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Irene Sexer: “El clown puede transformar la realidad en miles de realidades posibles”

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Sexer La idea fue plasmar un juego porque el clown transforma la realidad a partir del juego Foto Cris Sille
Sexer: “La idea fue plasmar un juego, porque el clown transforma la realidad a partir del juego”. / Foto: Cris Sille

Irene Sexer, directora artística y fundadora de Alegría Intensiva, ONG de payasos y payasas de hospital que realiza su tarea en salas de internación pediátrica, está presentando los domingos en La Carpintería Teatro su unipersonal “Enseguida vuelvo”, donde a partir del lenguaje del clown estructura una historia sobre los aparentes brillos externos y los relucientes resplandores internos.

Con canciones propias creadas junto al director de la obra, Leo Trento, Sexer propone un emotivo viaje al interior de su payasa Marta, que anhela por los brillos fatuos de cierto reconocimiento como cantante de shows melódicos y en el camino va descubriendo sus temores y sus brillos internos.

“La idea fue plasmar un juego, porque el clown transforma la realidad a partir del juego, desde canciones propias y de esta manera poner en acción la idea de la payasa Marta que quiere brillar para interrogarnos sobre qué es el brillo y qué es brillar”, cuenta Sexer en charla con Télam, en una primera aproximación al unipersonal que se puede ver todos los domingos a las 20 en la sala de Jean Jaurés 858.

Hace 15 aos que buscamos transformar la realidad peditrica hospitalaria de nios y nias internados dice Sexer Foto Cris Sille
“Hace 15 años que buscamos transformar la realidad pediátrica hospitalaria de niños y niñas internados”, dice Sexer/ Foto: Cris Sille

“El clown -cuenta Sexer revelando algunas claves del origen del material- trabaja autobiográficamente y juega con la propia personalidad, y esta temática nace a partir de unas preguntas que yo me hice en mi vida”.

“Me dio ganas -agrega- de hablar de esto: qué es brillar, cuántas veces nos permitimos brillar, cómo hacemos para permitirnos brillar no ya en la escena sino en la vida, en qué nos distraemos, cuándo y dónde nos desviamos de lo que nos lleva a brillar con nuestra propia esencia. Y también jugar esto en relación con mi clown, porque cada payaso busca su propia forma de brillar”.

Para el armado de “Enseguida vuelvo”, Sexer comenzó a estudiar muchos shows de artistas famosas, pasando de Lali Espósito a Lady Gaga para entender los ritmos, las claves y los mecanismos que se ponen en juego en este tipo de espectáculos y hacer después una traslación a escena en el imaginario show que monta su payasa Marta.

“Nosotros no vamos al hospital e invadimos, sino que somos aceptados y solo vamos a producir un espacio de juego no porque seamos animadores sino porque somos payasos y los payasos juegan”Irene Sexer

 

-En la obra está el tema del brillo como este anhelo de la payasa Marta pero también se pone en juego cierta soledad.

-Total, creo que el clown es un ser muy solitario en el sentido de que puede inventarse millones de mundos posibles para subsistir, hay algo de esa poética que atraviesa este lenguaje, es posible inventarse todos los mundos que queramos para estar en este mundo. Lo que me interesa del lenguaje clownesco es ahondar en una poética que puede transformar la realidad en miles de realidades posibles.

-¿Algo de esto se relaciona con la propuesta de Alegría Intensiva?

-Sí, hace 15 años que buscamos transformar la realidad pediátrica hospitalaria de niños y niñas internados; empezamos cinco payasos y ahora somos 25 que vamos semanalmente a los hospitales pediátricos a jugar, a poner de manifiesto para un chico en un momento frágil que también se puede jugar y pasear por todos esos mundos posibles. Yo digo una palabra que es un poco exagerada, pero se produce una magia que tiene que ver con la buena comunicación. Nosotros no vamos al hospital e invadimos, sino que somos aceptados y solo vamos a producir un espacio de juego no porque seamos animadores sino porque somos payasos y los payasos juegan. El niño y la familia tienen un aire fresco, es como si les abrieras la ventana en 40 grados de calor, hay algo que liberan que no siempre es risa sino emociones que se liberan, es un diálogo, no algo que voy a entregar sino que voy a intercambiar.

Enseguida vuelvo sube a escena todos los domingos en La Carpintera Foto Cris Sille
“Enseguida vuelvo” sube a escena todos los domingos en La Carpintería / Foto: Cris Sille

-¿Ese trabajo en los hospitales repercute después en el escenario?

