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“La voz áspera de la ternura”: a diez años de la partida de Chavela Vargas

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La mujerdel poncho rojo se despidi de los escenarios en 2006 a sus 77 aos
La mujer del “poncho rojo” se despidió de los escenarios en 2006, a sus 77 años.

Provocadora, rebelde y clara adelantada a su época, la memorable Chavela Vargas fallecía una década atrás a los 93 años ya convertida en un símbolo de libertad en vida y en la música, dos mundos en los que transgredió barreras de género de todo tipo y que la inmortalizaron como una de las más influyentes artistas latinoamericanas de su tiempo.

“Yo no soy bohemia, yo nací con esa sed de luna, sed de noche, sed de sueños, persiguiendo sueños”, se presentaba “La voz áspera de la ternura” -como la calificó su querido amigo Pedro Almodóvar– en una entrevista ofrecida en 2003, promediando sus 80 y poco después de, contaba, lanzarse de un avión en las alturas para sentir realmente lo que es volar.

Con su característico estilo rasposo y duro a la hora de entonar, la cantante pasó así a la historia, como una figura que, aunque quizás tardíamente reconocida, desafió las expectativas sociales y el sonido tradicional de su México adoptivo -donde murió el 5 de agosto de 2012, en Cuernavaca- para sellar su impronta inconfundible a toda una manera de experimentar la existencia.

Repleto de claroscuros, su recorrido comenzó en Costa Rica, donde nació el 17 de abril de 1919 en el pequeño distrito de San Joaquín de Flores y fue bautizada como María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, aunque pronto adoptaría otro nombre público y otro país en el que, como aseguró en su biografía, encontraría “la vida de verdad”.

Abandonada por sus padres y sobreviviente de la poliomielitis en la infancia, humilde, joven pero ya golpeada, llegó al país norteamericano en su adolescencia para radicarse, aunque su despegue como intérprete ocurriría casi dos décadas más tarde, luego de trabajar como cocinera y vendedora de ropa y hasta como chofer de familias de alta alcurnia mexicana.

La oportunidad de dar a conocer su voz en un programa de radio y su gran cercanía con quien sería una suerte de padrino musical, el prolífico cantautor José Alfredo Jiménez -también socio suyo en largas noches de descontrol-, se transformarían en un modesto trampolín a los escenarios de Acapulco y en pequeños circuitos artísticos y, en los años 60, a adquirir mayor notoriedad.

Y es que “la dama del poncho rojo”, con todo su magnetismo, supo presentarse frente a estrellas de Hollywood como Elizabeth Taylor, Rock Hudson, Ava Gardner y Grace Kelly, pero más importante aún en su intimidad, cosechó profundas amistades con artistas e intelectuales como la emblemática Frida Kahlo y su esposo Diego Rivera, el colombiano Gabriel García Márquez y, más tarde, con el español Joaquín Sabina, entre otros.

Todos ellos la caracterizaron -y algunos todavía lo hacen- como una personalidad única, un espíritu que inspiraba calidez más allá de los reveses que le impuso la vida, y como una irrepetible de la música, con su “manera de cantar llorando, un quejío inigualable, una expresividad fuera de lo común”, como describió Sabina, que le dedicó la famosa “Por el boulevard de los sueños rotos”.

Acompañada únicamente por una guitarra, Chavela dejó tras de sí ejemplos de su conmovedor y sufrido lamento frente al micrófono en “Macorina”, de su primer álbum grabado en 1961, “Paloma negra”, “Un mundo raro” y “La llorona”, tal vez la más famosa e hipnótica de sus versiones; por nombrar tan sólo un puñado de las que aparecen en su extenso haber de más de 80 discos de estudio y en vivo.

Basta un repaso de su obra y situarla en contexto para comprender la relevancia vanguardista que “la Chamana” tuvo al hacer propias esas letras, cuando la canción ranchera, el género que principalmente la volvió conocida, era señal unívoca de fiesta y la música popular mexicana en general, un dominio absoluto de los hombres.

