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Laura Citarella, la alegría y el vértigo por competir con “Trenque Lauquen” en Venecia

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La historia comienza con la desaparicin de una mujer y dos hombres que la aman que salen en su bsqueda Cada uno de ellos tiene su propia sospecha de por qu se fue Foto Cris Sille
La historia comienza con la desaparición de una mujer y dos hombres que la aman que salen en su búsqueda. Cada uno de ellos tiene su propia sospecha de por qué se fue. / Foto: Cris Sille

La directora argentina Laura Citarella consideró “un shock de alegría y vértigo” la posibilidad de competir en la la sección Orizzonti (Horizontes) en 79na. edición del Festival de Venecia, que se desarrollará en esa ciudad italiana del 31 de agosto al 10 de septiembre.

“Nosotros nos movemos en la periferia. El hecho de que la película esté seleccionada para un festival con tanta relevancia como el de Venecia fue un shock de alegría y vértigo”, dijo la directora en declaraciones formuladas a Télam.

La categoría Horizontes es la segunda en importancia de la Mostra y está dedicada a las nuevas corrientes expresivas del cine

“Trenque Lauquen” es una película independiente y autogestionada que se divide en dos partes de dos horas cada una, con un intervalo en el medio, y que combina diferentes géneros, desde la comedia romántica hasta lo fantástico y lo detectivesco.

La historia comienza con la desaparición de una mujer y dos hombres que la aman que salen en su búsqueda. Cada uno de ellos tiene su propia sospecha de por qué se fue, y la oculta al otro que -misteriosamente- nunca llega a ser su rival.

Esa huida repentina se revela como el centro secreto de una serie de ficciones que el filme, sutilmente, se encarga de entretejer: el secreto del corazón de otra mujer, perdida también hace ya muchos años; el secreto de la vida de un pueblo de campo, sacudido por un acontecimiento sobrenatural que nadie parece percibir; el secreto de la llanura, que no deja de extenderse y devorarlo todo, como las sombras que inundan el mundo después del atardecer.

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Citarella se graduó en la Universidad del Cine (FUC) e integra desde 2005 junto a Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu El Pampero Cine. / Foto: Cris Sille

Quién es la directora

Citarella se graduó en la Universidad del Cine (FUC) e integra desde 2005 junto a Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu El Pampero Cine, desde donde produjo de manera independiente los films “Historias Extraordinarias”, “La Flor”, “Castro” y “Por el dinero”, entre otros.

Además, dirigió el corto “Tres juntos” (ganador del concurso Historias Breves 5 organizado por el Incaa) y los largometrajes “Ostende” (estrenado en el Bafici, donde obtuvo una mención especial de la Asociación de Cronistas Argentinos), “La mujer de los perros” (que participó en 2015 del Festival de Cine de Rotterdam) y “Las poetas visitan a Juana Bignozzi” (que ganó como mejor directora en el Festival de Mar del Plata).

De acuerdo a la directora, el paso por el festival italiano será “como una gran salida al mundo para ‘Trenque Lauquen'” y consideró que el haber quedado seleccionado “es un reconocimiento a una película que vengo filmando hace cinco años”

“En el medio, desde El Pampero estrenamos otras películas, yo hice ‘Los poetas…’, fui madre, hubo una pandemia. De repente, estar viendo un ‘deadline’ claro de que esta película se muestra en una fecha determinada no es solamente la alegría de estar en este festival, sino de ver que sale al mundo un proyecto con el que vengo conviviendo desde hace mucho tiempo”, indicó.

En ese sentido, Laura especificó que “es difícil contar de qué se trata” porque el filme “pasa por diferentes géneros y estadíos” y subrayó que escribió el guion junto a la protagonista, Laura Paredes.

“Filmamos ese guión durante un tiempo. Después, la película se fue reestructurando. Surgieron ideas nuevas que hicieron que ‘Trenque Lauquen’ creciera para todos lados”, remarcó Citarella.

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“La clave de la producción de la película es que mi marido es actor y productor, la actriz es amiga y esposa de mi socio, Mariano Llinás”, recalcó. / Foto: Cris Sille.

