postre estaba reservada para “Ant-Man and the Wasp: Quantumania”, la cinta que dará comienzo a la fase 5 del Universo Cinematográfico de Marvel.

Su director, Peyton Reed, y el trío conformado por Paul Rudd, Evangeline Lilly y Jonathan Majors -quien encarna a Kang, el nuevo villano de esta etapa de la saga- se robaron con su presencia todos los clamores de la audiencia, que tuvo la oportunidad de ver desde un clip de la evolución del personaje de Scott Lang/Ant-Man a lo largo del tiempo hasta los primeros minutos del filme y una de las oscuras escenas en las que protagonista y antagonista se encuentran cara a cara.

Un abanico de estrellas y figuras del cine y la TV como Keanu Reeves, Hugh Grant, Chris Pine, John Rhys-Davies, Tenoch Huerta, Alexander Ludwig, Gwendoline Chrstie, Jenna Ortega, Noah Centineo y Rodrigo Santoro también tendrán su paso por la CCXP durante los próximos tres días en los que se desarrolle la convención, que tendrá su fin este domingo.

La lista de nombres es la indiscutible atracción de esta congregación que reúne a las grandes compañías del entretenimiento, desde Warner Bros. Discovery hasta Paramount y Netflix, así como a las principales editoras de cómics, artistas del rubro y otras empresas relacionadas a la cultura pop, para dar a conocer todas sus novedades en materia de cine, series y videojueos, entre más.

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Pakapaka estrenará el lunes la serie animada “Las palabras de la magia”

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El aniversario de Pakapaka en Tecnpolis Foto Osvaldo Fantn
El aniversario de Pakapaka en Tecnópolis. Foto: Osvaldo Fantón

La señal infantil Pakapaka estrenará el lunes a las 17.45 “Las palabras de la magia”, una serie de animación creada por María Victoria Gasparini y ganadora de la Convocatoria Renacer Audiovisual que apuesta a desarrollar el sector audiovisual argentino.

“Las palabras de la magia”, que se emitirá de lunes a viernes a las 17.45 por esa pantalla, presenta las aventuras de Úrsula, una niña pequeña que es entrenada por sus tres tías brujas y la gran maestra Orunelia para descubrir su don y su verdadera vocación.

El proyecto, bastado en la novela de María Victoria Gasparini, fue ganador de la Convocatoria Renacer Audiovisual del Ministerio de Cultura de la Nación, la secretaría de Medios Públicos y Contenidos Públicos S.E. que busca estimular el sector audiovisual local.

Además de entretener, la serie se propone ser un recurso activo para las infancias en el aprendizaje de las habilidades básicas requeridas para la lectoescritura.

Trailer de Las Palabras de la Magia

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En cada episodio, los juegos de palabras, las narraciones, los cuentos y las rimas se harán presentes para jugar con Úrsula y la audiencia.

Escrita por María Victoria Gasparini, Luciano Saracino y Claudia Czerlowski, la serie dirigida por Claudio Groppo para Focus Entretainment cuenta con las voces de Donna Ponce Carballo, Luciana Falcón, Silvia Aira, Claudia Pannone, Facundo Reyes y Natalia Rosminati.

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Combustión y química en el primer Luna Park de Trueno

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Trueno lleg al Luna Park en el marco de un tour que incluy presentaciones en Estados Unidos y Europa Foto Julin lvarez
Trueno llegó al Luna Park en el marco de un tour que incluyó presentaciones en Estados Unidos y Europa / Foto: Julián Álvarez.

El músico urbano Trueno ofreció en la noche del jueves un arrollador concierto en el estadio Luna Park -en la primera de una serie de tres presentaciones que repetirá el viernes y el sábado-, estableciendo desde el escenario una fusión química indisoluble con su público en un estado en combustión permanente.