-Ese registro, después llevado a cualquier escenario, te hace ser mucho más amplio, no te hace pensar solo en vos. El trabajo en Alegría Intensiva me dio la certeza de que si voy a contar algo en el teatro tenga que ver con eso que pasa con los chicos en los hospitales: transformar un momento del otro y que pueda viajar por un rato. Alegría Intensiva me devolvió un registro que antes no tenía: la idea de que estás al servicio, no como protagonista para que la gente te aplauda; estás ahí como payasa al servicio de que la escena posible suceda y eso en el escenario te da una percepción con el público mucho más profunda de por dónde estamos yendo, lo que es fundamental en la actuación de un clown, que es un diálogo.

-“Enseguida vuelvo” no es necesariamente un espectáculo de risas aun cuando está clara la comicidad y uno disfruta y ríe.

-Yo pienso más en una sensibilidad, un mensaje o una sensación que quiero transmitir, cómo vamos llevando todo estos decires y sentires de mi payasa Marta junto con la gente.

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Fuente, Diario Telam, www.telam.com.ar Junto a su autor correspondiente .
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Tras los pasos de la vanguardista Patricia Stokoe, en “Vikinga”

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Szperling Una de las premisas fue transmitir al espectador las sensaciones que se sienten al bailar Foto Maximiliano Luna
Szperling: Una de las premisas fue transmitir al espectador las sensaciones que se sienten al bailar” / Foto: Maximiliano Luna

“Vikinga” es la nueva película de la directora, bailarina y escritora Silvina Szperling, en la que intenta indagar sobre la vida de Patricia Stokoe, pionera de la expresión corporal y que abrió paso a un sinfín de disciplinas moderas a través de la danza, y que a partir de mañana se podrá ver en el cine Gaumont.

“La idea surgió en ocasión de presenciar una obra llamada ‘La casa habitada’, que se realizaba en el estudio de Patricia Stokoe. Al volver a ese lugar de mi infancia y adolescencia, el cual increíblemente se mantenía intacto, surgió un vendaval de recuerdos y emociones que me hicieron desear contar la historia de Patricia y de muchas que habitamos ese lugar y compartimos esas experiencias tan formativas”, dijo Szperling a Télam.

La realizadora tiene un puñado de cintas, elegidas casi con nariz de sommelier, sobre el mundo de la danza y universos no tan conocidos para el gran público. “Reflejo Narcisa”, ganó Mención Especial del Jurado en el festival FEM CINE Chile. También cuenta con las cintas “Danza problemática y febril” y “Escrito en el aire, la obra de Oscar Araiz”.

“Mi percepción de Patricia -explicó- se complejizó muchísimo, al enterarme de tanta información sobre su vida anterior a que yo la conociera: su infancia en el campo argentino en total contacto con la naturaleza y los animales. Comprendí que la fortaleza que percibíamos de ella como alumnas tenía un trasfondo de haberse sobrepuesto a grandes desafíos. Comprendí también más cabalmente su posición política, tan militante”.

Szperling es docente y se la considera pionera del videodanza en Argentina y Amrica Latina Foto Maximiliano Luna
Szperling es docente y se la considera pionera del videodanza en Argentina y América Latina. / Foto: Maximiliano Luna

Stokoe tuvo una “rígida” educación británica como pupila, y durante la Segunda Guerra Mundial vivió en Londres, a donde fue a estudiar danza al Royal Ballet y comenzó su carrera como bailarina profesional.

Para este trabajo, Szperling contó con la colaboración de la hija de Patricia, Déborah Kalmar, quien “estuvo muy dispuesta a recorrer ese proceso de evocación” y le habilitó a la directora material de archivo, además aparecer en el documental con su testimonio.

“La metodología de enseñanza, su didáctica, ha sido un gran sostén para mi labor docente y como directora artística. Y la curiosidad permanente, ese espíritu lúdico de investigación que la caracterizaba y nos contagiaba a todes.”Silvina Szperling

Directora del Festival internacional VideoDanzaBA, desde 1995. Szperling es docente y se la considera pionera del videodanza en Argentina y América Latina. En el filme, recurre a fotografías y audios de Stokoe, que se entremezclan con coreografías actuales de exalumnas, como también de niñas que dan sus primeros pasos en la danza.

Télam: Desde que empezaste tu relación con la danza hasta hoy, ¿qué rol ocupó Patricia en tu formación a lo largo de tu carrera?