Intentaron que subiera al escenario en vestido y tacos, pero elegía ponerse pantalones, trajes de charro, sombreros y salir sin maquillaje, aunque eso le valiera la incomprensión y el desdén de quienes que la tildaban de “marimacho”, y cantaba lo que se suponía que debían ser líricas felices como si se tratara de una catarsis, una forma de purgar el dolor.

En la sociedad homofóbica e intensamente religiosa de la México de su época, se paraba frente a los roles de género establecidos, bebía y fumaba “como varón”, a veces calzaba una pistola en su cinto, y le hablaba desde la música a las mismas mujeres a las que los compositores se las habían escrito: Chavela lo dio vuelta todo mucho antes de que su genio fuera abrazado en los pagos latinoamericanos, pero debió atravesar un duro impás de 15 años para volver con renovado recibimiento.

Entrada la década del 70, rechazada una vez más por el mundo que la rodeaba y tras la muerte de José Alfredo Jiménez, fue acogida por una familia de chamanes que la ayudaron a rehabilitarse de su dura adicción al alcohol, y desapareció de la vida pública al punto de que la sociedad la diera por muerta.

Sería España el nuevo lugar en el que, ya en los 90 y con sus fantasmas bajo control, volvería a cantar su querido repertorio frente a una audiencia y cultivaría más vínculos en el universo artístico que le dieron el impulso necesario para recorrer los escenarios ibéricos de la mano de Miguel Bosé, Ana Belén, Sabina, Martirio y el propio Almodóvar, su “único amor en la Tierra”.

Revitalizada, lúcida y activa, la intérprete de “Que te vaya bonito” y “Las simples cosas” expresó abiertamente que era lesbiana a los 81 años y eligió despedirse de las presentaciones en vivo en 2006: “No quiero que me vayan a ver solamente por ser una viejita simpática”, dijo en su último concierto en la Ciudad de México.

Mujer libre hasta el final, alguna vez resumió: “Yo no soy barco, no tengo velas, no tengo ancla. Tengo alas maravillosas, unas alas muy tenues, muy bellas, que yo las siento y voy por el mundo. Ahí sueñas, ahí creas. El que está estacionado no crea. Hay que romperse el alma para poder crear”.

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A 25 años de “El garante”, la joya que anticipó la revolución de las series argentinas

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El garante la multipremiada miniserie de terror y suspenso
“El garante”, la multipremiada miniserie de terror y suspenso.

“El garante”, la multipremiada miniserie de terror y suspenso sobre un enviado del Diablo que llega para cobrarse el alma de un psicólogo porteño, y que adelantó la sofisticación en las narrativas televisivas que llegaría con el cambio de milenio, cumple este sábado 25 años de su estreno en Canal 9 instituida como un producto que fue “revolucionario” para el audiovisual nacional.

Así lo considera en charla con Télam su creador y director, Sebastián Borensztein, que aquel 13 de agosto de 1997 era un joven treintañero dando los primeros pasos en la ficción luego de trabajar por años en los programas de su padre, el recordado Tato Bores.

“Que tu primera ficción sea ‘El garante’ es fuerte, arranqué muy arriba”, reconoce el también guionista y escritor sobre cómo lo posicionó la serie protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia, acreedora al año siguiente de cuatro premios Martín Fierro, nominada por el mundo, reversionada luego en Chile y que hasta fue el primer producto de la televisión argentina adaptado como libro.

“Que tu primera ficción sea ‘El garante’ es fuerte, arranqué muy arriba”Sebastián Borensztein

Pese a que nunca volvió al género de terror, su trayectoria continuó por la senda del reconocimiento, con series como “Tiempo final” (2000) o “Iosi, el espía arrepentido” (2022), y filmes como “Un cuento chino” (2011), “Kóblic” (2016) o “La odisea de los giles” (2019).