La directora contó que el largometraje “es una especie de saga de ‘Ostende'” y explicó que “está el mismo personaje, Laura, que en la otra película estaba en una playa de la provincia de Buenos Aires y acá en un pueblo o ciudad pampeana” y señaló que ambos trabajos mantienen “la misma lógica”.

“La película fue creciendo en función de que a una le fueron pasando cosas en la vida. Esto es algo independiente y familiar. De hecho, Ezequiel, mi marido, es uno de los productores de la película y tiene además un papel como actor. Luego tuvimos una hija, Lucía, que ahora también aparece en la película, siempre sin irse del eje de qué trata”, graficó.

Al referirse al proceso de rodaje, la cineasta reconoció la complejidad de llevar a cabo la filmación “sin plata”, expuso que la estructura de trabajo de la productora es “muy familiar”, lo que admite “algo más doméstico en términos de producción”.

“La clave de la producción de la película es que mi marido es actor y productor, la actriz es amiga y esposa de mi socio, Mariano Llinás”, recalcó.

No obstante, resaltó que debieron trabajar “constantemente para renovar los apoyos de producción para ir consiguiendo fondos internacionales”.

 Laura especific que es difcil contar de qu se trata porque el filme pasa por diferentes gneros y estados y subray que escribi el guion junto a la protagonista Laura Paredes Foto Cris Sille
, Laura especificó que “es difícil contar de qué se trata” porque el filme “pasa por diferentes géneros y estadíos” y subrayó que escribió el guion junto a la protagonista, Laura Paredes. / Foto: Cris Sille.

En ese marco, Citarella remarcó que trabaja “en la recta final de la película” para llegar a terminarla de cara al Festival y aseveró que “eso implica trabajar rápido, con poca gente y poca plata, algo a que nosotros nos es muy natural en El Pampero”.

Posteriormente, se refirió al hecho de que tres producciones nacionales vayan a participar del Festival -“Argentina, 1985”, de Santiago Mitre, y “Camarera de piso”, de Lucrecia Martel, además de la suya- y evaluó que “fue una novedad muy buena para el cine argentino que haya esta presencia”.

“Obviamente, no sé si eso habla de un panorama frente al mundo. Tras dos años de pandemia, los festivales se cerraron, los fondos que antes eran directos para aplicar ahora tienen mediaciones. El mundo se achicó y Argentina quedó relegada”, analizó.

Así, planteó que “la cinematografía argentina es muy rica” y manifestó que “esto está bueno, pero venimos de años difíciles”.

“Los más chicos quedamos todo el tiempo en los márgenes. Nosotros somos independientes y nos reinventamos para seguir existiendo. Pero esto le hizo mucho daño a las producciones medianas que han sido importantes para el panorama del cine argentino. Hay que usar este envión como para ver si se confirma que hay que seguir impulsando el cine argentino en el mundo”, concluyó.

“Trenque Lauquen” está protagonizada por Laura Paredes Ezequiel Pierri, Rafael Spregelburd, Elisa Carricajo, Juliana Muras, Verónica Llinás y Cecilia Rainero, cuenta con el apoyo de Hubert Bals Fund, World Cinema Fund, Mecenazgo Cultural, Fondo Nacional de las Artes, Fondo Metropolitano y Universidad del Cine y fue coproducida por Grandfilms.

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A 25 años de “El garante”, la joya que anticipó la revolución de las series argentinas

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El garante la multipremiada miniserie de terror y suspenso
“El garante”, la multipremiada miniserie de terror y suspenso.

“El garante”, la multipremiada miniserie de terror y suspenso sobre un enviado del Diablo que llega para cobrarse el alma de un psicólogo porteño, y que adelantó la sofisticación en las narrativas televisivas que llegaría con el cambio de milenio, cumple este sábado 25 años de su estreno en Canal 9 instituida como un producto que fue “revolucionario” para el audiovisual nacional.

Así lo considera en charla con Télam su creador y director, Sebastián Borensztein, que aquel 13 de agosto de 1997 era un joven treintañero dando los primeros pasos en la ficción luego de trabajar por años en los programas de su padre, el recordado Tato Bores.

