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Caetano Veloso: el sueño que sueña la canción brasileña

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Ilustracin Pablo Blasberg
Ilustración: Pablo Blasberg

Compositor único, poeta, intérprete refinado, performer y agitador permanente, el músico brasileño Caetano Veloso cumple este domingo 80 años convertido en una de las personalidades insoslayables y referencia ineludible de la cultura popular de su país y de América Latina de los últimos 50 años.

Nacido en la localidad de Santo Amaro, Bahia, como quinto hijo de una numerosa y abierta familia del nordeste brasileño, Caetano llegó a la música casi “involuntariamente”, como señaló alguna vez y mientras soñaba con convertirse en realizador cinematográfico, anhelo irrealizado que mantuvo vivo durante años.

Como cuenta en su libro biográfico “Verdade Tropical”, llegó a Río de Janeiro acompañando a su hermana María Bethania -cuatro años menor que él- que había sido convocada para un espectáculo musical, siguiendo el pedido de su padre de que la “cuidara”.

Antes habían estado juntos en la ciudad de Salvador, donde Caetano estudió la carrera de Arte, que abandonó en medio de la dictadura (1964-1985), ante el clima que comenzó a respirarse en la universidad.

Fue durante la dictadura también que estuvo en prisión por dos meses y luego otros cuatro con arresto domiciliario, pena que sufrió junto a su entrañable amigo Gilberto Gil y con quien marchó al exilio en 1969, pasando por Lisboa y París hasta afincarse en Londres, de donde volvió en 1972.

Más de una vez y con distintas palabras contó -para evitar posibles confusiones y marcar, al mismo tiempo, las aristas de una figura siempre excéntrica, corrida de los pensamientos hegemónicos- que para la época en que los detiene la dictadura, acusándolos de “terrorismo cultural” y de “subversión e incitación al desorden”, él y Gil eran resistidos por los universitarios de izquierda que los acusaban de extranjerizantes y difusores de la penetración cultural imperialista por reivindicar el rock, el pop y la música eléctrica.

Foto archivo
Foto archivo.

María Bethania le grabó su primera canción, que le abrió las puertas para el registro de “Domingo”, álbum debut que lo tuvo como compositor e intérprete junto a Gal Costa, y que fue el inicio de una carrera fulgurante y sorprendente por las innumerables resonancias y significantes que puso en circulación.

Promotor de la diversidad cultural y sexual en los tempranos 80, defensor del medio ambiente, la Amazonía y los pueblos originarios, Caetano estableció como artista un diálogo permanente con su territorio y su época con un fino oído para escuchar demandas y pulsiones subterráneas y sin desconocer las conexiones más amplias del mundo ni desentenderse de sus tradiciones creativas.

Tropicalismo

Fue, con Gil, Gal Costa, su hermana María, Tom Ze y los psicodélicos de Os Mutantes liderados por Rita Lee, el autor intelectual y material del tropicalismo, género que le puso electricidad y rock a la tradición musical de su país y que tuvo ecos planetarios, modificando para siempre el mapa sonoro de la Música Popular Brasileña (MPB).

Con el tropicalismo retoma en clave de música popular el concepto de antropofagia cultural esbozado en la Semana de Arte Moderna de 1922 en San Pablo y transforma para siempre la música del Brasil, volviéndola cosmopolita, relacionándola con el rock y marcando un camino de mestizajes que desconoce los prejuicios, y que se ha convertido en marca indeleble de la MPB con el paso del tiempo.

De la década del 70 son perlas discos como “Muito”, “Bicho”, “Cinema Trascendental” y el registro “Caetano e Chico Ao Vivo”; de los 80 “Cores, Nomes”, “Outras Palabras” y “Estrangeiro” y de los 90 maravillas como “Circulado”, “Circulado Vivo”, “Tropicalia”, “Livro”, además de “Fina Estampa”, donde por primera vez recorre el cancionero de música latinoamericana en castellano.