La llegada de Trueno al Luna Park como artista solista consagró también el ascenso meteórico de una figura que lanzó su primer trabajo musical en 2020 (“Atrevido”) y que viene de estar girando por Europa, Estados Unidos y América Latina en este Bien o Mal Tour en el que presenta su segundo trabajo de estudio, en el que contó con participaciones de J. Balvin, Nathy Peluso, Bizarrap, Randi y Pedro Peligro.

El imparable ascenso de la escena urbana local a nivel nacional e internacional tiene en Trueno uno de sus emblemas más felices, en una combinación furiosa de rap, hip hop, trap, reaggetón, pop y rock, un mensaje de rebeldía plebeya que rescata la identidad barrial, recupera la historia política reciente del país con un ejercicio de memoria sobre la dictadura y los desaparecidos y condena la violencia policial y el gatillo fácil.

Trueno habla, escribe y baila desde uno de los lados de la maldita grieta y afirma una pertenencia generacional pero también política y social. “Nosotros somos el futuro”, bramó desde el escenario del Luna Park en uno de los momentos más calientes del show.

Mateo Palacios Corazzina arranc el show cantando Hoop Hoop para pasar luego a Atrevido Foto Julin lvarez
Mateo Palacios Corazzina arrancó el show cantando “Hoop Hoop” para pasar luego a “Atrevido” / Foto: Julián Álvarez.

La presentación de Mateo Palacios Corazzina (apenas 20 años) arrancó con él sobre el escenario y una gigante pantalla detrás cantando “Hoop Hoop” para pasar luego a “Atrevido”, con una puesta que destacó por la manera de jugar entre el cantante, los fondos y las imágenes que se proyectaban detrás y en las que se incluía el vivo.

A estos siguieron un trap como “Buenos Aires en llamas” y “Background”, en momentos en que las pantallas subieron y detrás quedó al descubierto una impactante banda con coristas, batería, percusión, guitarra eléctrica, bajo, tubas, saxos, clarinete bajo y secuenciadores, que le imprimeron una energía desbordante al show durante la más de hora y media de presentación.

La espera había comenzado con un DJ calentando el ambiente, de por sí encendido por la performance de la Selección Argentina en Qatar y que estuvo salpicado de cantitos de cancha alentando al unísono al combinado nacional.

Visitas especiales en esta primera noche en el Luna Park fueron las de Dante Spinetta para hacer juntos “Sudaka” y la de Niki Nicole para “Mamichula”, en uno de los primeros incendios de la noche.

Foto Julin lvarez
Foto: Julián Álvarez.

El sonido estuvo fuerte, acaso excesivamente alto y no del todo limpio, especialmente en lo respectivo a las vocalizaciones pero poco pareció importar eso al público que conocía y cantaba todas las canciones junto a Trueno de principio a fin.

Intercalando traps más suaves con raps furiosos y destellos de rock, Trueno fue avanzando en la noche con canciones como “Panamá”, “Bien o mal”, “Ñeri” y “Un paso”.

Hasta llegar a la parte más encendida del show que llegó sobre el final, cuando el artista salió al escenario con una remera y un pasamontañas con las siglas estampadas del Nunca Más (“nunca más a la dictadura, nunca más al gatillo fácil”, dijo), donde aparecieron las letras más fuertes, con una perspectiva rebelde e identitaria y que une en un mismo gesto el barrio, las clases bajas, la persecución policial, la reivindicación de ser argentino y latinoamericano.

Así cantó “Argentina” (“la fuerza de Argentina ta caminando a mi lado, baby, no estoy solo, los wachos de la esquina son soldados caminando por arena y lodo”); “Sangría” (“soy del barrio, yo soy mi jefe, mi horario”), “Tierra Zanta” (que grabó en “Bien o Mal” junto a Víctor Heredia), “Fuck el Police” y “Dance Crip”.

Al final vino una foto con el público detrás, una canción de fondo, la banda y la gente retirándose, sin la litúrgica ceremonia de los bises, otra de las nuevas maneras que la música urbana impone en sus shows.

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