“Que tu primera ficción sea ‘El garante’ es fuerte, arranqué muy arriba”, reconoce el también guionista y escritor sobre cómo lo posicionó la serie protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia, acreedora al año siguiente de cuatro premios Martín Fierro, nominada por el mundo, reversionada luego en Chile y que hasta fue el primer producto de la televisión argentina adaptado como libro.

“Que tu primera ficción sea ‘El garante’ es fuerte, arranqué muy arriba”Sebastián Borensztein

Pese a que nunca volvió al género de terror, su trayectoria continuó por la senda del reconocimiento, con series como “Tiempo final” (2000) o “Iosi, el espía arrepentido” (2022), y filmes como “Un cuento chino” (2011), “Kóblic” (2016) o “La odisea de los giles” (2019).

“El garante” es un caso paradójico: por un lado fue pionera en su estructura de 8 capítulos, precursora en el uso de los exteriores y acaso la última vez que el terror como género fue visitado con suceso en el prime time televisivo del país. Por el otro, sin embargo, parece ser siempre la gran olvidada a la hora de enumerar “las mejores series argentinas de todos los tiempos”.

Quizás pague el precio de haber llegado demasiado pronto, y por eso no se la agrupe con la rupturista “Tiempo final” -que trajo la idea del relato en tiempo real que luego se popularizaría con la norteamericana “24”-, “Okupas” (2000, de Bruno Stagnaro) o “Los simuladores” (2002, de Damián Szifron).

La serie fue protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia y acreedora al ao siguiente de cuatro premios Martn Fierro
La serie fue protagonizada por Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia y acreedora, al año siguiente, de cuatro premios Martín Fierro.

La trama de la serie, que desafortunadamente por el momento solo puede encontrarse en baja calidad en YouTube, debutó ese miércoles 13 de agosto en Canal 9 Libertad y no se tomaba ni un minuto en plantear el conflicto. Sin rodeos, para atrapar desde el comienzo, el personaje de Martín Rivera (Sbaraglia) acudía a un bar donde lo había citado un tal José Sagasti (Cruz).

Magnético, como si hubiera nacido para el rol, Sagasti borraba la sonrisa protocolar de las presentaciones y soltaba: “Su abuelo dejó una cuenta pendiente”. Entonces, el joven psicólogo se enteraba de que por ser el primer descendiente varón debía pagar con su alma el acuerdo que su abuelo había sellado con Satán.

Incrédulo, desestima al hombre y decide continuar con su vida. Solo que con el correr de los episodios, Sagasti -él mismo apurado por el señor de los infiernos para cumplir con el mandado- comienza a poner en peligro la vida de sus seres queridos para que Rivera acepte voluntariamente entregar su alma.

Aquel juego del gato y el ratón contado a ritmo de suspenso con tintes de terror psicológico conquistó al público y a la crítica. Pero la serie que Borensztein escribió junto con Walter y Marcelo Slavich, que también tuvo la actuación de Eleonora Wexler, Luis Luque, David Masajnik, Luis Ziembrowski y Claudio Rissi, entre más, fue rechazada inicialmente por todos los canales y pudo no haber visto nunca la luz.

Telam SE

¿Tenías presente el aniversario? ¿Cuándo fue la última vez que viste la serie?

No, no me acordaba. Yo no la volví a ver, y honestamente no vuelvo a ver nada de lo que hago más allá del momento, de escribirlo, de rodarlo, de editarlo, de estrenarlo. Capaz que después lo veo una vez más y ya está. No tengo la cosa de quedarme pegado ahí.

¿Cómo nació la serie?

Un amigo me había dicho “¿por qué no hacés algo de terror, que no hay nada de eso en la televisión?”. Yo venía de trabajar con mi viejo. Y me puse a pensar en una de terror, pero no soy muy afín al terror, de la sangre y la motosierra y “Martes 13” y Jason. Me va más que nada el terror psicológico, las cosas que están en el borde, que pensás “puede ser real o no”. Me acuerdo que estaba en un hotel en Chile y se me ocurrió toda junta la idea y la escribí en los papeles que encontré por ahí; la idea básica de un tipo que es garante con su alma de una operación, de un pacto con el demonio de dos generaciones atrás.