Los 2000 lo sorprenden con “Noites do Norte” y luego con el proyecto Ce, en el que trabaja en formato de power trío con músicos muy jóvenes un rock experimental, duro y de vanguardia que no gustó a todos y que él mismo, en charla con esta agencia, definió como “una radicalización del tropicalismo cincuenta años después”.

Foto Ramiro Gmez
Foto: Ramiro Gómez

Sueño creativo

En esa misma entrevista, que antecedió al primer arribo de esta banda al país, señaló: “Creo que Brasil es original y eso es fatal: somos un país de dimensiones continentales, un país americano que habla portugués, que tiene la población más racialmente mixturada del mundo”.

“Definitivamente la del Brasil es una originalidad compulsiva, y por eso creo que los músicos tenemos que asumir esa originalidad y ofrecer algo interesante al mundo. Es nuestra obligación”, agregó .

“La del Brasil es una originalidad compulsiva, y por eso creo que los músicos tenemos que asumir esa originalidad y ofrecer algo interesante al mundo. Es nuestra obligación”

“La canción popular -sostuvo- es quizás, con el fútbol, la única área de la creación brasileña que pone en práctica lo que para mí es el sueño creativo: hacer de la originalidad brasileña, toda constituida de desventajas, una bendición y un ejemplo para el mundo. Yo creo que la canción brasileña es un boceto de este sueño”.

Después de la experiencia de Ce, Caetano, que armó una entrañable y profunda relación con el público argentino desde comienzos de la década del 80, volvió al país pero con formatos acústicos: en dúo con María Gadú, con su coequiper Gilberto Gil y con sus hijos Moreno, Zeca y Tom.

En 2021 lanzó “Meu Coco”, un disco de canciones propias, grabado en la soledad de su pequeño estudio de Rio de Janeiro en tiempos de confinamiento por la Covid-19 y donde revalida muchos de los títulos cosechados en décadas.

Foto Vctor Carreira
Foto: Víctor Carreira


En frases

Dueño de una inmensa capacidad para pensar el presente, el proceso creativo y las construcciones colectivas y nacionales, Caetano Veloso entregó a la agencia Télam una serie de lúcidas definiciones a lo largo de distintos reportajes realizados al autor de “Branquinha” en los últimos 20 años. Acá. algunas de ellas:

– Sobre la mixtura

“Creo que Brasil es original y eso es fatal: somos un país de dimensiones continentales, un país americano que habla portugués, que tiene la población más racialmente mixturada del mundo. Definitivamente la del Brasil es una originalidad compulsiva, y por eso creo que los músicos tenemos que asumir esa originalidad y ofrecer algo interesante al mundo. Es nuestra obligación. La canción popular es quizás, con el fútbol, la única área de la creación brasileña que pone en práctica lo que para mí es el sueño creativo: hacer de la originalidad brasileña, toda constituida de desventajas, una bendición y un ejemplo para el mundo. Yo creo que la canción brasileña es un boceto de este sueño”.

– Sobre el Gobierno de Bolsonario (en 2019)

“Es imposible no sentir que hay una atmósfera rara, difícil. Respeto la necesidad que tienen las sociedades de conservarse, pero tengo gran dificultad en aguantar espíritus reaccionarios. Espero que tengamos sagacidad suficiente para utilizar las energías históricas que brotan de esas dificultades y podamos caminar mejor”.

– Sobre la música argentina y el público argentino

“Cuando me preguntan qué concierto me gustó más en mi vida, siempre pongo primero el de ‘Circuladô’ en Realengo, Río. Pero el segundo que me viene a la cabeza es uno que hice solo con voz y guitarra en Buenos Aires, también al aire libre y gratis, para una inmensa multitud que era concentrada, atenta e inteligente como solo el público de Buenos Aires sabe ser. El de Realengo solo está en primer lugar porque había una banda -y me gusta más poder tocar con personas que sepan tocar mejor que yo-, pero volvería a cantar solo en Buenos Aires en cualquier tiempo”.

“Encuentro en el público argentino una concentración, un silencio seguido de entusiasmo inteligente como no encuentro en ningún otro sitio del mundo”.