“El garante” es un caso paradójico: por un lado fue pionera en su estructura de 8 capítulos, precursora en el uso de los exteriores y acaso la última vez que el terror como género fue visitado con suceso en el prime time televisivo del país. Por el otro, sin embargo, parece ser siempre la gran olvidada a la hora de enumerar “las mejores series argentinas de todos los tiempos”.

Quizás pague el precio de haber llegado demasiado pronto, y por eso no se la agrupe con la rupturista “Tiempo final” -que trajo la idea del relato en tiempo real que luego se popularizaría con la norteamericana “24”-, “Okupas” (2000, de Bruno Stagnaro) o “Los simuladores” (2002, de Damián Szifron).

La serie fue protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia y acreedora al ao siguiente de cuatro premios Martn Fierro
La serie fue protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia y acreedora, al año siguiente, de cuatro premios Martín Fierro.

La trama de la serie, que desafortunadamente por el momento solo puede encontrarse en baja calidad en YouTube, debutó ese miércoles 13 de agosto en Canal 9 Libertad y no se tomaba ni un minuto en plantear el conflicto. Sin rodeos, para atrapar desde el comienzo, el personaje de Martín Rivera (Sbaraglia) acudía a un bar donde lo había citado un tal José Sagasti (Cruz).

Magnético, como si hubiera nacido para el rol, Sagasti borraba la sonrisa protocolar de las presentaciones y soltaba: “Su abuelo dejó una cuenta pendiente”. Entonces, el joven psicólogo se enteraba de que por ser el primer descendiente varón debía pagar con su alma el acuerdo que su abuelo había sellado con Satán.

Incrédulo, desestima al hombre y decide continuar con su vida. Solo que con el correr de los episodios, Sagasti -él mismo apurado por el señor de los infiernos para cumplir con el mandado- comienza a poner en peligro la vida de sus seres queridos para que Rivera acepte voluntariamente entregar su alma.

Aquel juego del gato y el ratón contado a ritmo de suspenso con tintes de terror psicológico conquistó al público y a la crítica. Pero la serie que Borensztein escribió junto con Walter y Marcelo Slavich, que también tuvo la actuación de Eleonora Wexler, Luis Luque, David Masajnik, Luis Ziembrowski y Claudio Rissi, entre más, fue rechazada inicialmente por todos los canales y pudo no haber visto nunca la luz.

Telam SE

¿Tenías presente el aniversario? ¿Cuándo fue la última vez que viste la serie?

No, no me acordaba. Yo no la volví a ver, y honestamente no vuelvo a ver nada de lo que hago más allá del momento, de escribirlo, de rodarlo, de editarlo, de estrenarlo. Capaz que después lo veo una vez más y ya está. No tengo la cosa de quedarme pegado ahí.

¿Cómo nació la serie?

Un amigo me había dicho “¿por qué no hacés algo de terror, que no hay nada de eso en la televisión?”. Yo venía de trabajar con mi viejo. Y me puse a pensar en una de terror, pero no soy muy afín al terror, de la sangre y la motosierra y “Martes 13” y Jason. Me va más que nada el terror psicológico, las cosas que están en el borde, que pensás “puede ser real o no”. Me acuerdo que estaba en un hotel en Chile y se me ocurrió toda junta la idea y la escribí en los papeles que encontré por ahí; la idea básica de un tipo que es garante con su alma de una operación, de un pacto con el demonio de dos generaciones atrás.

Una subversión del mito del Fausto.

Claro, pero en algún sentido es peor, porque el Fausto saca provecho de esa operación. Él vende el alma por una razón, en cambio el garante no sacó provecho él. Simplemente fue un garante sin saberlo, por ser el descendiente varón de quien sí vendió su alma. Entonces el tipo dice “¿yo por qué te tengo que pagar nada, si yo no disfruté de los beneficios de la venta?”. Esa era la vuelta de tuerca que tenía, la idea alegórica de que las generaciones futuras pagan por los pecados de las generaciones anteriores.