Una subversión del mito del Fausto.

Claro, pero en algún sentido es peor, porque el Fausto saca provecho de esa operación. Él vende el alma por una razón, en cambio el garante no sacó provecho él. Simplemente fue un garante sin saberlo, por ser el descendiente varón de quien sí vendió su alma. Entonces el tipo dice “¿yo por qué te tengo que pagar nada, si yo no disfruté de los beneficios de la venta?”. Esa era la vuelta de tuerca que tenía, la idea alegórica de que las generaciones futuras pagan por los pecados de las generaciones anteriores.

A 25 años, es un tema que en la Argentina ha envejecido bien…

Sí, porque yo creo que siempre hay deudas. Y más en sociedades como la nuestra, lo estamos viendo. Todos heredamos un problema, una deuda pesada. Vamos dejando deudas morales, deudas legales, éticas, de todo tipo.

Leonardo Sbaraglia Foto captura de pantalla
Leonardo Sbaraglia. Foto: captura de pantalla

¿Y cómo pasó de la idea a Canal 9?

“El garante” tiene una vuelta desconocida para todos y es que nadie quiso comprar la serie una vez que estuvo hecho el piloto. Lo hicimos de manera independiente y lo salimos a ofrecer al 11 y al 13, que eran nuestras apuestas, y ninguno de los dos quiso el proyecto. Lo llevamos al 9 también y no pasó nada. Un año después, cuando “El garante” estaba guardado en un cajón y yo ya estaba pensando en otras cosas, un domingo me llama por teléfono a mi casa Alejandro Romay, que en aquel entonces era dueño del Canal 9, y me dice, “mirá, yo traigo a mi casa todos los pilotos que están en el canal y que son rechazados o que nadie mira, mis nietos los miran, y ayer me empezaron a decir que “El garante” tiene que ir al aire, así que me puse a mirar el piloto y estoy de acuerdo con ellos”. Ahí fue que después de todos los rechazos, lo salvó la generación Sub 20 de nietos de Romay.

¿Cómo recordás el proceso?

Se contrató a través de Canal 9 y ahí sí, salimos a producir de manera totalmente independiente. Nosotros trabajamos en la calle y le llevábamos al canal la lata cerrada terminada, lista para ir al aire. Todo el proceso fue un gran sacrificio. Me acuerdo que un día estábamos rodando y le digo a la productora, Susana Rudni, “¿a qué hora empecé a rodar? Porque estoy que no veo nada, ya no veo”. Eran las 4 de la mañana y hacía 17 horas que estaba filmando. Eso es porque estaba, no sé, sumergido, tan apasionado.

¿Cómo llegaron Lito Cruz y Leonardo Sbaraglia?

Enseguida los visualizamos como los personajes. Les conté la historia, les hice leer los capítulos y se recontra engancharon y fuimos para adelante.

Lito fue un gran actor. En el registro en el que se necesitaba para el personaje de Sagasti él se manejaba como pez en el agua, en ese registro nadie supera a Lito. Tiene esa mezcla de picardía de barrio con sabiduría con un montón de cosas que hacía perfecto ese enviado del diablo. Y Leo también tenía el registro perfecto de ese tipo palermitano que no podía creerse lo que le decían, no se iba a creer tan fácil el cuento de este diablo hasta que la cosa se le empieza a poner espesa.

¿Qué lugar sentís que ocupa “El garante” en el audiovisual argentino?

Me parece que hay por un lado una memoria colectiva de todo eso. La gente me lo recuerda y quedó grabado fuerte. También hay que contarlo dentro del contexto, es decir, no era usual en absoluto ver en los años 90, una miniserie de ocho capítulos totalmente rodada en exteriores, con una temática completamente ajena a lo que la televisión venía contando. Fue realmente un giro. Después vinieron más cosas, pero para ese momento “El garante” fue revolucionario.