“De la música argentina me gusta la disciplina del tango, su mundo particular bien trabajado por décadas. Eso pasa para el pop y el rock argentino: hay más disciplina allí que en Brasil”.

“Yo escuché mucha música argentina a través de mi padre. Desde los años 30 hasta fines de los 50, el tango en Brasil fue como el aire que se respira, y la gran influencia para mí fue Gardel porque él marcó absolutamente a Francisco Alves, que fue el gran cantante brasileño cuando yo era niño”.

– Momentos dorados de la música brasileña

“Las grabaciones de Dorival Caymmi con su guitarra cantando canciones sobre el mar; las grabaciones de Aracy de Almeida cantando las canciones de Noel Rosa; el disco de Joao Gilberto ‘Chega de Saudade’ que inauguró la bossa nova; Nana Caymmi cantando ‘Medo de amar’; Paulinho da Viola cantando ‘Pra que mentir?’ con su padre tocando la guitarra. Djavan cantando ‘Curumím’ con su hija”.

– La bossa nova y el tropicalismo

“Cuando yo tenía 17 años escuché a Joao Gilberto, a Antonio Carlos Jobim, a toda la gente de la bossa nova que hacían una cosa muy nueva, muy revolucionaria, que impactaba, que era de vanguardia, casi un escándalo de modernidad y que, a la vez, tenía muy presentes a todos los grandes compositores, músicos y cantantes de la tradición y haciendo esta cosa de vanguardia ellos tuvieron éxito popular casi inmediatamente. Yo crecí en ese ambiente. Después nosotros empezamos con el tropicalismo que fue como una cosa revolucionaria también pero sin dejar de admirar nunca a todos los genios de la bossa nova. A nosotros no nos pareció necesario negar lo anterior, por el contrario, creíamos que lo que hacíamos daba más fuerza a lo que habían hecho ellos”.

– Sobre su trabajo con gente joven

“La gente joven siempre aporta cosas y la escena actual está siendo creada por ellos. Yo soy un viejo al que le interesa la escena actual, pero sobre todo que quiere seguir preguntando qué significa su actuación en la música”.

“Vengo de décadas de búsquedas. Cada disco contiene preguntas y sugestiones sobre como entiendo el fenómeno música popular”.

– Sobre el rock

“Nunca critiqué al rock y he venido trabajando con el rock desde siempre, lo que hice en algún momento fue oponerme a cierto snobismo del rock, a ciertos puristas del rock que se creen superiores al pop y al resto de las músicas. Lo que dije en Brasil y en Argentina y que digo ahora es que el rock nació como basura comercial en los 50 cuando Elvis Presley apareció en contraposición a la complejidad del jazz y que esa basura es su vitalidad y que cada vez que el rock necesita volver a su fuerza originaria aparece como basura. Es el caso del punk”.

– Sobre la alegría brasileña

“En mi infancia, la canción y la vida brasileñas eran tristes, incluso los sábados de carnaval eran de una infinita tristeza, aunque estuviéramos bailando y festejando; los brasileños teníamos la certeza de ser tristes, y yo creo que todo esto comienza a cambiar con Vinicius y la bossa nova y después confluyen también el tropicalismo y el destino que tuvo el fútbol en la historia de mi país como elementos donde empieza a aparecer la alegría”.

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A 25 años de “El garante”, la joya que anticipó la revolución de las series argentinas

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El garante la multipremiada miniserie de terror y suspenso
“El garante”, la multipremiada miniserie de terror y suspenso.

“El garante”, la multipremiada miniserie de terror y suspenso sobre un enviado del Diablo que llega para cobrarse el alma de un psicólogo porteño, y que adelantó la sofisticación en las narrativas televisivas que llegaría con el cambio de milenio, cumple este sábado 25 años de su estreno en Canal 9 instituida como un producto que fue “revolucionario” para el audiovisual nacional.

Así lo considera en charla con Télam su creador y director, Sebastián Borensztein, que aquel 13 de agosto de 1997 era un joven treintañero dando los primeros pasos en la ficción luego de trabajar por años en los programas de su padre, el recordado Tato Bores.