Silvina Szperling: Un rol fundamental y fundante. En primer lugar, el despertar de una vocación por la danza. En segundo lugar, una estructura de conocimientos tan profundos y abarcativos provenientes desde las ciencias sociales, la anatomía, la educación por el arte, que me dieron sustento más allá de lo específico del movimiento corporal. Una tridimensionalidad sobre el fenómeno de la danza que no era para nada común en aquellos años. La metodología de enseñanza, su didáctica, ha sido un gran sostén para mi labor docente y como directora artística. Y la curiosidad permanente, ese espíritu lúdico de investigación que la caracterizaba y nos contagiaba a todes.

T: ¿Cómo pensaste la película, teniendo en cuenta la unión del cine, la investigación documental y la representación de la danza?

SS: Se trata de un universo fascinante que me permite atravesar las barreras entre los géneros tradicionales. Una de las premisas fundamentales desde la gestación fue intentar transmitir al espectador las sensaciones que se sienten al bailar. Era importante que una cantidad de información llegara al espectador y guiara desde las voces de los protagonistas la invocación de la figura de Stokoe. Y al mismo tiempo, no perder el costado poético.

Creo que se trató de un equilibrio que tuvimos que recorrer en un arduo proceso de montaje con Álvaro Artero que tuvo momentos de dificultad y hubo que tomar decisiones drásticas.

T: En un momento, una entrevistada señala que hoy los estudiantes de los diferentes estilos de danza dicen que lo que hizo Patricia es lo que hoy se hace en, por ejemplo, danza contemporánea. ¿Creés que estos estilos hubieran existido sin el trabajo pedagógico de Patricia? ¿Cuál fue el aporte de ella?

SS: No sé si se puede afirmar que no hubiera ingresado la improvisación a la danza contemporánea, dado que no es Patricia Stokoe la única que trabajaba con esa premisa, están María Fux y Lola Brikman, entre las referentes argentinas que han hecho aportes importantes en esta materia. De todos modos, creo que el aporte fundamental de Patricia y su discípula Perla Jaritonsky (entre otras) fue que la Expresión Corporal ingrese a la educación pública argentina. Lo que diferenció el aporte de Patricia en términos pedagógicos fue su gran sistematización, la reflexión sobre el propio trabajo que se concretó en libros, el diseño de programas educativos, la conciencia de que para transmitir algo la inspiración no era suficiente. Hubo un propósito consciente de alejarse del paradigma del artista romántico como genio alejado de la sociedad y también de cuestionar las situaciones jerárquicas y competitivas en la enseñanza del arte. Era mucho más importante compartir e integrar que competir y escindir.

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Alfredo Remus: adiós a uno de los grandes contrabajistas que dio la música argentina

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Alfredo Remus el gran contrabajista argentino
Alfredo Remus, el gran contrabajista argentino.

Alfredo Remus, uno de los más grandes contrabajistas de la música argentina, animador de la escena jazzera local y con una rica trayectoria que incluye el haber acompañado a un amplio abanico de artistas que contempla a Mercedes Sosa, Vinicius de Moraes, Tony Bennet, Sandro y Leonardo Favio, entre otros, murió esta madrugada a los 84 años, en medio de una larga lucha contra un cáncer.

La noticia fue confirmada por la nieta del artista al periodista especializado Claudio Parisi, quien justamente mañana iba a ser uno de los participantes en un homenaje que se le iba a realizar al músico en el auditorio de Radio Nacional.

Sin embargo, según confió el periodista a Télam, el homenaje había sido levantado en las últimas horas cuando el propio músico informó que no iba a asistir por no sentirse en óptimas condiciones de salud, a raíz del tratamiento que se estaba realizando.

La última actuación de Remus había sido en 2021 en el marco del ciclo por streaming Jazz Online, que se realizaba desde Jazz Voyeur.

Remus tuvo una intensa actividad artística desde la década del `60 , y a pesar de haberse desarrollado especialmente en el ámbito del jazz, también participó en producciones ligadas a la música popular y el folclore, como el caso de la “Misa Criolla” de Ariel Ramírez, o la segunda parte de “La Fusa”, la célebre grabación de Vinicius de Moraes en el mítico local marplatense.

Entre las figuras con las que colaboró con su contrabajo aparecen rutilantes nombres como Mercedes Sosa, Tony Bennet, Gato Barbieri, Enrique Villegas, el Tío Los Panchos, Leonardo Favio, Sandro, Alberto Cortez, Susana Rinaldi, Antonio Carlos Jobim y Paul Gonsalves, el reconocido músico que era parte de la orquesta de Duke Ellington.

Pero Remus también dejó una importante discografía como solista que se inició en 1968 con “Trauma” y se extendió hasta 2006 con su “Tributo a Bill Evans”, uno de sus grandes ídolos, según contó a Télam en una charla mantenida en abril pasado.