¿Y en tu trayectoria qué lugar ocupa?

Ocupa un lugar muy importante porque fue un puntapié inicial por ser la primera ficción, por haber sido tan novedosa y exitosa me colocó en un lugar muy favorable, muy auspicioso. Generó una expectativa acerca de mi potencial.

¿Qué aprendiste de “El garante” que hayas puesto en práctica en adelante?

Un aprendizaje que fue fundamental para mi carrera, que es que cuando las cosas son buenas llegan a las manos de alguien que aprieta play y lo manda al aire. Es decir, yo tuve muchas instancias para desanimarme a lo largo de “El garante”, muchas. Entonces aprendí a confiar en el instinto, en que cuando tenés entre manos algo que es novedoso, que es revolucionario, más tarde o más temprano va a ver la luz.

Foto gentileza Sebastin Borensztein
Foto: gentileza Sebastián Borensztein

Por qué no hay más producciones como “El garante”

Su creador y director, el realizador y guionista Sebastián Borensztein, conversó con Télam sobre las razones por las que hay pocos ejemplos de producciones de alto presupuesto en el género del terror.

Además de Narciso Ibáñez Menta, que obviamente es una referencia ineludible, y “El garante”, no hay muchas experiencias de terror en el mainstream de la pantalla chica. ¿Por qué pensás que no se visita tanto el género en Argentina?

Me parece que es difícil entrarle al género cuando te escapás de la obviedad del muerto que regresa de la muerte y le mete un hacha en la cabeza al que lo mató. Te vas de ese terror clásico y es más complejo. Jugar con el terror psicológico es complejo.

Es como el humor, ¿por qué no hay más cosas de humor? Porque el humor te sale bien o no te sale. Yo creo que no son géneros fáciles: ni hacer humor, ni hacer terror.

Ni siquiera con este reverdecer de la ficción argentina de la mano de las plataformas surgen títulos de género.

SB: También a veces son modas y son rachas. Cuando hicimos “El garante” vinieron detrás algunos otros intentos de hacer cosas semejantes. A lo mejor no es del interés de los realizadores ponerse a pensar en esto. De hecho yo hice una y no hice ninguna más.

¿Cómo ves hoy la industria argentina a partir de todo este ingreso de plataformas? A ustedes les fue muy bien con “Iosi, el espía arrepentido”.

SB: Desde el punto de vista de la industria y de la generación de trabajo es muy auspicioso porque hay más bocas de expendio, por decirlo así, y aparecen jugadores que arriesgan su dinero para la ficción. No tenés que salir a buscar financiación ni aportes del Incaa, ni coproductores extranjeros, ni adelantos de distribución, ni nada. A la plataforma le gusta la película, la paga y le pertenece. Después podremos discutir la calidad de todo eso, y como siempre hay de todo. En el caso de “Iosi” es una serie que a nosotros nos llevó cuatro años, no es que se abría una ventana en una plataforma y dijimos “tirémonos con lo que hay”. Es un trabajo realmente muy minucioso y el resultado es el que es.

¿Cómo es trabajar con la mirada de una plataforma internacional encima?

Con Daniel Burman, que es el productor de la serie, el discurso fue “confíen en nosotros”. Por supuesto que la gente de Amazon ha estado encima del proyecto supervisando y mirando, y tuvimos mucha libertad para trabajar.

Tenemos mucha imaginación, en la escritura, en la producción, y si a lo largo de la vida hemos hecho una carrera con buenos resultados, lo lógico es que el que está del otro lado del mostrador comprando una propuesta que llevás confíe en toda esa experiencia que vos vas a poner al servicio de ese producto.

Y lo conecto con “El garante”: yo no tuve relación con Romay durante el proceso. Rodamos durante dos meses y rodamos siete capítulos y cada vez que el capítulo estaba terminado, lo entregábamos y nos pagaban para financiar el siguiente, nunca hubo intervención. Fue dejarlo en las manos nuestras y ahí está parte de la cosa. Cuando te dejan trabajar y te dejan hacer lo que sabés hacer, tenés muchas más posibilidades de que te vaya bien.