“Que tu primera ficción sea ‘El garante’ es fuerte, arranqué muy arriba”, reconoce el también guionista y escritor sobre cómo lo posicionó la serie protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia, acreedora al año siguiente de cuatro premios Martín Fierro, nominada por el mundo, reversionada luego en Chile y que hasta fue el primer producto de la televisión argentina adaptado como libro.

“Que tu primera ficción sea ‘El garante’ es fuerte, arranqué muy arriba”Sebastián Borensztein

Pese a que nunca volvió al género de terror, su trayectoria continuó por la senda del reconocimiento, con series como “Tiempo final” (2000) o “Iosi, el espía arrepentido” (2022), y filmes como “Un cuento chino” (2011), “Kóblic” (2016) o “La odisea de los giles” (2019).

“El garante” es un caso paradójico: por un lado fue pionera en su estructura de 8 capítulos, precursora en el uso de los exteriores y acaso la última vez que el terror como género fue visitado con suceso en el prime time televisivo del país. Por el otro, sin embargo, parece ser siempre la gran olvidada a la hora de enumerar “las mejores series argentinas de todos los tiempos”.

Quizás pague el precio de haber llegado demasiado pronto, y por eso no se la agrupe con la rupturista “Tiempo final” -que trajo la idea del relato en tiempo real que luego se popularizaría con la norteamericana “24”-, “Okupas” (2000, de Bruno Stagnaro) o “Los simuladores” (2002, de Damián Szifron).

La serie fue protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia y acreedora al ao siguiente de cuatro premios Martn Fierro
La serie fue protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia y acreedora, al año siguiente, de cuatro premios Martín Fierro.

La trama de la serie, que desafortunadamente por el momento solo puede encontrarse en baja calidad en YouTube, debutó ese miércoles 13 de agosto en Canal 9 Libertad y no se tomaba ni un minuto en plantear el conflicto. Sin rodeos, para atrapar desde el comienzo, el personaje de Martín Rivera (Sbaraglia) acudía a un bar donde lo había citado un tal José Sagasti (Cruz).

Magnético, como si hubiera nacido para el rol, Sagasti borraba la sonrisa protocolar de las presentaciones y soltaba: “Su abuelo dejó una cuenta pendiente”. Entonces, el joven psicólogo se enteraba de que por ser el primer descendiente varón debía pagar con su alma el acuerdo que su abuelo había sellado con Satán.

Incrédulo, desestima al hombre y decide continuar con su vida. Solo que con el correr de los episodios, Sagasti -él mismo apurado por el señor de los infiernos para cumplir con el mandado- comienza a poner en peligro la vida de sus seres queridos para que Rivera acepte voluntariamente entregar su alma.

Aquel juego del gato y el ratón contado a ritmo de suspenso con tintes de terror psicológico conquistó al público y a la crítica. Pero la serie que Borensztein escribió junto con Walter y Marcelo Slavich, que también tuvo la actuación de Eleonora Wexler, Luis Luque, David Masajnik, Luis Ziembrowski y Claudio Rissi, entre más, fue rechazada inicialmente por todos los canales y pudo no haber visto nunca la luz.

Telam SE

¿Tenías presente el aniversario? ¿Cuándo fue la última vez que viste la serie?

No, no me acordaba. Yo no la volví a ver, y honestamente no vuelvo a ver nada de lo que hago más allá del momento, de escribirlo, de rodarlo, de editarlo, de estrenarlo. Capaz que después lo veo una vez más y ya está. No tengo la cosa de quedarme pegado ahí.

¿Cómo nació la serie?

Un amigo me había dicho “¿por qué no hacés algo de terror, que no hay nada de eso en la televisión?”. Yo venía de trabajar con mi viejo. Y me puse a pensar en una de terror, pero no soy muy afín al terror, de la sangre y la motosierra y “Martes 13” y Jason. Me va más que nada el terror psicológico, las cosas que están en el borde, que pensás “puede ser real o no”. Me acuerdo que estaba en un hotel en Chile y se me ocurrió toda junta la idea y la escribí en los papeles que encontré por ahí; la idea básica de un tipo que es garante con su alma de una operación, de un pacto con el demonio de dos generaciones atrás.