A 25 años, es un tema que en la Argentina ha envejecido bien…

Sí, porque yo creo que siempre hay deudas. Y más en sociedades como la nuestra, lo estamos viendo. Todos heredamos un problema, una deuda pesada. Vamos dejando deudas morales, deudas legales, éticas, de todo tipo.

Leonardo Sbaraglia Foto captura de pantalla
Leonardo Sbaraglia. Foto: captura de pantalla

¿Y cómo pasó de la idea a Canal 9?

“El garante” tiene una vuelta desconocida para todos y es que nadie quiso comprar la serie una vez que estuvo hecho el piloto. Lo hicimos de manera independiente y lo salimos a ofrecer al 11 y al 13, que eran nuestras apuestas, y ninguno de los dos quiso el proyecto. Lo llevamos al 9 también y no pasó nada. Un año después, cuando “El garante” estaba guardado en un cajón y yo ya estaba pensando en otras cosas, un domingo me llama por teléfono a mi casa Alejandro Romay, que en aquel entonces era dueño del Canal 9, y me dice, “mirá, yo traigo a mi casa todos los pilotos que están en el canal y que son rechazados o que nadie mira, mis nietos los miran, y ayer me empezaron a decir que “El garante” tiene que ir al aire, así que me puse a mirar el piloto y estoy de acuerdo con ellos”. Ahí fue que después de todos los rechazos, lo salvó la generación Sub 20 de nietos de Romay.

¿Cómo recordás el proceso?

Se contrató a través de Canal 9 y ahí sí, salimos a producir de manera totalmente independiente. Nosotros trabajamos en la calle y le llevábamos al canal la lata cerrada terminada, lista para ir al aire. Todo el proceso fue un gran sacrificio. Me acuerdo que un día estábamos rodando y le digo a la productora, Susana Rudni, “¿a qué hora empecé a rodar? Porque estoy que no veo nada, ya no veo”. Eran las 4 de la mañana y hacía 17 horas que estaba filmando. Eso es porque estaba, no sé, sumergido, tan apasionado.

¿Cómo llegaron Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia?

Enseguida los visualizamos como los personajes. Les conté la historia, les hice leer los capítulos y se recontra engancharon y fuimos para adelante.

Lito fue un gran actor. En el registro en el que se necesitaba para el personaje de Sagasti él se manejaba como pez en el agua, en ese registro nadie supera a Lito. Tiene esa mezcla de picardía de barrio con sabiduría con un montón de cosas que hacía perfecto ese enviado del diablo. Y Leo también tenía el registro perfecto de ese tipo palermitano que no podía creerse lo que le decían, no se iba a creer tan fácil el cuento de este diablo hasta que la cosa se le empieza a poner espesa.

¿Qué lugar sentís que ocupa “El garante” en el audiovisual argentino?

Me parece que hay por un lado una memoria colectiva de todo eso. La gente me lo recuerda y quedó grabado fuerte. También hay que contarlo dentro del contexto, es decir, no era usual en absoluto ver en los años 90, una miniserie de ocho capítulos totalmente rodada en exteriores, con una temática completamente ajena a lo que la televisión venía contando. Fue realmente un giro. Después vinieron más cosas, pero para ese momento “El garante” fue revolucionario.

¿Y en tu trayectoria qué lugar ocupa?

Ocupa un lugar muy importante porque fue un puntapié inicial por ser la primera ficción, por haber sido tan novedosa y exitosa me colocó en un lugar muy favorable, muy auspicioso. Generó una expectativa acerca de mi potencial.

¿Qué aprendiste de “El garante” que hayas puesto en práctica en adelante?