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Anne Heche padece muerte cerebral: su corazón aún late a la espera de donar sus órganos

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Foto AFP
Foto: AFP.

La actriz estadounidense Anne Heche, que el pasado 5 de agosto sufrió un choque con su automóvil, padece muerte cerebral pero aún continúa conectada a equipos de asistencia mecánica y su corazón sigue latiendo, informó el medio especializado Variety citando a su representante.

La actriz de “Psycho” y “Seis días, siete noches” fue declarada legalmente muerta en el estado de California pero continúa conectada a equipos de asistencia mecánica para que sus órganos sigan funcionando a la espera de que puedan ser donados y utilizados en caso compatibilidad para trasplante.

Variety señaló que se informó que Heche puede ser desconectada de la asistencia mecánica entre el sábado y el martes próximos.

“Hoy perdimos una luz brillante, un alma amable y alegre, una madre amorosa y una amiga leal”, dijeron sus familiares y amigos en un comunicado, que reproduce el medio que cubre la información de Hollywood.

“Anne será profundamente extrañada, pero vive a través de sus hermosos hijos, su icónico cuerpo de trabajo y su apasionada defensa”, continuó el texto.

“Mi hermano Atlas y yo perdimos a nuestra mamá”, dijo el hijo de Heche, Homer Laffoon, en un comunicado.

“Después de seis días de cambios emocionales casi increíbles, me quedo con una profunda tristeza sin palabras. Ojalá mi mamá esté libre de dolor y comience a explorar lo que me gusta imaginar como su libertad eterna“, agregó Homer.

Más temprano, un comunicado del representante de la actriz había informado que “debido al accidente, Anne sufrió una lesión severa de anoxia cerebral y permanece en coma, en estado crítico” y que no tenía expectativas de sobrevivir.

“Hace mucho ella decidió donar sus órganos, y está siendo mantenida en soporte vital para determinar si alguno de los mismos resulta viable“, había indicado el comunicado de su agente.

Heche está internada en el Centro de Quemados Grossman, ubicado en el Hospital West Hills de California, desde el pasado 5 de agosto, cuando sufrió un choque con su auto mientras manejaba, presuntamente bajo la influencia de narcóticos -según el informe policial- en el barrio residencial de Mar Vista, en Los Ángeles.

Heche estuvo casada con la actriz y presentadora Ellen DeGeneres y saltó a la fama a partir de su laureada participación en la telenovela “Another World”, además de protagonizar varios años después la serie “Men in Trees”.

En tanto, en cine, la intérprete tomó parte en títulos como “Donnie Brasco”, “Volcano”, “Sé lo que hicieron el verano pasado”, “Por la vida de un amigo” y “Return to Paradise”, “Mentiras que matan” y en la remake de Gus van Sant de “Psicosis”, en la que recreó la famosa escena siendo acuchillada en la ducha.

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“Mi mamá soy yo” narra desde el humor los vaivenes de tres generaciones de mujeres

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Mi mam soy yo se podr ver desde este sbado a las 17 en el porteo teatro El Tinglado
“Mi mamá soy yo” se podrá ver desde este sábado a las 17 en el porteño teatro El Tinglado.

El director y actor Luciano Cazaux estrena “Mi mamá soy yo”, obra a la que define como “una comedia dramática hondamente emotiva y plagada de humor”, que se podrá ver desde este sábado a las 17 en el porteño teatro El Tinglado.

“Es una obra que refleja el mundo de tres generaciones bien distintas de mujeres y a su vez aquello que las une. La ternura y el dolor inmerso en las relaciones quebradas y el humor que subyace detrás del amor y que en definitiva es un salvavidas estupendo”, expresó en una entrevista con Télam Cazaux, quien este año volvió a los escenarios con la exitosa “Bang Bang y somos historia”, comedia que se alzó con un premio ACE a Mejor Espectáculo de Humor en 1999, la cual dirige y protagoniza.