Una subversión del mito del Fausto.

Claro, pero en algún sentido es peor, porque el Fausto saca provecho de esa operación. Él vende el alma por una razón, en cambio el garante no sacó provecho él. Simplemente fue un garante sin saberlo, por ser el descendiente varón de quien sí vendió su alma. Entonces el tipo dice “¿yo por qué te tengo que pagar nada, si yo no disfruté de los beneficios de la venta?”. Esa era la vuelta de tuerca que tenía, la idea alegórica de que las generaciones futuras pagan por los pecados de las generaciones anteriores.

A 25 años, es un tema que en la Argentina ha envejecido bien…

Sí, porque yo creo que siempre hay deudas. Y más en sociedades como la nuestra, lo estamos viendo. Todos heredamos un problema, una deuda pesada. Vamos dejando deudas morales, deudas legales, éticas, de todo tipo.

Leonardo Sbaraglia Foto captura de pantalla
Leonardo Sbaraglia. Foto: captura de pantalla

¿Y cómo pasó de la idea a Canal 9?

“El garante” tiene una vuelta desconocida para todos y es que nadie quiso comprar la serie una vez que estuvo hecho el piloto. Lo hicimos de manera independiente y lo salimos a ofrecer al 11 y al 13, que eran nuestras apuestas, y ninguno de los dos quiso el proyecto. Lo llevamos al 9 también y no pasó nada. Un año después, cuando “El garante” estaba guardado en un cajón y yo ya estaba pensando en otras cosas, un domingo me llama por teléfono a mi casa Alejandro Romay, que en aquel entonces era dueño del Canal 9, y me dice, “mirá, yo traigo a mi casa todos los pilotos que están en el canal y que son rechazados o que nadie mira, mis nietos los miran, y ayer me empezaron a decir que “El garante” tiene que ir al aire, así que me puse a mirar el piloto y estoy de acuerdo con ellos”. Ahí fue que después de todos los rechazos, lo salvó la generación Sub 20 de nietos de Romay.

¿Cómo recordás el proceso?

Se contrató a través de Canal 9 y ahí sí, salimos a producir de manera totalmente independiente. Nosotros trabajamos en la calle y le llevábamos al canal la lata cerrada terminada, lista para ir al aire. Todo el proceso fue un gran sacrificio. Me acuerdo que un día estábamos rodando y le digo a la productora, Susana Rudni, “¿a qué hora empecé a rodar? Porque estoy que no veo nada, ya no veo”. Eran las 4 de la mañana y hacía 17 horas que estaba filmando. Eso es porque estaba, no sé, sumergido, tan apasionado.

¿Cómo llegaron Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia?

Enseguida los visualizamos como los personajes. Les conté la historia, les hice leer los capítulos y se recontra engancharon y fuimos para adelante.

Lito fue un gran actor. En el registro en el que se necesitaba para el personaje de Sagasti él se manejaba como pez en el agua, en ese registro nadie supera a Lito. Tiene esa mezcla de picardía de barrio con sabiduría con un montón de cosas que hacía perfecto ese enviado del diablo. Y Leo también tenía el registro perfecto de ese tipo palermitano que no podía creerse lo que le decían, no se iba a creer tan fácil el cuento de este diablo hasta que la cosa se le empieza a poner espesa.

¿Qué lugar sentís que ocupa “El garante” en el audiovisual argentino?

Me parece que hay por un lado una memoria colectiva de todo eso. La gente me lo recuerda y quedó grabado fuerte. También hay que contarlo dentro del contexto, es decir, no era usual en absoluto ver en los años 90, una miniserie de ocho capítulos totalmente rodada en exteriores, con una temática completamente ajena a lo que la televisión venía contando. Fue realmente un giro. Después vinieron más cosas, pero para ese momento “El garante” fue revolucionario.

¿Y en tu trayectoria qué lugar ocupa?