Un aprendizaje que fue fundamental para mi carrera, que es que cuando las cosas son buenas llegan a las manos de alguien que aprieta play y lo manda al aire. Es decir, yo tuve muchas instancias para desanimarme a lo largo de “El garante”, muchas. Entonces aprendí a confiar en el instinto, en que cuando tenés entre manos algo que es novedoso, que es revolucionario, más tarde o más temprano va a ver la luz.

Foto gentileza Sebastin Borensztein
Foto: gentileza Sebastián Borensztein

Por qué no hay más producciones como “El garante”

Su creador y director, el realizador y guionista Sebastián Borensztein, conversó con Télam sobre las razones por las que hay pocos ejemplos de producciones de alto presupuesto en el género del terror.

Además de Narciso Ibáñez Menta, que obviamente es una referencia ineludible, y “El garante”, no hay muchas experiencias de terror en el mainstream de la pantalla chica. ¿Por qué pensás que no se visita tanto el género en Argentina?

Me parece que es difícil entrarle al género cuando te escapás de la obviedad del muerto que regresa de la muerte y le mete un hacha en la cabeza al que lo mató. Te vas de ese terror clásico y es más complejo. Jugar con el terror psicológico es complejo.

Es como el humor, ¿por qué no hay más cosas de humor? Porque el humor te sale bien o no te sale. Yo creo que no son géneros fáciles: ni hacer humor, ni hacer terror.

Ni siquiera con este reverdecer de la ficción argentina de la mano de las plataformas surgen títulos de género.

SB: También a veces son modas y son rachas. Cuando hicimos “El garante” vinieron detrás algunos otros intentos de hacer cosas semejantes. A lo mejor no es del interés de los realizadores ponerse a pensar en esto. De hecho yo hice una y no hice ninguna más.

¿Cómo ves hoy la industria argentina a partir de todo este ingreso de plataformas? A ustedes les fue muy bien con “Iosi, el espía arrepentido”.

SB: Desde el punto de vista de la industria y de la generación de trabajo es muy auspicioso porque hay más bocas de expendio, por decirlo así, y aparecen jugadores que arriesgan su dinero para la ficción. No tenés que salir a buscar financiación ni aportes del Incaa, ni coproductores extranjeros, ni adelantos de distribución, ni nada. A la plataforma le gusta la película, la paga y le pertenece. Después podremos discutir la calidad de todo eso, y como siempre hay de todo. En el caso de “Iosi” es una serie que a nosotros nos llevó cuatro años, no es que se abría una ventana en una plataforma y dijimos “tirémonos con lo que hay”. Es un trabajo realmente muy minucioso y el resultado es el que es.

¿Cómo es trabajar con la mirada de una plataforma internacional encima?

Con Daniel Burman, que es el productor de la serie, el discurso fue “confíen en nosotros”. Por supuesto que la gente de Amazon ha estado encima del proyecto supervisando y mirando, y tuvimos mucha libertad para trabajar.

Tenemos mucha imaginación, en la escritura, en la producción, y si a lo largo de la vida hemos hecho una carrera con buenos resultados, lo lógico es que el que está del otro lado del mostrador comprando una propuesta que llevás confíe en toda esa experiencia que vos vas a poner al servicio de ese producto.

Y lo conecto con “El garante”: yo no tuve relación con Romay durante el proceso. Rodamos durante dos meses y rodamos siete capítulos y cada vez que el capítulo estaba terminado, lo entregábamos y nos pagaban para financiar el siguiente, nunca hubo intervención. Fue dejarlo en las manos nuestras y ahí está parte de la cosa. Cuando te dejan trabajar y te dejan hacer lo que sabés hacer, tenés muchas más posibilidades de que te vaya bien.

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Anne Heche padece muerte cerebral: su corazón aún late a la espera de donar sus órganos

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Foto AFP
Foto: AFP.

La actriz estadounidense Anne Heche, que el pasado 5 de agosto sufrió un choque con su automóvil, padece muerte cerebral pero aún continúa conectada a equipos de asistencia mecánica y su corazón sigue latiendo, informó el medio especializado Variety citando a su representante.