Con motivo de la publicación de un sello estadounidense de los dos discos de Bill Evans grabados en vivo durante sus visitas en 1973 y 1979, Remus rememoró justamente su contacto con el mítico pianista, cuando se lo presentó el periodista Nano Herrera, en el lobby del Hotel Claridge, donde se hospedó la primera vez.

“Cuando Nano Herrera nos presenta, Bill Evans me hace repetir mi apellido, se quedó pensando unos segundos y me dice: ‘Remus, yo tengo un disco suyo en Nueva York’. Casi me muero. Resulta que Horacio de Dios, que era muy amigo mío, había llevado varios discos de músicos representativos del jazz y, entre ellos, había alguno mío. El asunto que Evans lo tenía, lo escuchó y le gustaba, así que imaginate que fue un mimo terrible para mí, que soy ‘billevariano’ de la primera hora”, recordó el contrabajista a pedido de esta agencia.

También destacó que desde aquella oportunidad mantuvo un contacto bastante fluido con el contrabajista Eddie Gómez, a quien volvió a ver en algunos viajes que hizo a Estados Unidos.

Pero fundamentalmente, Remus dejó su sello en la escena del jazz local, a través de sus innumerables colaboraciones y sus participaciones en sesiones de improvisación en diversos reductos.

Allí pueden inscribirse los encuentro en la casa del pianista Eduardo Lagos, a los que Hugo Díaz bautizó como “folkloréishons”, por donde solían pasar figuras como Astor Piazzolla, Oscar Cardozo Ocampo. Oscar López Ruiz y Domingo Cura, entre otros; y hasta donde se acercó Vinicius de Moraes en su primera visita al país, antes de sus shows en La Fusa.

Lo cierto es que toda esta trayectoria convirtió a Remus en un referente para todos los contrabajistas locales.

Hasta las primeras horas de la tarde, aún no se había definido el lugar en donde serán despedidos los restos del músico.

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Trueno estrenó su sesión para el Tiny Desk grabada en La Boca

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El rapero anunci que entre noviembre y diciembre estar de vuelta por Estados Unidos Captura de Pantalla
El rapero anunció que entre noviembre y diciembre estará de vuelta por Estados Unidos /Captura de Pantalla

El rapero Trueno (20) estrenó su concierto para el Tiny Desk -grabado en el colorido Caminito del barrio porteño La Boca-, en el marco de esta segunda edición que presenta la radio pública estadounidense NPR del ciclo “El Tiny” dedicado a la música y la cultura latina.

En su presentación, el joven cantante argentino interpretó “Dance Crip”, “Bien o Mal”, “Tierra Zanta”, “Argentina” y hasta exhibió sus credenciales con un encendido freestyle y una dedicatoria para aquellas “islas que me cantan tango, porque fueron y son nuestras” en alusión a Malvinas.

“Bienvenidos a La Boca, es el Trueno quien les habla. El barrio del que soy oriundo, donde yo nací, donde me formé, donde me hicieron ser quien soy, donde me junté con mi ‘ñeri’, con mi padre, donde viví toda mi vida. Esto es el Tiny Desk, desde el barrio de los conventillos, el barrio de los inmigrantes y de los colores. Directamente para todo el mundo. No sé si estoy bien o mal, pero represento igual”, abrió el Truenito.

Al presentar “Tierra Zanta”, la canción que grabó junto a Víctor Heredia, sentenció que en América Latina “somos todos hermanos” sin importar “del país que seas” y añadió sobre su arte: “Directamente de Latinoamérica para todo el mundo. Somos lo que más se la aguantan, los que nacieron en la selva entre animales y plantas. Somos de donde solamente soñamos con un plato de comidas y unas llantas. Si me preguntan quien soy, soy mi tierra santa”.

El joven Mateo Palacios Corazzina, quien días atrás fue nominado en los Grammy Latinos dentro de la categoría “Mejor Canción de Rap/Hip Hop” por “Dance Crip”, sigue enfocado en llevar su música a otras latitudes.

A comienzos del mes, interpretó junto a J Balvin en el estadio de Los Ángeles Rams su último éxito “Un Paso” en el evento de apertura de la nueva temporada del fútbol americano.

Además anunció que entre noviembre y diciembre de vuelta por Estados Unidos para llevar su música a escenarios de Los Ángeles, Nueva York y Chicago.

Con entradas agotadas, cerrará el “Bien o Mal World Tour” que lo llevó a ciudades como Londres, Madrid, Barcelona, Bogotá y Sevilla, con dos fechas en el estadio porteño Luna Park, el 29 de noviembre y el 2 de diciembre.

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