Ocupa un lugar muy importante porque fue un puntapié inicial por ser la primera ficción, por haber sido tan novedosa y exitosa me colocó en un lugar muy favorable, muy auspicioso. Generó una expectativa acerca de mi potencial.

¿Qué aprendiste de “El garante” que hayas puesto en práctica en adelante?

Un aprendizaje que fue fundamental para mi carrera, que es que cuando las cosas son buenas llegan a las manos de alguien que aprieta play y lo manda al aire. Es decir, yo tuve muchas instancias para desanimarme a lo largo de “El garante”, muchas. Entonces aprendí a confiar en el instinto, en que cuando tenés entre manos algo que es novedoso, que es revolucionario, más tarde o más temprano va a ver la luz.

Foto gentileza Sebastin Borensztein
Foto: gentileza Sebastián Borensztein

Por qué no hay más producciones como “El garante”

Su creador y director, el realizador y guionista Sebastián Borensztein, conversó con Télam sobre las razones por las que hay pocos ejemplos de producciones de alto presupuesto en el género del terror.

Además de Narciso Ibáñez Menta, que obviamente es una referencia ineludible, y “El garante”, no hay muchas experiencias de terror en el mainstream de la pantalla chica. ¿Por qué pensás que no se visita tanto el género en Argentina?

Me parece que es difícil entrarle al género cuando te escapás de la obviedad del muerto que regresa de la muerte y le mete un hacha en la cabeza al que lo mató. Te vas de ese terror clásico y es más complejo. Jugar con el terror psicológico es complejo.

Es como el humor, ¿por qué no hay más cosas de humor? Porque el humor te sale bien o no te sale. Yo creo que no son géneros fáciles: ni hacer humor, ni hacer terror.

Ni siquiera con este reverdecer de la ficción argentina de la mano de las plataformas surgen títulos de género.

SB: También a veces son modas y son rachas. Cuando hicimos “El garante” vinieron detrás algunos otros intentos de hacer cosas semejantes. A lo mejor no es del interés de los realizadores ponerse a pensar en esto. De hecho yo hice una y no hice ninguna más.

¿Cómo ves hoy la industria argentina a partir de todo este ingreso de plataformas? A ustedes les fue muy bien con “Iosi, el espía arrepentido”.

SB: Desde el punto de vista de la industria y de la generación de trabajo es muy auspicioso porque hay más bocas de expendio, por decirlo así, y aparecen jugadores que arriesgan su dinero para la ficción. No tenés que salir a buscar financiación ni aportes del Incaa, ni coproductores extranjeros, ni adelantos de distribución, ni nada. A la plataforma le gusta la película, la paga y le pertenece. Después podremos discutir la calidad de todo eso, y como siempre hay de todo. En el caso de “Iosi” es una serie que a nosotros nos llevó cuatro años, no es que se abría una ventana en una plataforma y dijimos “tirémonos con lo que hay”. Es un trabajo realmente muy minucioso y el resultado es el que es.

¿Cómo es trabajar con la mirada de una plataforma internacional encima?

Con Daniel Burman, que es el productor de la serie, el discurso fue “confíen en nosotros”. Por supuesto que la gente de Amazon ha estado encima del proyecto supervisando y mirando, y tuvimos mucha libertad para trabajar.

Tenemos mucha imaginación, en la escritura, en la producción, y si a lo largo de la vida hemos hecho una carrera con buenos resultados, lo lógico es que el que está del otro lado del mostrador comprando una propuesta que llevás confíe en toda esa experiencia que vos vas a poner al servicio de ese producto.

Y lo conecto con “El garante”: yo no tuve relación con Romay durante el proceso. Rodamos durante dos meses y rodamos siete capítulos y cada vez que el capítulo estaba terminado, lo entregábamos y nos pagaban para financiar el siguiente, nunca hubo intervención. Fue dejarlo en las manos nuestras y ahí está parte de la cosa. Cuando te dejan trabajar y te dejan hacer lo que sabés hacer, tenés muchas más posibilidades de que te vaya bien.