“Me encantaría que las personas se vean reflejadas y se diviertan de la misma forma que me pasa a mí cada vez que presencio un ensayo. Cuando veo la obra pienso en mi propia madre y en mis relaciones familiares”, confesó el autor de las adaptaciones teatrales de títulos como “Eva y Victoria”, “El día que Nietszche lloró” y “El anatomista”, entre otras.

La trama, protagonizada por Martina Perret, Ana Praderío y Sofía Maluf, atraviesa la fracturada relación entre una madre con algunas alteraciones cognitivas, una hija y una nieta, y cómo al verse obligadas a convivir, con todo lo que ello implica, irán camino a recomponer el vínculo a partir del humor.

“La reflexión más sobresaliente de la historia es que el rencor sólo engendra infelicidad a quien lo padece, que unirse a alguien por algo más que no sea el amor lleva indefectiblemente a una sensación de fracaso y que el perdón siempre es liberador para la víctima y no para el victimario”, dijo el actor que en cine protagonizó los filmes “Motín en Sierra Chica”, “Pájaros negros” y “Regresados”, y fue coprotagonista de “El túnel de los huesos”.

“La reflexión más sobresaliente de la historia es que el rencor sólo engendra infelicidad a quien lo padece, que unirse a alguien por algo más que no sea el amor lleva indefectiblemente a una sensación de fracaso y que el perdón siempre es liberador para la víctima y no para el victimario”Luciano Cazaux

¿Cuál fue el disparador de la historia?

En cuanto al texto dramático, lo escribí hace varios años y recién ahora lo puedo llevar a escena, se dieron las condiciones y no fue una sola cosa sino varias las que lo inspiraron. Por un lado, la enfermedad de Alzheimer que siempre me llamó la atención, por miedo, por curiosidad ante algo que nadie puede comprender del todo y que cambia el comportamiento y, por ende, en muchísimos casos la personalidad por completo. Por otro lado, historias familiares desopilantes de abuelos y abuelas que tenían manías que no podían menos que hacernos reír y, por último, una breve anécdota de un amigo. Aunque también se suma a esto una frase hecha que siempre me llamó la atención: “Cuando tenía las respuestas, me cambiaron las preguntas”. Ahora bien, en cuanto a la posibilidad de producir la obra, fue la iniciativa de Ana Praderío, una de las protagonistas (la abuela de la obra) que se acercó a mí para proponerme dirigirla. Ensayamos mucho tiempo en su casa de General Rodríguez y luego acercamos la propuesta al teatro El Tinglado que nos abrió las puertas.

¿Qué elementos tuviste en cuenta para el armado de los personajes?

Mi propia historia, la observación de mi madre, lo que aportó cada actriz con su “physique du role” y sus formas de actuar y de ser, la compasión, el amor, la ternura. Las diferencias de cada generación a la hora de entender qué cosas son las que nos hacen sentir realizados. Por ejemplo, hasta bien entrado el siglo XX una mujer sólo se realizaba si tenía un hombre como marido, una familia a quien cuidar casi en condiciones de esclavitud y la que no se casaba, se quedaba, según la creencia popular, para “vestir santos” así fuera una profesional de éxito y carrera.

¿Cómo describís la relación entre las tres mujeres en la trama?

Es una relación de amor, odio, ternura y humor, donde la ironía y el sarcasmo bien entendidos distiende las tensiones generadas por la convivencia y la falta de entendimiento básico.

Teniendo en cuenta que las protagonistas son mujeres de distintas generaciones, ¿hay una mirada que contemple la perspectiva de género en la obra?

Es casi inevitable que así sea, cada una de ellas tiene su propia opinión y su propia mirada generacional y eso enriquece la historia y arranca carcajadas ante lo disímiles que son. De todas formas, es dable aclarar que no pretendemos arrogarnos el derecho de ser “la voz” de lo femenino sino solamente unes opinadores. La nuestra es sólo una opinión y tengo muy en cuenta que soy un varón cis hablando de mundos femeninos. Ahora, las tres actrices que protagonizan la obra me han hecho crecer como persona al brindarme tan a flor de piel su enorme inteligencia emocional para poder hacer crecer un texto que, nobleza obliga, era mucho menos rico en el papel que lo que es ahora en escena.

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