La actriz de “Psycho” y “Seis días, siete noches” fue declarada legalmente muerta en el estado de California pero continúa conectada a equipos de asistencia mecánica para que sus órganos sigan funcionando a la espera de que puedan ser donados y utilizados en caso compatibilidad para trasplante.

Variety señaló que se informó que Heche puede ser desconectada de la asistencia mecánica entre el sábado y el martes próximos.

“Hoy perdimos una luz brillante, un alma amable y alegre, una madre amorosa y una amiga leal”, dijeron sus familiares y amigos en un comunicado, que reproduce el medio que cubre la información de Hollywood.

“Anne será profundamente extrañada, pero vive a través de sus hermosos hijos, su icónico cuerpo de trabajo y su apasionada defensa”, continuó el texto.

“Mi hermano Atlas y yo perdimos a nuestra mamá”, dijo el hijo de Heche, Homer Laffoon, en un comunicado.

“Después de seis días de cambios emocionales casi increíbles, me quedo con una profunda tristeza sin palabras. Ojalá mi mamá esté libre de dolor y comience a explorar lo que me gusta imaginar como su libertad eterna“, agregó Homer.

Más temprano, un comunicado del representante de la actriz había informado que “debido al accidente, Anne sufrió una lesión severa de anoxia cerebral y permanece en coma, en estado crítico” y que no tenía expectativas de sobrevivir.

“Hace mucho ella decidió donar sus órganos, y está siendo mantenida en soporte vital para determinar si alguno de los mismos resulta viable“, había indicado el comunicado de su agente.

Heche está internada en el Centro de Quemados Grossman, ubicado en el Hospital West Hills de California, desde el pasado 5 de agosto, cuando sufrió un choque con su auto mientras manejaba, presuntamente bajo la influencia de narcóticos -según el informe policial- en el barrio residencial de Mar Vista, en Los Ángeles.

Heche estuvo casada con la actriz y presentadora Ellen DeGeneres y saltó a la fama a partir de su laureada participación en la telenovela “Another World”, además de protagonizar varios años después la serie “Men in Trees”.

En tanto, en cine, la intérprete tomó parte en títulos como “Donnie Brasco”, “Volcano”, “Sé lo que hicieron el verano pasado”, “Por la vida de un amigo” y “Return to Paradise”, “Mentiras que matan” y en la remake de Gus van Sant de “Psicosis”, en la que recreó la famosa escena siendo acuchillada en la ducha.

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“Mi mamá soy yo” narra desde el humor los vaivenes de tres generaciones de mujeres

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Mi mam soy yo se podr ver desde este sbado a las 17 en el porteo teatro El Tinglado
“Mi mamá soy yo” se podrá ver desde este sábado a las 17 en el porteño teatro El Tinglado.

El director y actor Luciano Cazaux estrena “Mi mamá soy yo”, obra a la que define como “una comedia dramática hondamente emotiva y plagada de humor”, que se podrá ver desde este sábado a las 17 en el porteño teatro El Tinglado.

“Es una obra que refleja el mundo de tres generaciones bien distintas de mujeres y a su vez aquello que las une. La ternura y el dolor inmerso en las relaciones quebradas y el humor que subyace detrás del amor y que en definitiva es un salvavidas estupendo”, expresó en una entrevista con Télam Cazaux, quien este año volvió a los escenarios con la exitosa “Bang Bang y somos historia”, comedia que se alzó con un premio ACE a Mejor Espectáculo de Humor en 1999, la cual dirige y protagoniza.

“Me encantaría que las personas se vean reflejadas y se diviertan de la misma forma que me pasa a mí cada vez que presencio un ensayo. Cuando veo la obra pienso en mi propia madre y en mis relaciones familiares”, confesó el autor de las adaptaciones teatrales de títulos como “Eva y Victoria”, “El día que Nietszche lloró” y “El anatomista”, entre otras.