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Anne Heche padece muerte cerebral: su corazón aún late a la espera de donar sus órganos

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Foto AFP
Foto: AFP.

La actriz estadounidense Anne Heche, que el pasado 5 de agosto sufrió un choque con su automóvil, padece muerte cerebral pero aún continúa conectada a equipos de asistencia mecánica y su corazón sigue latiendo, informó el medio especializado Variety citando a su representante.

La actriz de “Psycho” y “Seis días, siete noches” fue declarada legalmente muerta en el estado de California pero continúa conectada a equipos de asistencia mecánica para que sus órganos sigan funcionando a la espera de que puedan ser donados y utilizados en caso compatibilidad para trasplante.

Variety señaló que se informó que Heche puede ser desconectada de la asistencia mecánica entre el sábado y el martes próximos.

“Hoy perdimos una luz brillante, un alma amable y alegre, una madre amorosa y una amiga leal”, dijeron sus familiares y amigos en un comunicado, que reproduce el medio que cubre la información de Hollywood.

“Anne será profundamente extrañada, pero vive a través de sus hermosos hijos, su icónico cuerpo de trabajo y su apasionada defensa”, continuó el texto.

“Mi hermano Atlas y yo perdimos a nuestra mamá”, dijo el hijo de Heche, Homer Laffoon, en un comunicado.

“Después de seis días de cambios emocionales casi increíbles, me quedo con una profunda tristeza sin palabras. Ojalá mi mamá esté libre de dolor y comience a explorar lo que me gusta imaginar como su libertad eterna“, agregó Homer.

Más temprano, un comunicado del representante de la actriz había informado que “debido al accidente, Anne sufrió una lesión severa de anoxia cerebral y permanece en coma, en estado crítico” y que no tenía expectativas de sobrevivir.

“Hace mucho ella decidió donar sus órganos, y está siendo mantenida en soporte vital para determinar si alguno de los mismos resulta viable“, había indicado el comunicado de su agente.

Heche está internada en el Centro de Quemados Grossman, ubicado en el Hospital West Hills de California, desde el pasado 5 de agosto, cuando sufrió un choque con su auto mientras manejaba, presuntamente bajo la influencia de narcóticos -según el informe policial- en el barrio residencial de Mar Vista, en Los Ángeles.

Heche estuvo casada con la actriz y presentadora Ellen DeGeneres y saltó a la fama a partir de su laureada participación en la telenovela “Another World”, además de protagonizar varios años después la serie “Men in Trees”.

En tanto, en cine, la intérprete tomó parte en títulos como “Donnie Brasco”, “Volcano”, “Sé lo que hicieron el verano pasado”, “Por la vida de un amigo” y “Return to Paradise”, “Mentiras que matan” y en la remake de Gus van Sant de “Psicosis”, en la que recreó la famosa escena siendo acuchillada en la ducha.

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“Mi mamá soy yo” narra desde el humor los vaivenes de tres generaciones de mujeres

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Mi mam soy yo se podr ver desde este sbado a las 17 en el porteo teatro El Tinglado
“Mi mamá soy yo” se podrá ver desde este sábado a las 17 en el porteño teatro El Tinglado.

El director y actor Luciano Cazaux estrena “Mi mamá soy yo”, obra a la que define como “una comedia dramática hondamente emotiva y plagada de humor”, que se podrá ver desde este sábado a las 17 en el porteño teatro El Tinglado.

“Es una obra que refleja el mundo de tres generaciones bien distintas de mujeres y a su vez aquello que las une. La ternura y el dolor inmerso en las relaciones quebradas y el humor que subyace detrás del amor y que en definitiva es un salvavidas estupendo”, expresó en una entrevista con Télam Cazaux, quien este año volvió a los escenarios con la exitosa “Bang Bang y somos historia”, comedia que se alzó con un premio ACE a Mejor Espectáculo de Humor en 1999, la cual dirige y protagoniza.

“Me encantaría que las personas se vean reflejadas y se diviertan de la misma forma que me pasa a mí cada vez que presencio un ensayo. Cuando veo la obra pienso en mi propia madre y en mis relaciones familiares”, confesó el autor de las adaptaciones teatrales de títulos como “Eva y Victoria”, “El día que Nietszche lloró” y “El anatomista”, entre otras.