La trama, protagonizada por Martina Perret, Ana Praderío y Sofía Maluf, atraviesa la fracturada relación entre una madre con algunas alteraciones cognitivas, una hija y una nieta, y cómo al verse obligadas a convivir, con todo lo que ello implica, irán camino a recomponer el vínculo a partir del humor.

“La reflexión más sobresaliente de la historia es que el rencor sólo engendra infelicidad a quien lo padece, que unirse a alguien por algo más que no sea el amor lleva indefectiblemente a una sensación de fracaso y que el perdón siempre es liberador para la víctima y no para el victimario”, dijo el actor que en cine protagonizó los filmes “Motín en Sierra Chica”, “Pájaros negros” y “Regresados”, y fue coprotagonista de “El túnel de los huesos”.

“La reflexión más sobresaliente de la historia es que el rencor sólo engendra infelicidad a quien lo padece, que unirse a alguien por algo más que no sea el amor lleva indefectiblemente a una sensación de fracaso y que el perdón siempre es liberador para la víctima y no para el victimario”Luciano Cazaux

¿Cuál fue el disparador de la historia?

En cuanto al texto dramático, lo escribí hace varios años y recién ahora lo puedo llevar a escena, se dieron las condiciones y no fue una sola cosa sino varias las que lo inspiraron. Por un lado, la enfermedad de Alzheimer que siempre me llamó la atención, por miedo, por curiosidad ante algo que nadie puede comprender del todo y que cambia el comportamiento y, por ende, en muchísimos casos la personalidad por completo. Por otro lado, historias familiares desopilantes de abuelos y abuelas que tenían manías que no podían menos que hacernos reír y, por último, una breve anécdota de un amigo. Aunque también se suma a esto una frase hecha que siempre me llamó la atención: “Cuando tenía las respuestas, me cambiaron las preguntas”. Ahora bien, en cuanto a la posibilidad de producir la obra, fue la iniciativa de Ana Praderío, una de las protagonistas (la abuela de la obra) que se acercó a mí para proponerme dirigirla. Ensayamos mucho tiempo en su casa de General Rodríguez y luego acercamos la propuesta al teatro El Tinglado que nos abrió las puertas.

¿Qué elementos tuviste en cuenta para el armado de los personajes?

Mi propia historia, la observación de mi madre, lo que aportó cada actriz con su “physique du role” y sus formas de actuar y de ser, la compasión, el amor, la ternura. Las diferencias de cada generación a la hora de entender qué cosas son las que nos hacen sentir realizados. Por ejemplo, hasta bien entrado el siglo XX una mujer sólo se realizaba si tenía un hombre como marido, una familia a quien cuidar casi en condiciones de esclavitud y la que no se casaba, se quedaba, según la creencia popular, para “vestir santos” así fuera una profesional de éxito y carrera.

¿Cómo describís la relación entre las tres mujeres en la trama?

Es una relación de amor, odio, ternura y humor, donde la ironía y el sarcasmo bien entendidos distiende las tensiones generadas por la convivencia y la falta de entendimiento básico.

Teniendo en cuenta que las protagonistas son mujeres de distintas generaciones, ¿hay una mirada que contemple la perspectiva de género en la obra?

Es casi inevitable que así sea, cada una de ellas tiene su propia opinión y su propia mirada generacional y eso enriquece la historia y arranca carcajadas ante lo disímiles que son. De todas formas, es dable aclarar que no pretendemos arrogarnos el derecho de ser “la voz” de lo femenino sino solamente unes opinadores. La nuestra es sólo una opinión y tengo muy en cuenta que soy un varón cis hablando de mundos femeninos. Ahora, las tres actrices que protagonizan la obra me han hecho crecer como persona al brindarme tan a flor de piel su enorme inteligencia emocional para poder hacer crecer un texto que, nobleza obliga, era mucho menos rico en el papel que lo que es ahora en escena.

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