La trama, protagonizada por Martina Perret, Ana Praderío y Sofía Maluf, atraviesa la fracturada relación entre una madre con algunas alteraciones cognitivas, una hija y una nieta, y cómo al verse obligadas a convivir, con todo lo que ello implica, irán camino a recomponer el vínculo a partir del humor.

“La reflexión más sobresaliente de la historia es que el rencor sólo engendra infelicidad a quien lo padece, que unirse a alguien por algo más que no sea el amor lleva indefectiblemente a una sensación de fracaso y que el perdón siempre es liberador para la víctima y no para el victimario”, dijo el actor que en cine protagonizó los filmes “Motín en Sierra Chica”, “Pájaros negros” y “Regresados”, y fue coprotagonista de “El túnel de los huesos”.

“La reflexión más sobresaliente de la historia es que el rencor sólo engendra infelicidad a quien lo padece, que unirse a alguien por algo más que no sea el amor lleva indefectiblemente a una sensación de fracaso y que el perdón siempre es liberador para la víctima y no para el victimario”Luciano Cazaux

¿Cuál fue el disparador de la historia?

En cuanto al texto dramático, lo escribí hace varios años y recién ahora lo puedo llevar a escena, se dieron las condiciones y no fue una sola cosa sino varias las que lo inspiraron. Por un lado, la enfermedad de Alzheimer que siempre me llamó la atención, por miedo, por curiosidad ante algo que nadie puede comprender del todo y que cambia el comportamiento y, por ende, en muchísimos casos la personalidad por completo. Por otro lado, historias familiares desopilantes de abuelos y abuelas que tenían manías que no podían menos que hacernos reír y, por último, una breve anécdota de un amigo. Aunque también se suma a esto una frase hecha que siempre me llamó la atención: “Cuando tenía las respuestas, me cambiaron las preguntas”. Ahora bien, en cuanto a la posibilidad de producir la obra, fue la iniciativa de Ana Praderío, una de las protagonistas (la abuela de la obra) que se acercó a mí para proponerme dirigirla. Ensayamos mucho tiempo en su casa de General Rodríguez y luego acercamos la propuesta al teatro El Tinglado que nos abrió las puertas.

¿Qué elementos tuviste en cuenta para el armado de los personajes?

Mi propia historia, la observación de mi madre, lo que aportó cada actriz con su “physique du role” y sus formas de actuar y de ser, la compasión, el amor, la ternura. Las diferencias de cada generación a la hora de entender qué cosas son las que nos hacen sentir realizados. Por ejemplo, hasta bien entrado el siglo XX una mujer sólo se realizaba si tenía un hombre como marido, una familia a quien cuidar casi en condiciones de esclavitud y la que no se casaba, se quedaba, según la creencia popular, para “vestir santos” así fuera una profesional de éxito y carrera.

¿Cómo describís la relación entre las tres mujeres en la trama?

Es una relación de amor, odio, ternura y humor, donde la ironía y el sarcasmo bien entendidos distiende las tensiones generadas por la convivencia y la falta de entendimiento básico.

Teniendo en cuenta que las protagonistas son mujeres de distintas generaciones, ¿hay una mirada que contemple la perspectiva de género en la obra?

Es casi inevitable que así sea, cada una de ellas tiene su propia opinión y su propia mirada generacional y eso enriquece la historia y arranca carcajadas ante lo disímiles que son. De todas formas, es dable aclarar que no pretendemos arrogarnos el derecho de ser “la voz” de lo femenino sino solamente unes opinadores. La nuestra es sólo una opinión y tengo muy en cuenta que soy un varón cis hablando de mundos femeninos. Ahora, las tres actrices que protagonizan la obra me han hecho crecer como persona al brindarme tan a flor de piel su enorme inteligencia emocional para poder hacer crecer un texto que, nobleza obliga, era mucho menos rico en el papel que lo que es ahora en escena.

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